L'exposition que Carolina Martinez présente à la Galerie Ilian Rebei est comme un jalon, à lafois sommet et rupture dans sa production. Une continuation et aussi un nouveau départ.Dans cette Aube de l'artiste brésilienne - sa première exposition personnelle sur le continenteuropéen - nous sommes amenés à faire l'expérience, dans l'ensemble de dix oeuvres dedifférents formats, de sa production récente, encore inédite, d'un lieu entre le réel et l'inventé,exploré par l’artiste en un peu plus de dix ans de production.
Carolina a construit un ensemble d'oeuvres qui se présentent comme des provocations - duplan pictural, de l'image, de l'espace et, peut-être surtout, du regard. Les espacesarchitecturaux et les surfaces urbaines ont toujours occupé une place fondamentale dans ceprocessus. Les espaces construits par l'artiste sont le résultat d'une recherche d'imagesd'architecture, notamment moderne, au Brésil et à l'étranger. Certaines de ces images ont étéréalisées par des tiers et d'autres par l'artiste elle-même. La...grandeur physique et historique dece type de construction contraste avec les angles inhabituels que révèlent les peintures, lesphotographies et les collages de Carolina, qui soulignent généralement le vide et une sorte demélancolie ou de frustration. C'est curieux car, bien qu'il s'agisse d'oeuvres où le corps humainn'apparaît jamais visuellement, les angles et les coupes qu'elles présentent, seul un corpsprésent dans l'espace pourrait les percevoir et les révéler.
C'est comme si une certaine rationalité etpureté du projet moderne étaient laissées decôté pour pointer vers l'expérience du corpsqui habite cet espace, et même pourcomprendre cet espace comme une sorte decorps, avec sa propre personnalité et sescaractéristiques. Angles, échelles, cadrages,application de feuilles de bois et logiquemodulaire de certaines oeuvres sont les moteursdes provocations de l'artiste, au plan pictural, àla surface de la peinture, mais aussi au regarddu spectateur lui-même. Comment est-ilpossible de redécouvrir des lieux qui semblentà la fois si proches et si indifférents? Un espacequi semble osciller entre souvenirs et oubli.
Les oeuvres récentes réunies dans L'Aube renouvellent et réaffirment cet intérêt de l'artistepour l'architecture, mais il y a aussi quelque chose de nouveau dans ces tableaux: la relation deCarolina Martinez avec la couleur. Ses oeuvres précédentes sont marquées par des tons neutres,qui étaient en grande partie responsables de l'atmosphère silencieuse, vide et mélancolique desespaces que nous avions vus jusqu'alors. La couleur était appliquée sur la surface pratiquementà l'état brut, sans mélange, variant seulement entre des tons plus clairs ou plus foncés.L'utilisation du spray plutôt que du pinceau a également réaffirmé une certaine impersonnalitéde la couleur.
Ce que nous voyons aujourd'hui, c'est uneredécouverte de la couleur, et des possibilitésqu'elle apporte au travail. Le devoird'isolement et les restrictions imposées cesdeux dernières années par la pandémie deCOVID ont obligé Carolina à se débarrasserde quelques tubes de peinture colorée qu'ellegardait dans son atelier, mais qu'elle avait dumal à utiliser. Elle a commencé à mélanger et àproduire ses propres couleurs à partir de celles-ci, dans un processus d'essais et d'erreurs,générant ses propres roses, bleus, verts, ocres etjaunes. Même au pluriel, car si l'on regardebien, ces couleurs se répètent dans les oeuvresde l'exposition, mais dans des nuanceslégèrement différentes. Et ils habitent etconstruisent de manière presque inattendue lesespaces que nous voyons - qui restent sansfigures humaines, mais n'évoquent pasnécessairement la sensation de vide que l'onavait jusqu'alors. L'artificialité et l'autonomiede ces autres couleurs soulignent l'idée que ceque nous voyons n'est pas la reproduction d'unlieu ou d'une situation, mais bel et bien laconstruction de celui-ci et du tableauégalement. Une autre atmosphère, qui flirtemaintenant avec l'abstraction, se constitue àpartir de la "personnalité" que porte chacunede ces nouvelles couleurs, qui deviennentévidentes et se multiplient au fur et à mesurequ'elles sont construites avec l'irrégularité descoups de pinceau, soulignant les veines et lesdessins de la surface en bois, et mises enrelation - entre elles et entre les espacesintérieurs et extérieurs de la toile.
Dans les tableaux plus petits, on trouve des cadrages plus serrés, qui transforment presque lesdétails spatiaux en abstractions. Des inventions où la rationalité géométrique est mise enéchec, orbitant autour de plans de couleur. Dans les oeuvres plus grandes, certaines articuléesen modules tandis que d'autres sont structurées en une seule plaque de bois, ces plans decouleur s'articulent de manière encore plus complexe. Et même lorsque les oeuvres portent destitres narratifs, tels que Na cor onde te encontro, Falésia ou Memória do que não vi, elles mettentun point d'honneur à flirter avec une certaine abstraction. Il faut y trouver, entre les angles, leséchelles, les cadrages et, surtout, les couleurs, une place pour ces titres-provocations.
Il est important ici d'attirer l'attention sur une généalogie de l'art brésilien, dans l'une de sesnombreuses possibilités structurées autour de sa relation avec la couleur. Dans cette histoire, latrajectoire poétique d'Hélio Oiticica entre les années 1950 et 1970 constitue un jalonfondamental. Depuis ses Metaesquemas, en passant par Bólides, Parangolés et Penetráveis, il y aun intérêt pour la couleur qui prend un corps et le corps du spectateur, et se lance dansl'espace, à l'intérieur et à l'extérieur du musée, à l'intérieur et à l'extérieur des limites de l'art.C'est la couleur qui cesse d'être pensée comme un complément ou un remplissage de la forme,mettant de côté un rapport au monde et à la réalité fondé sur des principes de représentation,pour commencer à être pensée comme l'élément structurant de l'ensemble de l'oeuvre. Lacouleur, qui flirte avec et met en tension le cliché tropical avec lequel le sud a dû et doitencore composer. C'est l'autonomie de la pensée par l'autonomie de la couleur. Ce sont desgestes apparemment très simples, mais c'est en eux que tout se passe.
Fernanda Lopes
Fernanda Lopes a collaboré à cette exposition en rédigeant le texte. Elle a étudié les oeuvres deCarolina Martinez à la lumière de l'histoire de l'art brésilien.
Fenanda Lopes est critique d'art, commissaire d'exposition et chercheuse. Elle est titulaire d'undoctorat de l'école des beaux-arts de l'université fédérale de Rio de Janeiro et est l'auteur de Aexperiência Rex: “éramos o Time do Rei” (2009) et Área experimental: lugar, espaço e dimensão doexperimental na arte brasileira dos anos 1970 (2013). Elle a travaillé comme conservatriceadjointe au musée d'art moderne de Rio de Janeiro (2016-2020) où, en 2017, aux côtés deFernando Cocchiarale, elle a reçu le Prix Maria Eugênia Franco, accordé par l'Associationbrésilienne des critiques d'art pour le commissariat de l'exposition In a frenzy – A panorama ofMAM Rio collections (2016).
Entrada actualizada el el 25 feb de 2022
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