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Por segundo año consecutivo 5x5Castelló2010. Premi Internacional d'Art Contemporani Diputació de Castelló continúa su andadura en el Espai d'art contemporani de Castelló con la intención de consolidarse como un referente dentro del marco artístico internacional.

5x5Castelló2010 es un proyecto expositivo generado por el EACC con el deseo de potenciar el diálogo entre distintas generaciones de creadores. La presencia del EACC como sede del certamen supone atender a la convocatoria bajo idénticos parámetros de interés y riesgo que se formulan en el resto de propuestas artísticas auspiciadas a lo largo del año por dicho centro.

El proceso de selección se desarrolla mediante tres fases consecutivas cuya conexión es fundamental para conseguir los objetivos previstos.

La primera fase consiste en establecer contacto con cinco artistas de renombre internacional a los cuales se les ha encomendado, de forma desinteresada y gratuita, la tarea de proponer un listado de otros cinco artistas contemporáneos los cuales, a tenor de su criterio, estuvieran desarrollando un trabajo artístico de evidente calidad y riesgo creativo. Para la edición de este año, el grupo se ha compuesto de los siguientes nombres: Marina Abramovic, Eija-Liisa Ahtila, John Baldessari, Esther Ferrer y Antoni Muntadas.

Una vez aceptada la propuesta por estos últimos y obtenidos los diferentes listados se inicia a la segunda fase del proyecto en la cual se establece contacto con cada uno de los artistas inscritos en los diferentes listados. A todos ellos se les explica tanto los criterios e intenciones del certamen como también el nombre del artista que consideró los méritos de su trabajo como esenciales para formar parte de la convocatoria. Habiendo recibido los respectivos dossieres se llevó a cabo por parte del EACC una nueva selección que tuvo como finalidad concretar qué piezas, en último término, formarán parte de la exposición a realizar en el centro. Únicamente las piezas seleccionadas por el comité para formar parte de la exposición tendrán opción al premio dotado con 60.000 ?.

La tercera fase se traduce en la realización de una exposición que bajo el título: 5x5Castelló2010. Premi Internacional d´Art Contemporani Diputació de Castelló  que tendrá lugar en el EACC del 16 de Julio al 26 de Septiembre de 2010.

Paralelamente se ha convocado por parte del EACC la creación de un jurado compuesto mayoritariamente por críticos de arte o directores de museos que serán los encargados de otorgar el premio. La concesión del mismo, por parte del jurado, atenderá al principio de calidad y excelencia de la pieza premiada y la obra premiada pasará a formar parte de la colección de la Diputació de Castelló.

Cabe remarcar la intención, por parte de las instituciones participantes, de generar mediante las piezas premiadas, a lo largo de las sucesivas ediciones, una colección de arte contemporáneo que con el tiempo se asiente como un patrimonio de interés incuestionable.

Eugènia Balcells (Barcelona, España, 1943)

FOR / AGAINST, 1983

Film, DVD, color, sonido, 3'

FOR / AGAINST consiste en una animación a partir de sobreimpresiones de imágenes de la televisión. Esta obra captura de forma subliminal la violencia de las imágenes informativas y publicitarias de la televisión comercial. Nos permite ver la manipulación de los mensajes políticos y publicitarios y nos muestra la violencia, el consumo desmesurado y el esperpento de mundo que estamos creando. El audio está contrapuesto a las imágenes y consiste en la lectura de una serie de pensamientos esperanzadores y positivos, ideas sabias de filósofos y artistas.

Davide Balliano (Torino, Italia, 1983)

My Tears will be Light in the Night of Your Eyes, 2009

Tinta y acrílico sobre impresión en gelatina de plata. Dimensiones variables

La serie My Tears will be Light in the Night of Your Eyes está basada en los ojos del sujeto como el centro de la acción. Un proverbio italiano dice que 'los ojos son el espejo del alma'. Desde este punto se establece un diálogo entre las imágenes. Todos los sujetos son esculturas griegas o esculturas clásicas, bien conocidas obras de arte de la antigüedad. Estas imágenes son usadas como instantáneas de su tiempo, permitiéndome ampliar el contexto de la investigación de Balliano en una muy vieja secuencia de períodos diferentes.

