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Scene Grammar es un proyecto que investiga los límites del Arte Conceptual y Minimal, incorporando e interrogando nuevas ideas sobre una nueva modernidad en torno a lo teatral, aportando nuevas representaciones gramáticas. Partiendo de esta línea de investigación, la exposición of rece distintas narraciones del escenario o de un ambiente creado. La mayoría de los artistas invitados cuestionan, a través una amplia variedad de medios, elementos que se encuentran en los límites entre experiencia artística y vital y una constante búsqueda de conexión entre las obras y la sociedad.

Las numerosas performances de Ei Arakaw a o Grand Openings (Japón, 1977) cuentan con la presencia de instalaciones ... que se realizan a través de materiales de construcción, coreografías, videos, y suelen contar con la participación del público para completar la obra. El artista incluye espontáneamente la danza en sus performances, imprevisibles y provocadoras como el tema, alrededor de los cuales se construyen el arte y el artista.

Ei Arakaw a vive y trabaja en Nueva York. Con numerosas performances a lo largo de su trayectoria, fue ganador de premios como el Internacional Prize for Performance (Trento, Italia; 2007). Ha realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales: Entre otras en la Galerie NEU de Berlin (2010), Taka Ishii Gallery de Kyoto (2009) o el Kunsthalle de Zürich (2009) entre otros.

Después de estudiar escenograf ía y artes visuales, Ulla von Brandenburg (Hamburgo, 1974) se embarcó en una carrera artística que combina los dos campos. Su prolífico trabajo incluye dibujos, videos, instalaciones y performances que crean complejas y teatralizadas narrativas. Con el film Singspiel (2009), la artista explora los mecanismos teatrales y los aspectos formales de la puesta en escena. Filmado en una única toma en la Villa francesa Savoye de Le Corbusier, la obra sigue los movimientos de los diez habitantes de la villa, construyendo una narrativa que investiga el umbral que existe entre realidad y ficción.

Considerada como una de las artistas alemanas actuales más innovadoras, Ulla expuso recientemente en la Chisenhale Gallery de Londres; en el IMMA Irish Museum of Modern Art, Dublín; en Wattis, Institute of Contemporary Art, San Francisco y este film recientemente formó parte del programa de la Bienal de Venecia comisariada por Daniel Birnbaum.

Al igual que un empresario de escenarios futurista, y aparentemente sin esfuerzo, las coreograf ías de Lothar Hempel (Alemania, 1979) marcan figuras y objetos realizadas con mater iales dispares y formas geométricas. Las imágenes de los bailarines de danza y la escultura clásica comparten su espacio con atributos tales como plumas, neumáticos para camiones, sillas de of icina, un loro o incluso un bastón. Su comportamiento, en general, f irmemente anclado a los códigos culturales, implica una serie de movimientos discernientes, posturas, expresiones faciales, así como el trato del color y sus modulaciones tonales y adquieren un valor social estratégico, dentro de un contexto moral analizado desde la década de los años 90 en adelante.

La obra de Lothar ha sido expuesta recientemente en Douglas Hyde Gallery, Dublín; Le Magasin, Grenoble; 7th Gw angju Biennale, Korea; Lustw arande Skulpturenpark; Tilburg, The Netherlands o Barbican Art Gallery, London entre otros.

Florian Hecker (Alemania, 1975) es a la vez artista y compositor de música electrónica. En paralelo a su amplia producción discográfica, realiza performances e instalaciones (como actualmente en la Chisenhale Gallery de Londres) enfocadas al análisis de los aspectos espaciales del sonido, guiando al espectador a exploraciones de los diferentes estados de la percepción auditiva. Ha participado en varias exposiciones individuales y colectivas como la Bienal de Venecia 2009; Art Basel 2008 o Manifesta 7, entre otras, y ha realizado obras conjuntamente con artistas como Cerith Wyn Evans o Carsten Holler, entre otros.

Time Lee (Seoul, Korea, 1975), es un joven artista establecido en Vancouver, trabaja con especial hincapié en la reproducción y a la reelaboración de los acontecimientos fundamentales de la historia del arte y de la cultura popular. Sabe tratar la historia del arte conceptual de manera sutil y con ironía, usando, por ejemplo, el humor fotográf ico para descubrir huellas en la alucinación colectiva que llamamos realidad. Ha ganado en 2008 el Premio de Arte Sobey y su trabajo ha sido mostrado recientemente en Hayward Gallery, 2010; CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, 2010; Johnen Galerie, Berlin o Lisson Gallery de Londres.

Las imágenes fantasmagóricas, emocionantes y sorprendentes de David Noonan (Australia, 1969), plasman escenas teatrales. Al comienzo de cada uno de sus 'screen prints', realizados a través de collage, el artista suele unir unas selecciones eclécticas de imágenes (provenientes de libros, revistas, fotos de archivo...), para crear escenas dramáticas que sugieren narrativas surreales. David Noonan vive y trabaja en Londres. Ha expuesto individualmente en el Australian Centre for Contemporary Art de Melbourne (2009); en el Palais de Tokio de Par is (2007); en la galería Hotel de Londres, Foxy Production de New York (2007); David Kordansky Gallery de Los Angeles (2006). Muchísimas son las exposiciones colectivas en las que ha participado, entre otras: la próxima Bienal de Sydney, Australia (upcoming, 2010) y la Tate Triennial, Tate Britain, Londres (2009).

Los f ilms de Hanna Schwarz (Alemania, 1975) no siguen los códigos tradicionales, sino que rompen la coherencia entre la música y la coreograf ía y también cualquier intento de formar una narrativa. Ha participado recientemente en 'Please, 2008'; en la exposición colectiva 'Dance in my experience', en el Kunstverein (Düsseldorf), donde las obras exploraban, desde una perspectiva actual, las ideas revolucionarias de 1968. Que ha sido de la ideas utópicas de aquella época, cuando el arte mismo iba a estar sujeto a recibir un nuevo papel que ref lejara una sociedad con un potencial inherente de cambio? El video de la artista contribuye a mostrar las contradicciones entre el deseo de desarrollar, en esa época, alternativas de formas de vivir y una sociedad contemporánea que parece estar en condición de absorber todas las formas de trasgresión.

Kelly Nipper (USA, 1971) combina el aspecto físico de la escultura, la mirada agudizada de un fotógrafo y el espíritu de un buscador obsesivo, para la creación de nuevos videos, instalaciones y performances. A través de ellos, investiga la relación entre la forma humana en movimiento y el espacio que rodea estos movimientos gestuales deliberados. Kelly Nipper expuso individualmente recientemente en Anna Helwing Gallery, Los Angeles (2008); en el Contemporary Arts Museum Houston; en la Galleria Francesca kaufmann, Milan, y en colectivas como la del ICA - Institute of Contemporary Art, Philadelphia y en el Swiss Institute de Nueva York.

Mercé Cunningham cuenta con un papel importante en esta exposición y en las carreras de prácticamente todos los artistas participantes, por ello, Parra & Romero tiene el honor de contar para Scene Grammar con la colaboración de Mercé Cunningham Dance Foundation, proyectando una de sus coreografías, Points in Space, 1986, con música de John Cage, dirigida por Elliot Caplan y escenificada por Dove Bradshaw y William Anastasi.