La Galería Proyecto H Contemporáneo se complace en presentar en su sede de Madrid la exposición “Pop Art Today”, que reúne a cuatro artistas exponentes de la pervivencia y el éxito de la estética PopArt en el mundo actual: Paul Rousso, Peter Anton, Fabián Ugalde, Fidia Falaschetti. Cuatro artistas nacidos entre finales de los años 50 y finales de los 70 del siglo XX, y activos en los circuitos internacionales a partir de los inicios del siglo XXI. De generaciones y regiones diferentes, todos ellos se han sentido inspirados por los grandes del PopArt y Neo Pop como Claes Oldenburgh, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Jeff Koons o Damien Hirst.
Desinflada la ilusión de que Internet y las TIC alumbrarían un arte nuevo, el siglo XXI se ha revelado como un triunfo del revisionismo y las relecturas de los movimientos artísticos que surgieron en la segunda mitad del siglo XX. Aquella efervescencia...contracultural de los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial ha sido engullida por el sistema y celebrada en el mercado, arropada por el caprichoso imaginario colectivo del cuerpo internacional de coleccionistas, curadores, galeristas y críticos (si es que siguen existiendo). Conceptual Art, Performance, Action Painting, Activismo y Neo-Pop (con sus variantes kitsch e hiperrealista) invaden -sin contradicciones aparentes- el circuito del arte contemporáneo, ofreciendo un arte a la carta para todos los paladares -aunque no para todos los bolsillos-.
Precisamente sobre mass media, gusto, consumo y dinero (la tetralogía que define al Pop Art) versa la exposición que ahora presentamos, en la que hemos querido reunir a cuatro artistas que resumen como pocos las grandezas y miserias del mundo de hoy a partir de la ironía y el virtuosismo técnico.
También son ejemplo de las nuevas formas de vivir, producir y vender arte. Los cuatro artistas trabajan sobre iconos universalmente reconocidos del mundo contemporáneo y tienen un mercado global que trasciende las fronteras no solo nacionales sino también intercontinentales. Sin embargo, viven y trabajan en pequeñas ciudades alejadas de los centros de poder y de mercado; síntoma de unos tiempos en que podemos estar conectados y hacer llegar nuestra voz (y nuestros productos) a los confines del planeta sin movernos de nuestro sitio.
Paul Rousso
(Charlotte, Carolina del Norte, USA, 1958)
La obra de Paul Rousso parte de una formación inicial en Bellas Artes, con una posterior dedicación profesional en el mundo de la publicidad y la escenografía a finales de los 70-principios de los 80. Comenzó al incorporarse a un equipo de diseño interior que decoró una casa de Robert de Niro, para luego ser contratado como pintor de escenografías para películas para la Warner Brothers; posteriormente trabajó como como director de arte de diversas empresas del mundo de la moda y el lujo como Revlon, Clairol, Condé Nast o Bloomingdale´s. A partir de los años 90 se centra en su quehacer artístico, con una intensa actividad expositiva en galerías, ferias y centros de arte, principalmente en Estados Unidos, con incursiones en Europa. Igualmente, recibe regularmente encargos de instituciones y poderes públicos para la realización de piezas a gran escala en espacios públicos. La obra de Rousso se encuentra en numerosas colecciones privadas de Norte América, Europa y Oriente Medio, así como en numerosos proyectos públicos en diferentes partes de Estados Unidos.
La impronta publicista, de diseño y mediática coincide con muchos de los presupuestos del PopArt americano de los años 60, que hizo de los objetos de la sociedad de consumo los iconos de la vida moderna. Su trabajo está basado en crear volúmenes a partir de una superficie plana, lo que el artista denomina “Flat Depth”: convertir un objeto de dos dimensiones en un objeto tridimensional a través de complejas técnicas artísticas que incluyen la pintura, la manipulación digital, la impresión digital y el modelado manual con calor. Alcanzando las dimensiones de hasta 4 x 5 metros, Rousso se aprovecha del acto irónico de desechar elementos como el dinero, envolturas de caramelo, y páginas de revista para crear un objeto tridimensional arrugado, inflando su tamaño a dimensiones insólitas.
En la exposición presentamos algunos de sus objetos 3D más populares como el dinero, los envoltorios de caramelo o las revistas, todas ellas realizadas este año, e incluye una bandera de España, encargada al artista para su presentación en la galería.
Peter Anton
(New Haven, Connecticut, USA, 1963)
Peter Anton es un artista y escultor americano cuya obra trata de la comida, principalmente de chocolates y dulces, creando piezas de gran escala, algunas de las más conocidas son las cajas de bombones.
Anton manifiesta que el proceso de realización de sus esculturas comienza familiarizándose intensamente con el alimento que va a reproducir, oliéndolo, comiéndolo, diseccionándolo y estudiándolo. Y sólo entonces, cuando está “hiper-familiarizado” con él, comienza el “largo y tedioso” proceso de producción.