Ricardo Basbaum (São Paulo, Brasil,1961)

Diagrams, ongoing project since 2003

Vinilo adhesivo sobre pintura mural

El diagrama es una especie de dibujo (o poema visual) que media el flujo dinámico entre palabras e imágenes -en espacios discursivos y no discursivos- o espacios literarios y plásticos, etc. A primera vista, las líneas y palabras son interconectadas cuidadosamente sobre la superficie, complaciendo al ojo con algún movimiento, vibración y velocidad. También, su fondo monocromático -que se refiere a un elemento importante del vocabulario moderno de pintura- se propone a ambos para relacionar el diagrama con la arquitectura del lugar y proponer un intenso espacio sensorial para envolver activamente al lector/espectador/visitante.

Joshua Callaghan (Doylestown, PA, EEUU, 1969)

The One Hundred Year Anniversary Commemorative Ford Model-T Lamp and Alarm Clock, 2009

Camas encontradas de cobre y lámparas, relojes, cobre de acero plateado, hardware, luces eléctricas y alfombra

The One Hundred Year Anniversary Commemorative Ford Model-T Lamp and Alarm Clock es un monumento al siglo americano. En los cien años que han transcurrido desde que la Ford produjera su primer Modelo-T, América ha creado una red de carreteras con tal infraestructura que empequeñece  cualquier otro proyecto en la historia de la humanidad.

Para celebrar el 100 Aniversario de este evento, Callaghan construyó un vehículo donde la materia prima ha sido el cobre y las antigüedades de cobre plateado, objetos que dejan atrás un tiempo más simple de expansión  optimista y prosperidad americana. El Modelo-T repliega la decoración suburbana sobre sí misma, formando un llamativo espectáculo, un trofeo a las cosas que fueron terriblemente mal.

Alejandro Cesarco (Montevideo, Uruguay, 1975)

Zeide Isaac, 2009

Película de 16mm transferida a DVD, color, sonido, 6'

Zeide Isaac, que quiere decir Abuelo Isaac en Yidish, es una película rodada en 16mm y transferida a vídeo. Alejandro Cesarco escribió un guión basado en la historia personal de su abuelo durante el Holocausto. Explícitamente, la propuesta remite a las posibilidades, limitaciones y responsabilidades de testimonio y su papel dentro de la construcción de una memoria personal y colectiva.

Anne-Marie Cornu (Potiers, Francia, 1961)

Titta, 2005

Fibra óptica, fibra de carbono, vídeo proyector film DVD

En Titta varias películas se proyectan con un vídeo proyector. Delante de la lente del proyector se encuentran un amasijo de hilos de fibra óptica que captan la luz. Las imágenes son visibles pero todos los elementos que las constituyen, tales como la intensidad de la luz, su color, sus movimientos, son perceptibles y circulan a través de los hilos. Esta circulación proporciona una pulsación particular al dibujo formado por la masa de hilos de fibra óptica.

El haz luminoso se despliega en el espacio a través de tres círculos de tamaño creciente, pasando de 20 a 200 cm. Cada hilo de fibra dibuja, a partir del objetivo del proyector, una trayectoria que finaliza al alcanzar los límites del espacio en el que se encuentra, penetrando en las paredes, el suelo o el techo.

Nikhil Chopra (Bombay, India, 1974)

Yog Raj Chitrakar: Memory Drawing V, 2008

Vídeo documentación de una performance en directo, color, sonido, 9' 29''

La performance en directo es la parte central de la práctica de Nikhil Chopra. El guión o el resultado de sus performances giran alrededor de la fabricación de dibujos. Yog Raj Chitrakar (Chitrakar literalmente se traduce como el fabricante de cuadros) está basado en el abuelo del artista. Yog Raj Chopra fue un pintor de paisajes que pasó su cincuentena y sesentena en Kashmir atestiguando en la pintura el esplendor del Valle.

Marcelline Delbecq (Évreux, Francia, 1977)

Rapture, 2007

Transparencia en color en caja de luz (30,5x63,5cm), Pieza sonora, voz por Kim Gordon 4'11'

Rapture es una instalación minimalista compuesta por una caja de luz panorámica colgada en un espacio oscurecido. Una historia contada por la cantante Kim Gordon a través de unos auriculares llena los oídos de una fascinante presencia. Su estilo único de narrativa cuenta la historia de la visión obsesiva de un hombre suspendida entre la realidad y el sueño. Su destino finalmente es revelado por la imagen misma.

