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El miércoles 7 de mayo, a partir de las 19,00 horas, Iván Cantos presenta en Twin Gallery la exposición Cabezas trocadas, una muestra que se compone de pinturas y esculturas con la que plantea redescubrir la sensación como cualidad inherente a la obra de arte: un «beberse con los ojos», comer la pintura y la forma, el objeto artístico que tiene vida en sí mismo, que interactúa con la vida, que se rompe y se reconstruye de forma nueva, en una especie de objeto «neocubista», sin necesitar un libro de instrucciones de uso, ni soportes externos. La vida es sensación, es percepción, es incluso ese sexto sentido que es algo tan misterioso como «percibir que percibes», eso es la consciencia, Iván Cantos.

Además de diversas pinturas en óleo sobre lienzo, Cabezas trocadas cuenta con dos líneas de ... obras escultóricas: Línea física: enfatiza la 'fisicalidad' de la obra en cuanto al color y la forma, esculturas de madera policromada presentadas en distintas fases del proceso creativo. Iván Cantos muestra obras que van desde una talla primitiva y sin pintar, que resalta la madera como materia, hasta obras completamente pulidas. Esta línea se completa con una serie de obras 'neocubistas' en las que el artista, una vez esculpida la madera, las destruye y desfragmenta para su recomposición posterior, distorsionando la figura como objeto puramente visual.

Línea proyecciones o 'Perros hinchados': se trata de una serie de esculturas concebidas desde el terreno de las ideas, en una suerte de polisemia, compuesta por varias capas de significado, todas referidas a símbolos basados en ilustraciones de los cuentos infantiles (hablando en general sobre su aspecto más externo).

Sobre la foto de Alicia:

Esta escultura es una instalación cerrada, es decir, una instalación en un cuerpo. Nos habla del orden, del significado del orden en las cosas, de cómo la materia se piensa a sí misma con el hecho de cambiar su propio orden lógico. La realidad obedece también a esa idea de la prevalencia de los órdenes funcionales. Se habla aquí desde el punto de vista del yo y del 'otro' yo, de cómo las formas del yo pueden evolucionar de un modo algo caótico hacia un yo 'acertado', que es funcional dentro de un medio de órdenes funcionales. De este modo, la imprecisión en los caracteres previos puede ser una forma de libertad que produce los ajustes necesarios en un proceso evolutivo, y de esta manera lo ajeno, los órdenes externos funcionales, son una continuación de los órdenes propios.

En esta obra se solapan imágenes de la cultura: los ojos, que miran hacia el cielo a la manera de los santos del Greco en una cabeza que parece sacada de Humpty Dumpty, la foto de Alicia Liddell disfrazada de mendicante...

la escultura en sí parece un todo de ideas imbricadas de una forma aparentemente casual.

El ser es el ser del ser es el ser del ser... Título infinito:

Volvemos aquí a la realidad como 'nube empírica', es decir, como inconcreción que se reordena a sí misma de un modo aparentemente entrópico, pero que obedece, a través de azarosas reordenaciones, a un aparente caos evolutivo.

La idea de lo 'flotante', el bloque flotante de madera representa un bloque flotante de hielo sobre el agua del mar, el ir a la deriva sobre el mar. Lo azaroso, las corrientes de agua. La nube empírica, una representación de la realidad como inconcreción que se piensa a sí misma en órdenes casuales. El pingüino es reflejo del arquetipo nietzscheano del camello, que vaga por el desierto, y de lo extraño al entorno.

Kintaró desestructuralista:

Este niño-hombre, intruso de sí mismo habla, al igual que la anterior escultura, del orden, en este caso de la fisiología, de una fisiología distorsionada. Llama la atención por su 'descabalamiento'. Es una 'previología', con uve, un poner al claro una forma previa, convertida en este caso en definitiva, evolucionada de un modo alternativo. Es un orden extraño; un niño hinchado, un hombre hinchado. Un niño hombre en estado de hinchazón, haciendo alusión irónica al concepto antiguo de 'Hinchar al perro', es decir, distorsionar algo. Además sus ojos de cristal, extraídos de un santo antiguo, nos hablan de una visión distinta, de otro tiempo, sacada de los símbolos imaginistas de otros siglos, como si nos observaran desde otro siglo.

Desde muy pequeño yo me escapaba a las iglesias para ver las obras de los imagineros españoles y una vez me quedé dormido en un banco. En uno de ellos había un memento mori de un Cristo niño, durmiendo recostado sobre un cráneo.

