El arte abstracto de vanguardia más internacional se muestra en Sevilla.
Tanto Jeroen Erosie como Stephen parecen entender la pintura como un medio para conseguir un fin. Ven cada trabajo como una suma de intentos y errores, un proceso que usan para permitir al espectador una percepción novedosa y continuamente cambiante de cada paso, acogiendo de este modo el efecto sorpresa, y pudiendo tanto aceptarlo como eliminarlo para alcanzar el siguiente nivel. Este proceso de repetición parece ser bastante similar en ambos artistas, aunque muy variante en su ejecución: usando ambos trabajos anteriores como guía, ajustando paulatinamente la dirección del cuerpo de cada obra como un todo. El título refleja la dualidad en este proceso; la pintura final es un acto de liberación visual no sólo en su ejecución, sino que también refleja una mentalidad, una auto contemplación a través de formas atrevidas y pasos sutiles que exaltan el proceso y...lo dejan visible para que sea tan meritorio como el resultado final.
En esta muestra podrá verse una selección de trabajos inéditos realizados en exclusiva para la exposición con técnicas como la pintura sobre lienzo, dibujos sobre papel, collages, y así hasta completar un total de más de 30 obras.
Una vez termine la muestra de Sevilla la exposición itinerará a la sede de Delimbo en Madrid, situada en la céntrica calle Doctor Fourquet, la principal calle dedicada al arte en españa con más de 19 galerías, y junto al museo de arte contemporáneo Reina Sofia y La casa encendida.
Tras 11 años de trayectoria Delimbo se ha convertido en una de las galerías referentes en arte contemporáneo nacional e internacional, ofreciendo una programación diferente a la del resto del panorama galerístico español, con exposiciones recientes como las individuales del argentino Felipe Pantone y el artista Norteamericano Momo o la colectiva "Friends & Family, Vol. II", con rabajos del propio Felipe Pantone, Jeroen Erosie (Holanda), SatOne (Alemania) y Sixe Paredes, y también representando a artistas como Hell'O Collective (Bélgica), Hense (Alex Brewer, USA) Suso33, Eltono (Francia), Nano4814, Boris Hoppek (Alemania), Momo (USA), Daniel Muñoz "SAN", Felipe Pantone (Argentina), Stephen Smith (Inglaterra), Louis Lambert, 3TTMAN (Francia), Andy Rementer (USA), Nuria Mora, María José Gallardo ó Okuda San Miguel, entre otros.
Sobre Stephen Smith
Biografía
Stephen Smith es un artista radicado en Reino Unido cuyas obras se dibujan en un proceso de construcción y deconstrucción.
En las manos de Smith, un lienzo nunca queda como un vehículo neutral que sirve exclusivamente como soporte a la pintura. En su lugar, funciona como un componente integral de sus obras, a la par que el color o las formas que las adornan. El lienzo se desgarra, rasga, pliega, arruga, estira, moja, corta, cose o incluso se extiende en capas. Muchos de estos procesos resaltan por sus cualidades físicas; representan imposiciones sobre el lienzo, cortándolo como un carnicero haría con un animal, imponiéndose la voluntad de Smith sobre el material a través de la fuerza. Los resultados, sin embargo, en absoluto sugieren violencia, muy lejos de evocar esa agresión ilegítima o super-destructiva, pues este proceso de desmantelamiento representa el medio por el cual sus pinturas están a su vez reconstruidas. Smith describe esto como su lucha entre belleza y brutalidad.
El desarrollo de estos procesos – ese movimiento entre lo gradual y fluido hasta lo crudo y dramático – está profundamente evidenciado en la superficie por el proceso de trabajo de Smith. A menudo, capas de pintura negra resbalan por la superficie del lienzo de manera irregular. Los bordes quedan desgastados, los hilos del canvas serpentean desechos, y restos de pintura salpican lienzos que se separan o se adhieren a otros. Hay algo de improvisado en ellos, una sensación de que Smith resalta esa cualidad en la iteración final del trabajo en un intento de capturar la espontaneidad de crear. Su procedimiento más reciente le ha llevado a crear una gran obra a través de la técnica del collage, combinando trabajos más pequeños, y de este modo aprovechando la energía de secciones múltiples procedentes de piezas de otros formatos menores dentro del paisaje de una nueva y única pintura. Como proceso, se asemeja de alguna manera al tratamiento de injerto por el que una planta se une sobre otra de manera artificial para crecer juntas como una sola. Dicho esto, parece que Smith nunca nos presenta un final absoluto, sino que está marcado por una perpetua volatilidad, pues muy posiblemente una obra finita sea posteriormente cortada y redistribuida – un trozo por aquí, un pedazo por allá –; las imágenes aparecen así como casi auto-propagadoras. Esta tensión entre orden y caos también relaciona simultáneamente el dominio que Smith tiene de los motivos y diseños con el abandono de control del todo.
Él construye longitudes para abrir su trabajo a posibles marcas accidentales: cortando y extrayendo por completo una sección central de un lienzo; doblando y desdoblando lienzos pintados para que la pintura se transfiera de uno a otro; usando lienzos sin tratar para pintarlos desde su reverso con una pintura diluida y muy difícil de tratar, o bañando el lienzo en piscinas de tinta.
De este modo, el trabajo de Smith retiene su continua lucha para sintetizar esa energía tan natural al dibujo en sus trabajos de gran escala. El artista ve el dibujo como algo fundamental, describiendo el proceso como “dibujar hacia la pintura.” Esta es quizás la razón por la que gran parte de su trabajo recuerda a Paul Klee – aunque diez veces ampliado, – quien describió el dibujo como “sacar una recta a pasear.” Esta reivindicación está fundamentada en la creencia de que dibujar es fundamentalmente un proceso intuitivo y espontáneo en el que una línea puede ir hacia cualquier lugar en cualquier momento. Del mismo modo, Smith se esfuerza por conservar abiertas tantas opciones como sea posible para las futuras marcas e incisiones que acechan la superficie de sus pinturas, bien sean intencionalmente dibujadas, impresas, o accidentalmente salpicadas o desteñidas.
http://stephen--smith.com
Sobre Jeroen Erosie
Biografía
La práctica de Jeroen Erosie se desarrolla a partir del proceso fluido y dinámico de lettering del graffiti. Esta disciplina - donde las líneas, las letras, y las formas cambian de forma gradual y casi imperceptible hacia resultados impredecibles - ha permanecido siempre en el centro de su producción, hasta tal punto que marca toda su práctica con un distintivo único. Sus lienzos, dibujos y collages aparecen como un instante capturado en plena agitación, una mutación continua y una superposición de formas, líneas y texturas. El trabajo de Jeroen Erosie refleja un viaje poético de formas redondeadas y líneas geométricas; un lenguaje que canaliza el paisaje natural que encuentra en sus interminables viajes en bicicleta, así como una percepción arquitectónica de aquellos espacios más olvidados de la ciudad o sus iconos culturales. A un nivel más subliminal, esta búsqueda refleja la necesidad de traducir visualmente sus ideas más personales a través de un enfoque interactivo, casi buscando un vocabulario ideográfico personal. Un balance inusual donde los gestos, tremendamente físicos e intuitivos, están mezclados con un proceso extremadamente metodológico de creación, reinterpretación y búsqueda incesante.
http://erosie.net/
Imágenes de la Exposición
Jeroen Erosie – Cortesía de Delimbo Gallery
Entrada actualizada el el 23 abr de 2018
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