Thea Djordjadze (Tbilisi, Georgia, 1971)

Endless Enclosure, 2009

Medios mixtos (cama, lámpara, madera, pintura)

El impulso original para el trabajo de Thea Djordjadze proviene de objetos encontrados -puede ser algo del embalaje de plástico de un libro, parte de un banco de jardín de infancia desechado, o incluso parte de una cremallera-. Mientras son trabajados de distintas formas, estos objetos pasan a ser fragmentos obscuros, cuya función original casi completamente ha sido borrada. Las partes de objetos moldeados por Djordjadze, que también llevan los rastros de las manos de los artistas, demuestran la fragilidad extrema y su aspecto fragmentario les da la impresión de conclusiones arqueológicas. Los restos de una civilización ahora ida son abandonados por sus marcadores.

Omer Fast (Jerusalem, Israel, 1972)

Take a Deep Breath, 2008

HD Vídeo instalación, dos canales sincronizados, color, sonido, 27'

En el verano del 2002, Martin F. estaba parado fuera de un puesto de falafel en Jerusalén cuando el local explotó. Médico de profesión, Martin F. entró en el local y descubrió el cuerpo de un hombre joven que yacía en el suelo. El joven había perdido ambas piernas así como un brazo, pero sus ojos es­taban abiertos y enfocados. Como esperando un milagro, Martin F. decidió realizarle la respiración artificial boca a boca. Una multitud de curiosos se había congregado fuera. La policía se presentó y quiso saber cuantas víctimas se encontraban dentro. Al responder que solo una, Martin F. se dio cuenta de que el joven que acababa de dejar en el local era un atacante suicida.

Terike Haapoja (Helsinki, Finlandia, 1974)

IN AND OUT OF TIME, 2005

Instalación monocanal de vídeo, color, sin sonido, 270'

La vídeo instalación IN AND OUT OF TIME muestra un retrato díptico de un becerro que acaba de fallecer. La imagen a la izquierda muestra una grabación del becerro visto con una cámara ordinaria de vídeo. La imagen a la derecha muestra el mismo becerro, visto con una cámara infrarroja. El vídeo está sincronizado: vemos cómo el cuerpo del becerro se enfría, despacio, desaparece de la imagen infrarroja. El tiempo de grabación original de 7 horas es visible como un código de tiempo en el vídeo. La duración del vídeo proyectado es 4,5 horas; se hace imposible indicar el momento real de transformación, el momento de cese de la duración interior del animal.

Terence Koh (Beijing, China, 1980)

What is Belief? Truth?, 2007

Escultura en 6 partes, medios mixtos

What is Belief? Truth?  es un conjunto escultórico basado en la idea de los gestos de las manos de los 12 apóstoles representados en La Última Cena de Da Vinci. El artista extrajo los gestos y los amplió dándoles una forma viva, orgánica, toda blanca y muy similar a las formas de los hormigueros. Estas piezas fueron creadas como parte de un conjunto más extenso que incluía una película, esculturas, pinturas y performance.

Rogelio López Cuenca (Nerja, Málaga, España, 1959)

Vivir en los pronombres, 1993

Vídeo instalación, color, sonido, 120'

Vivir en los pronombres forma parte de una serie de trabajos reunidos bajo el nombre de Home Syndrome (el síndrome del hogar) -recurriendo a la homofonía con la expresión anglosajona Home, Sweet Home-. Se trata de un poema en vídeo que tres monitores reproducen a ritmos distintos, de modo que el desfase resultante da lugar a combinaciones inéditas y a secuencias imprevistas, incluso para el propio autor.

David Maljkovic (Rijeka, Croacia, 1973)

Lost Review, 2006-2008

25 Collages

Lost Review incluye fragmentos de revisiones anuales publicadas por la Feria Zagreb y de otras que presentaron el éxito comercial de la Feria y el éxito general económico en los años 1960.  Las pinturas de la Feria Zagreb que revisan ediciones del pasado se yuxtaponen con las imágenes de los parques de atracciones que actualmente ocupan ese espacio. La Feria Zagreb vivió su auge en los años 1960 cuando se convirtió en el principal eslabón económico entre el Este y el Oeste.

