Esta muestra se propone juntar obras que, de alguna manera, contienen una reflexión sobre el espacio, y de cómo ese espacio se relaciona / condiciona y refleja las relaciones humanas que compone y son influenciadas por ese medio. El concepto ampliamente desarrollado por Milton Santos, uno de los mayores pensadores brasileños, sirve de inspiración para la unión de esos trabajos y la conversación trabada entre los artistas para concebir la exposición.
Carla Chaim (1983, Brazil) busca tanto en sus trabajos en papel como en sus fotografías y acciones grabadas en video, el ir más allá de los límites de la concepción tradicional del dibujo. Más que un apoyo para el desarrollo de una idea, o un esbozo inicial de una obra que se creará, dibujar en su trabajo aparece esencialmente como un vestigio de la acción de un cuerpo sobre un soporte dado, un rastro de su presencia, o incluso el...remanente de un gesto. Chaim trabaja sus piezas con la noción de control, tanto a través de reglas preestablecidas como en sus movimientos físicos al hacer, por ejemplo, un dibujo, usando el cuerpo como una importante herramienta en este proceso, pensando así mismo en ello como un lugar de discusión conceptual mediante la exploración de sus límites físicos y sociales. Licenciada en BBAA, ha participado en residencias como Arteles, Finland (2013) o The Banff Centre for the Arts, Canada, (2010). Su trabajo se ha visto en exposiciones como Frucht & Faulheit, Lothringer13 Halle, Munich, Germany; CODE, Osnova Gallery, Moscow, Russia (2017); Ao Amor do Público I, Museu de Arte do Rio - MAR, Rio de Janeiro, Brazil (2016); Film Sector, Art Basel, Miami, USA (2015); Into the Light, Galería Raquel Arnaud, São Paulo, Brazil (2015); Ichariba Chode, Plaza North Gallery, Saitama, Japan (2015); Impulse, Reason, Sense, Conflict, Cisneros Fontanals Art Foundation – CIFO, Miami, USA (2014).
Andrés Marroquín Winkelmann (1983, Lima, Perú) estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Lima. En el año 2002 se mudó a Berlín, donde comenzó sus estudios de fotografía en la escuela FAS (Fotografie amSchiffbauerdamm) y continuó su carrera en la academia Ostkreuzschule für Fotografie und Gestalltung, donde se graduó en el año 2009. Su trabajo ha sido exhibido en diversos festivales, como también exposiciones grupales e individuales alrededor del mundo, entre ellos, el Berliner Kunstsaloon (Alemania), Italian Photofestival of Savignano, F-Stop Festival (Italia), Darmstädter Tage der Fotografie (Alemania), Fotosommer Stuttgart (Alemania), Arróniz Contemporáneo (México), 980 Galeria (Colombia) y Galleria Contemporaneo (Italia). Su trabajo también ha sido presentado en Solo Projects en ArtLima 2014, curado por Octavio Zaya, como también en ArtRio 2014, curado por Pablo León de la Barra y Julieta González. Recientemente, el museo FOLA (Argentina) exhibió uno de sus más recientes proyectos “El nombre de un color promete” en una muestra individual y también participó en el mismo año en la bienal de Mercosur con una instalación la cual se expandió en su individual en Revolver Galeria titulada “De la forma al polvo”.
Ding Musa (1979, São Paulo, Brasil) estudió Música y Geografía en la universidad de São Paulo. Su trabajo, aunque centrado en la fotografía, también incluye video, dibujo e instalación. Sus intereses creativos se centran en conceptos como la luz, la percepción, el espacio, o la forma geométrica. Con el intento de cuestionar la función y la utilidad de las imágenes existentes, y con la inquietud de buscar otras formas posibles de relacionarse con ellas, el artista propone una nueva construcción visual del mundo, de las posibilidades de representarlo y de relacionarse con él desde lo fotográfico. En este sentido, busca expandir la concepción tradicional de la fotografía como soporte de representación, para reflexionar sobre sus propiedades intrínsecas. Participó en las residencias de arte tactile BOSCH, en Cardiff (Gales) en el 2004; En el Carpe Diem Arte e investigación, en Lisboa (Portugal) en el año 2012; y en el C.A.J., Programa de Residencias Artísticas en Tokio (Japón) en el 2015. Y ha impartido clase de Historia de la Fotografía en el Senac y SESC Santana, en 2009 y 2010, respectivamenteSus obras se encuentran repartidas por museos de Brasil y en espacios internacionales, como el Muso de Arte moderno de El Salvador, São Paulo, Río de Janeiro y Fortaleza (Centro Dragón del mar), el Museo de Arte Contemporáneo de Goiás, el Museo de Arte contemporáneo de Paraná, Museo del Estado de Pará, el Salón de Arte Riberão Preto y en el Centro Cultural de Bienes Municipales en São Paulo. Recientemente ha sido incorporado en el Museo de Arte Contemporáneo de São Paulo y en el Museo de Río Grande do sul Arte.
Santiago Roose (1974, Lima, Perú). Aunque sus piezas se podrían encasillar principalmente dentro de lo que se entiende como “instalaciones”, resultan difíciles de clasificar, y más aun de aprehender: estructuras perecederas, construcciones de apariencia absurda, edificios aberrantes como una traducción conceptual de nuestra relación —perecedera, y muchas veces absurda y hasta aberrante— con los espacios públicos, la propiedad y la distribución de la riqueza y las oportunidades. Ha expuesto individualmente en Perú, Bulgaria, España, Francia y Alemania. Ha desarrollado proyectos de intervención en espacios públicos y sitio-específico en varios países siendo el último “Maloka” realizado en 2012 en Burkina Faso, África, con el apoyo de la Fundación Prince Claus de los Países Bajos. Ha recibido las siguientes distinciones: Residencia de artista en White Room, Alemania (2009), Espace 29, Burdeos, Francia (2007), entre otros. Obtuvo el Primer Premio y la beca del VI Concurso de Artes Plásticas de Fundación Telefónica (2002-2003) y su proyecto fue elegido como ganador en la última convocatoria de Centro Abierto en Lima.
Entrada actualizada el el 16 feb de 2018
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