Esa imagen, puro fatalismo español, se me quedó impreso para siempre, o todo lo 'para siempre' que cabe en vida humana. A día de hoy, con algunos años más encima, busco a veces en mi trabajo recuperar -un poco veladas por la edad y por la cultura que uno ha ido adquiriendo-, las imágenes que marcaron mi infancia. Por eso le robo sus ojos de cristal a un santo del XVIII y se los pongo a una de mis esculturas, un Kintaró hipertrofiado, acompañado por la muerte, o mejor dicho, por la representación de la muerte. La búsqueda de la infancia, de la frescura que entonces tuve, y que las escamas que dejan los años han ido cubriendo. Esa especie de polisemia, que va solapando ideas y significados, como las lapas se van pegando con los años a las ballenas, es lo que me hace pensar en esa idea de la nube empírica, o, dicho de otra manera, esos objetos que se piensan a sí mismos, que evolucionan en unos órdenes de significado cambiantes.

Utilizo métodos «tradicionales» como medio de distanciamiento de la intención sobresaturada de la búsqueda de la «novedad». En las tallas utilizo conscientemente métodos y materiales como la madera policromada, y represento imágenes que estarían probablemente más eficazmente representadas por otros medios menos trabajosos, pero esto es así para resaltar lo material, el contacto con la materia sólida de la madera y líquida de la pintura, en una reivindicación de la sensualidad de lo tangible y visual, por encima de lo «conceptual» -convertido ahora en una suerte de superstición-, y encuentro en la relación del objeto trabajado una forma de relación intensa del yo y el ello, una relación de contacto físico con el objeto de trabajo por encima de los fines.

De este modo la intención de estos trabajos, de estas obras, no es tanto el representar unas imágenes concretas sino el hecho de utilizar ciertos medios. No es tanto el reflejar, sino el ser en sí de la obra misma como objeto de arte. Tallar y pintar como acción e intención última, materia pura, sensación pura. Es crear objetos de arte que son en sí mismos una sensación abstracta, una frescura y una libertad por encima de conceptos definibles en palabras. Esa ausencia de significación verbal es connatural a la pintura y la escultura, como J. Kosuth refleja, de una forma en el fondo llena de ironía, al convertir un cuadro en texto, al convertir el texto en imagen «visual» no conceptual, ahí la paradoja. La estética de lo material, de lo físico, de la sensualidad en el sentido de sensación pura, de desbordamiento de la forma y el color, es, si es acertada, algo siempre nuevo y fresco porque busca su novedad en un río que nunca es el mismo, pues por así decirlo, las esculturas de madera se bañan en un río de pintura que fluye, y nunca es igual.

Si un objeto de arte solo busca la novedad o la sorpresa, o llamar la atención con impaciencia, será esclavo de un vacío previo que ningún refuerzo conceptual o verbal podrá llenar.

Hay en estas esculturas una cierta indiferencia hacia lo reflejado, de tal modo que la escultura o la pintura pretende ser un objeto vivo en sí, su único soporte es el otro, 'el espectador', recordando así el concepto Lacaniano de «yo soy el otro», o «yo soy quien me ve», y es, en este caso, la objetualización del hecho físico de representar con el trabajo en una materia viva. Llevar la acción de nuevo a la materia natural, algo contrario a esa tendencia actual a llevarlo todo a la palabra y la idea, 'hinchar al perro'.

Si en parte, el arte actual se ha desvanecido en una carrera por llamar la atención a primera vista, ser nuevo a toda costa se ha convertido en algo viejo, no diré vacío, pues el vacío posee un recogimiento y una «belleza», por así decirlo, dignas de mejores causas. En esta carrera un poco asquerosa, el arte contemporáneo se ha dejado en el camino algunas cosas que uno cree connaturales a la esencia misma del arte, como lo es la masa de la sangre al cuerpo humano, y son estas cosas: la paciencia, el tiempo, el silencio del estudio, el valor artístico del objeto por encima de lo que se pueda afirmar sobre ese valor...

Si se me permite decirlo, me gustan mis esculturas porque están detenidas y calladas, parecen meditar, pero además tienen una vida desbordada, o al menos así lo veo, el tiempo dirá.

Para terminar, llega uno a la conclusión de que el arte parece ser todo aquello exento de utilidad o necesidad, idea problemática porque olvida que el arte debe verterse en la vida como algo nuevo siempre y salvífico. Volver a lo físico, a la fisicalidad del objeto, esa especie de sublimación de lo tangible, pues no hay nada más profundo que la piel, y por eso es siempre nueva, y esa búsqueda de la «objetualización» nos recuerda que siempre volvemos a esa piel humana, Iván Cantos.