Lost Review crea huecos entre el pasado y el presente a través del collage y de este modo proyecta una pérdida de optimismo, el vacío de los pabellones agotados, y el fracaso. Aún en aquellos mismos huecos trata sin embargo de encontrar las promesas de un nuevo comienzo.

Pascale Marthine Tayou (Yaoundé, Camerún, 1967)

Le Verso Versa du Vice Recto, 2000-2007

Papel, alambre, cables metálicos. Dimensiones variables.

Le Verso Versa du Vice Recto  es como un monstruo informe con el cual cada uno puede identificarse y con el que puede jugar al juego o convertirlo en su enemigo. La propuesta plantea una reacción al sistema administrativo, a un laberinto de las normas que surgen para dominar a su amo. La pieza configura un discurso, una poesía lírica, una historia de la periferia contra la interconexión global sin creencias o leyes.

Eva &  Franco Mattes (Brescia, Italia, 1976)

Reenactment of Gilbert&George's The Singing Sculpture, 2007

Documentación en formato HD Vídeo de una performance en un videojuego online.

El Funcionamiento Sintético (desde 2007 hasta la actualidad) consiste en sesiones de juego en línea dentro del mundo virtual de Second Life, realizadas por Eva & Franco Mattes, por sus avatares, que fueron construidos a partir de sus cuerpos y caras. El proyecto comenzó con la nueva promulgación de obras de arte de tipo performativo a partir de los años sesenta como Marina Abramovic Imponderabilia (2007), Vito Acconci's Seedbed (2007) y Gilbert&George's The Singing Sculpture (2010).

La gente puede participar en las performances en directo conectándose al videojuego desde cualquier parte del mundo. El sexo, el placer, y la violencia parecen paradójicos en mundos virtuales donde no hay ningún cuerpo físico.

Michèle Métail (Paris, Francia, 1950)

Gigantexte Nº 2: Zone pavillonnaire, 1981

523 acrílicos sobre lienzo, fijados a estructura de madera, 19x24cm y 1,5cm de profundidad aprox.

El título francés 'Gigantextes' es un juego de palabras: gigantesque = gigantesco, y texto. El proyecto de Michèle Métail consiste en un conjunto de trabajos que explora los aspectos visuales de la palabra escrita. El espacio normalmente concedido al texto ha sido ampliado y movido de la página, reestableciéndose a sí mismo hasta el punto donde lo visible y lo legible se unieron. El texto también puede ser considerado como una imagen. El empleo de color permite diferentes niveles de lectura, en un acercamiento que aún sigue sirviendo a la construcción del significado.

Hiroharu Mori (Yokohma, Japón, 1969)

Re:, 2009

HD Vídeo instalación, monocanal, color, sonido estéreo, 37'

Este trabajo representa a amas de casa japonesas, cuyo ingreso es más de 100,000 dólares por año, y están orgullosas de su lujoso y extravagante modo de vida. La pieza está basada en historias-textos encontradas dentro del foro online donde las amas de casa detallan su vida privada y su relación con el dinero que ganan y gastan.

Ana Navarrete (Valencia, España, 1965)

Nadie se acuerda de nosotras mientras estamos vivas. Muerte, represión y exilio, (1931 - 1941), 2010

Archivo digital, Impresión fotográfica 90x300cm

Como dice Lidia Falcón ha triunfado el poder patriarcal y fascista, ha triunfado hasta el punto de olvidar a tantas y tantas mujeres que sufrieron la más brutal represión fascista después de haber conquistado valiosas libertades y derechos: el sufragio, el divorcio, el trabajo remunerado, la representatividad política, el acceso a la universidad y a la cultura.

Tras la victoria del Frente Popular, en 1936, las mujeres toman la calle: sindicalistas, políticas, intelectuales, artistas, trabajadoras, amas de casa, para luchar por la defensa de los derechos conquistados durante la II República. Este proyecto intenta visibilizar y dar a conocer su contribución al desarrollo de la República y su papel activo  en el periodo de guerra: participación en las milicias y en la retaguardia,  organización de Milicias de la Cultura, evacuación de niños huérfanos...