Esta irreverente manera de abordar la práctica artística lo emparenta con el dadaísmo más puro y nos lleva a plantearnos si no será todo una inmensa ironía acerca del sentido del arte en el mundo actual. También esta irreverencia y la puesta en escena de los objetos de consumo más cotidianos y efímeros (como es la comida) es una actualización del Pop Art, que por cierto también bebió del dadaísmo en su atención por lo intrascendente.
La obra de Peter Anton ha sido ampliamente expuesta en solo shows y colectivas en galerías, museos y ferias de arte de todo el mundo. Una de sus piezas más icónicas, y que le valió una enorme repercusión fue la instalación Sugar & Gomorra en Art Basel Miami 2012. Con un aspecto de stand de parque temático, esta escultura interactiva a gran escala fue la primera instalación artística del mundo donde el espectador recorría una exposición como si estuviera a bordo de una atracción de feria. Una experiencia inmersiva que llevaba a los visitantes en una verdadera montaña rusa que serpenteaba y serpenteaba a través de una ciudad destruida con pilares, fuego y esqueletos que se yuxtaponían con esculturas de golosinas azucaradas y modelos casi desnudos en vivo.
Fabián Ugalde
(Quétaro, México, 1967)
Ugalde estudió Bellas Artes en Ciudad de México en el gozne entre los años 80 y los 90 del siglo XX. A finales de los 90 comenzó a exponer regularmente en galerías y museos de México. A partir de ahí ha seguido exponiendo de forma regular y con éxito no sólo en México sino también en Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia.
La obra de Ugalde ha merecido reconocimientos en diversos concursos, entre ellos, el primer lugar de adquisición en la X Bienal de Pintura Rufino Tamayo (2000) y la beca de la Pollock-Krasner Foundation en Nueva York (2001). Ugalde ha sido acreedor a las becas de Jóvenes Creadores y Sistema Nacional de Creadores Artísticos del FONCA en diversas ediciones. En los últimos años Ugalde impartió talleres de producción bidimensional en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado de La Esmeralda y fue miembro del Consejo Académico de dicha institución. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas en México y el extranjero.
Con una estética pop de precisa factura digital y con una temática que lo inscribe dentro de la corriente del apropiacionismo, el propósito de Ugalde es epistemológico: su obra se pregunta sobre “cuál será el destino de la historia del arte si los sistemas que se encargaban de darle jerarquía a los acontecimientos se colapsan incapaces de asimilar y ordenar el inmenso flujo de información cotidiano”. Así pues, Ugalde esconde los malestares del arte contemporáneo detrás de composiciones calculadas que se distinguen por la limpieza ordenada de planos de color. Con argumentos pictóricos, Ugalde explota las posibilidades de la apariencia y deduce que “si detrás del caos hay oculto un orden, detrás del orden obsesivo se esconde el caos”.
En la exposición se presentan tres obras emblemáticas de iconos universales del mundo contemporáneo -Marilyn Monroe y Liz Taylor- que reflejan claramente este posicionamiento.
Fidia Falaschetti
(Las Marcas, Italia, 1977)
El trabajo de Falaschetti profundiza en los conceptos de comercialismo, consumismo, cultura pop y la globalización de los principales medios de comunicación. El artista explora la relación entre lo digital y lo analógico, apropiándose de materiales y elementos del pasado y transformándolos en impactantes objetos contemporáneos. Fidia Falaschetti crea un trabajo satírico y lúdico, pero también se enfrenta al espectador para pensar cómo y qué consumen. El viaje de Fidia hacia el arte comenzó en su primera infancia, criado en una familia muy inspiradora y creativa. A la edad de 16 años, Fidia fue contratado para producir pinturas murales e ilustraciones para múltiples tiendas y compañías. Creció inspirado en diferentes subculturas, y luego formó sus habilidades creativas del arte urbano y el mundo del hip hop. Estudió "Diseño de producción" en la Academia de Bellas Artes, entre Macerata y Florencia en Italia, donde se graduó en 2002. Al igual que Paul Rousso, inició su carrera profesional como diseñador gráfico, ilustrador y fotógrafo desde 1995, colaborando con muchas marcas internacionales. Fidia expone regular y exitosamente en museos, ferias de arte y galerías de todo el mundo, en India, Francia, Estados Unidos, Brasil, Indonesia, Suiza, el Reino Unido y, por supuesto, Italia. Su obra ha sido reconocida en premios internacionales, periódicos y numerosas publicaciones.
Para la exposición en la galería Proyecto H Contemporáneo, se han seleccionado algunas de sus piezas más icónicas basadas en algunos de los famosos personajes de Disney: el Pato Donald, Minnie y Mickey Mouse, que customiza con sentido del humor creando un juego de significados críticos con la sociedad de consumo. También en ellos podemos ver un cuestionamiento de los planteamientos de otro de los grandes artistas del Neo Pop, Jeff Koons, inspiración para Falaschetti.
