El observador tiene que aprender a mirar el cuadro como representación gráfica de un estado de ánimo, y no como representación de ciertos objetos» Vassili Kandinsky

Mike May quedó ciego a los tres años a causa de una explosión química. Después de toda una vida de ceguera recuperó parcialmente la vista gracias a la cirugía. Tras la operación, muchas situaciones cotidianas comenzaron a resultar muy difíciles de analizar y gestionar. La avalancha de información visual, de la que Mike había prescindido toda su vida, empezó a cambiar su percepción del mundo y el medio en el que vivía. Las carreteras empezaron a tener curvas y las montañas pendientes. Los pacientes que han recuperado la visión pueden tener que afrontar muchos retos a causa de la reorganización del cerebro realizada durante un largo periodo de ceguera. Tres años después de la cirugía, los médicos ... le dijeron a Mike que su cerebro había perdido la plasticidad y carecía de la memoria necesaria para interpretar correctamente la información visual que percibía.

Esta historia paradójica demuestra la importancia de los procesos cognitivos que nos permiten interpretar lo que vemos. Es en el cerebro donde tiene lugar el complicado proceso de la percepción visual gracias al cual somos capaces de percibir la forma de los objetos, identificar distancias y detectar los colores y el movimiento. En ese proceso nuestra memoria visual, nuestra experiencia, nos permite interpretar lo que vemos y entender, por ejemplo, que una mancha oscura en el asfalto es un socavón. Por contra, las ilusiones ópticas, los espejismos o los trampantojos sobresaltan las expectativas que nuestro cerebro genera en el proceso de lectura e interpretación de los estímulos visuales que reciben nuestros ojos. En la historia del arte, el conocimiento de estos mecanismos ha permitido domesticar la visión del espectador al servicio de la intención artística. Se trata de jugar con los colores y las líneas para fabricar perspectivas capaces de engañar nuestra comprensión de espacios y volúmenes e introducirnos, finalmente, en una determinada visión del mundo.

El trabajo de Cristina Silván parte de un ejercicio de síntesis donde los elementos plásticos son reducidos al máximo para ofrecer una experiencia visual en la que las referencias de la percepción son sistemáticamente subvertidas. El suyo es un universo particular, interdimensional, donde las sensaciones volumétricas emergen de los planos gracias a la fusión de colores, al trazo de las líneas y a la manera de instalar, en recorte y en volandas, los objetos en el espacio expositivo. Las obras presentadas en esta exposición constituyen un conjunto de rompecabezas y perspectivas imposibles, sutiles juegos de engaños verosímiles que permiten desplazar nuestro punto de vista sobre el objeto geométrico a los territorios mentales de la abstracción.

La radicalidad iconoclasta de la abstracción geométrica, en tiempos de literalidad extrema, de materialismo obsceno, opera como una suerte de revulsivo. Las obras de Cristina Silván funcionan como resortes que nos transmutan, desde una honestidad muy bienvenida, a cosmogonías no exentas de misticismo, un fuera de desde dentro de, reversible, replegado. La representación de la complejidad simplificada deviene un laberinto emocional y atemporal, territorio regalado a la sublimación. Pliegues, requiebros, contrastes, desencajes, uniones, implosiones, salidas de plano, contrastes, simulaciones, juegos, engaños, guiños, distancias, grosores, fugas, visiones, uniones, centros, movimientos, partes, composiciones, relaciones, autonomías y círculos. La elasticidad de la serie es tan fútil como poética, pero como ejercicio de síntesis ofrece un marco de referencias a los que arrojar experiencias propias a golpe de intuiciones y esencialidades. Entre la representación y la percepción hay un camino de ida y vuelta, un espacio mental tan plástico y dinámico como la Galaxia.

Amanda Cuesta, Barcelona, 2012