Tarja Pitkänen-Walter (Varpaisjärvi, Finlandia, 1960)

Memory, (1980's), 2009

Instalación pictórica en la pared. Técnica mixta tridimensional de madera en algunas partes

Memory se refiere a un acontecimiento humorístico sucedido en la Academia finlandesa de Bellas Artes durante los años 1980, donde estudió Tarja Pitnäken. El profesor, sin la debida atención (pero con decisión), arregló algunos cubos delante de algún textil colorido. Los pintaban una naturaleza muerta. La presunción de belleza de Pitkänen, así como de pintura, fue cuestionada enseguida contemplando el modelo de naturaleza muerta. Si la belleza estaba supuesta en algún componente de la pintura, realmente tenía que ser desenterrada del ojo del espectador. Por consiguiente, las pinturas en las manos de pobres estudiantes parecieron representar potes y cubos que a veces se parecían al vuelo en el aire, a veces al hundimiento en la mesa.

Marjetica Potr? (Ljubljana, Eslovenia, 1953)

Tirana - Designs for a New Citizenship, 2009

Papel pintado con 6 impresiones a tinta y 6 dibujos

Tirana-Designs for a New Citizenship están basados en la investigación sobre los Balcanes Occidentales que Marjetica Potr? realizaó entre el 2005 - 2006. Su proyecto incluye el papel pintado, dibujos e impresiones y forma parte de un cuerpo de trabajo mayor, cuyos dibujos dan forma a sus proyectos de investigación.

Grethell Rasúa Fariñas (La Habana, Cuba, 1983)

Cubiertas de deseos, 2008- 2010

Impresión fotográfica montadas en cajas de luces. Vídeo documentación, color, sonido estéreo, NTSC, MiniDV transferido a DVD, 2'13'' Papel, madera, cristal, soporte digital

En Cuba existe una práctica que se ha hecho habitual: el remiendo.  Éste, se ha convertido en un medio que se emplea para dar soluciones a cuestiones que están listas para ser reemplazadas. Es una manera de sacarle provecho, de exprimir al máximo lo que no da para más; es la estética de lo inestable que trata de resolver el momento. Cubiertas de deseos recoge un autoservicio que ha acontecido como fenómeno cultural. El aspecto del entorno urbano refleja y está condicionado por comportamientos como éste, que se formulan como mecanismos de subsistencia que definen una época.

Analia Saban (Buenos Aires, Argentina, 1980)

Wheat Field with Sheaves (Van Gogh), 2006

Láminas de papel cortadas por láser y archivos de impresión digital cortados por láser, montado sobre cartón museológico (cartulina mate)

En Wheat Field with Sheaves (Van Gogh) se explora la cuestión de la gravedad. Mirando los trazos, las pinceladas y las formas no como planos en dos dimensiones sino como objetos tridimensionales con su propio volumen y peso, Analia Saban indaga en la estructura de los dibujos: ¿qué pasa cuando su estructura se derrumba? Una vez que se separan las líneas del fondo del dibujo, las líneas se derrumban precipitándose hacia el suelo del marco y creando una composición arbitraria.

Roi Vaara (Moss, Noruega, 1953)

Spiral, 2010

Performance

Spiral es esencialmente una obra de performance. Se trata de una propuesta cargada conceptualmente, donde existen ligeros elementos de implicación emocional y alteración mental. El artista escribirá en el pavimento del EACC una serie de conceptos caracterizando tendencias destructivas en la cultura contemporánea. La escritura toma la forma de una espiral que parece que haga que el artista deje su lápiz y gire hasta que cae al suelo. Después de un rato se recupera y empieza a tachar las palabras de la espiral reemplazándolas desde el principio hasta el final por otras nuevas. Así, un viejo concepto tachado se empareja con uno nuevo semejante pero un homólogo ligeramente más favorable, formando una serie de conjuntos surrealistas.

Nico Vascellari (Vittorio Veneto (TV), Italia, 1976)

Lago Morto, 2010

Instalación (vídeo proyección, sonido, 3 collages)

Lago Morto trata sobre la inversión del modelo de artificialmente seleccionar y crear un grupo Pop. Es una pieza de instalación hecha con una video-proyección y algunas obras de collage. La proyección consiste en dieciséis vídeos reproducidos simultáneamente uno seguido de otro. Cada uno de los vídeos fue grabado en una localización diferente de las que albergaron el tour. La grabación del audio de cada concierto también se reproduce a la vez. Los collages incluyen estudios para tanto letras como imágenes un conjunto de inspiraciones, material promocional creado para la banda, tal como fotos y posters.