El potencial ficcional de los cuerpos desde el alejamiento del todo androcéntrico es el eje temático de esta exposición. Con puntos de partida muy diversos —desde las posibilidades físicas de un material, hasta el espiritualismo, pasando por aproximaciones más explícitamente queer— las artistas participantes han creado obras de nueva producción. Entre todas las piezas presentadas existe un diálogo que más que una respuesta a la pregunta qué es un cuerpo, reflexiona sobre las posibilidades de retar los límites de lo ya preestablecido, ensancha los espacios de definición de los mismos: ya sea a través de la subversión de un material o del cuerpo como entidad construida socialmente.
La ficción se convierte en la estrategia que cuestiona la distancia entre lo real y lo (im)posible. En Cabello/Carceller es la auto(re)presentación —no exenta de teatralidad— en la acción de bajar la escalera lo que desestabiliza lo binario. Lucía C. Pino mediante un trabajo...físico, manual y de repetición de gestos y movimientos, consigue enfatizar lo (im)propio de un material. Mientras que Ariadna Guiteras subvierte los imaginarios que han definido el cuerpo en occidente e invoca la historia del cuerpo femenino de las mediums y su capacidad porosa para corporeizar otros seres masculinos o femeninos. Mediante un material cerámico que en sí representa esa porosidad, los botijos de Guiteras sudan esencias que tradicionalmente se han utilizado para regular procesos corporales de las mujeres.
Curiosamente los tres títulos escogidos por las artistas –Full Fantom Five, Incorporo a Revolta y Every Exit is an Entrance– son homenajes que remiten a otras obras o autoras. Shakespeare, Silvia Plath, Helio Oiticica y Anne Carson; de alguna manera un acto de reconocimiento a las referencias que rompe la idea de originalidad y pureza favoreciendo la posibilidad de influencia o contaminación en la manera de hacer y pensar.
Full Fantom Five de Lucía C. Pino presenta cinco obras escultóricas de hierro, cuyo material ha sido reciclado de The more we know about them the stranger they become, una pieza de gran formato realizada previamente. C. Pino ha horneado en carbón, abollado, doblado, torsionado y pulido estos tubos buscando las propiedades opuestas a las comúnmente asignadas —resistencia, dureza— al material de origen. El material se convierte así en contenido investigado como posibilidad, una observación a su estabilidad y sus límites. Como en trabajos anteriores, Full Fantom Five, en palabras de la artista “apela a la formación de nuevas subjetividades y modos de existencia a través del estudio volumétrico y del comportamiento de diversos materiales para tratar de deconstruir y construir ensamblajes distintos en sus componentes y relaciones”.
La obra de Cabello/Carceller, Incorporo a Revolta (capítulo del proyecto Lost in Transition) está estrechamente vinculada con la teoría queer y la voluntad de desestabilizar el sistema de género binario. Las fotografías parten de la acción previa Lost in Transition en el que las artistas convocaron a miembros de la comunidad trans, drag, genderfluid, genderqueer, cuir, agénero… a bajar la escalera de la Galería 6 del IVAM. Una escalera entendida como un perpetuo lugar de transición y que permite activar la ambigüedad, transitoriedad y variabilidad de los géneros, un escenario arquitectónico ideal en el que la conciencia de capacidad de (re)presentación por parte de los cuerpos descendentes está directamente relacionada con la efectividad del poder de la ficción. En Incorporo a Revolta las fotografías, testimonio de esta acción, se sitúan sobre un mural que recupera uno de los Parangolés de Hélio Oiticica, una de sus telas que en ocasiones llevaban inscritas frases de carácter poético o político —Incorporo a Revolta, en esta ocasión— y que necesariamente se activaban con el movimiento del cuerpo.
Every Exit is An Entrance de Ariadna Guiteras es el resultado de la confluencia de diversos procesos de investigación con un punto común: los cuerpos. Por un lado, la voluntad de comprender la concepción del cuerpo en occidente a través de la historia médica (incidiendo en sus agujeros: la boca, el ano, la vagina, las orejas, los poros de la piel…), el desmembramiento de los cuerpos y su categorización como señal de la insistencia en un pensamiento binario. Guiteras se apropia de imágenes de la Wellcome Collection, un archivo de medicina y salud que se originó a principios del siglo XX en Londres, y crea conjuntos que apuntan a posibles cuerpos monstruosos, frankensteinianos. Por otro, una investigación alrededor del cuerpo de las médiums de la clase trabajadora y cómo se ganaban la vida y capitalizaban su queernes con su capacidad de corporeizar espíritus masculinos y femeninos. Every Exit is An Entrance, título que parte de un texto de Anne Carson, funciona, en conjunto, como guión o partitura de una potencial performance que, si no llega a suceder, se manifiesta de manera prácticamente imperceptible en el espacio: los botijos de cerámica, porosos, sudan esencias de plantas que tradicionalmente se han utilizado para la autogestión del cuerpo de las mujeres.
Cati Bestard y Marta Sesé
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Currículums
Lucía C. Pino
Lucía C. Pino realiza una práctica artística que tiende a poner el foco en la escultura, entendiéndola en un sentido amplio –a través del estudio de textos, objetos, materiales, asociaciones, comportamientos– y que se expande generando un complejo de experiencias de movimiento, peso, tensión, desempeño estructural, contrapunto formal y ritmo; generando resonancia e interacción entre espacio y persona que lo experimenta (más allá de imágenes retinales aisladas). La suya podría ser una escultura de estructura que funciona como un ensamblaje. Una especie de cluster que contiene un anhelo háptico. Una investigación que solapa la observación, la evaluación, la asignación y superposición de diferentes capas de temporalidad y consistencia. El resultado es una especie de transformación en el que la escultura se adapta al entorno y viceversa. Este empeño revela algunas tensiones dialécticas, como en una especie de conversación sobre la subjetividad y el vitalismo de las cosas que pone en evidencia su incidencia política o su interés excediendo lo antropológico. Un acercamiento a través de la investigación escultórica a la comprensión ecosistémica, a la teoría de sistemas y a la estética que se vuelve política a través de vínculos colectivos de movilización de recursos.
Ha recibido un premio de reconocimiento ArtsFAD en 2019, y ha mostrado su trabajo en distintos lugares como en el Espai 13 de la Fundació Miró, Arco 2019, Galería Heinrich Ehrhardt de Madrid, el ASM, Ana Mas Projects, Et-hall, Galería dels Angels, el MACBA y Casa Asia en Barcelona; en la Filmoteca Regional de Murcia Francisco Rabal, Local Project Art Space (NY), Pragda Big Screen Project, NY; en Larraskito (Bilbao); en la Galeria Aulenti de Triennale de Milan (Italia) y D/ART/ Sydney (Australia). Vive y trabaja en Barcelona.
Cabello/Carceller
Cabello/Carceller inician su colaboración a principios de los noventa y desde entonces desarrollan un trabajo interdisciplinar que utiliza diferentes medios de expresión –instalación, performance, vídeo, escritura, dibujo...– con la intención de interrogar los modos de representación hegemónicos en las prácticas visuales y proponer alternativas críticas. Partiendo de un enfoque conceptual, políticamente comprometido, usan estrategias como la apropiación, la performance o el relato de ficción para cuestionar las narrativas modernistas que ignoran a las minorías políticas mientras fingen recurrentemente acudir a ellas. En un intento por desvelar estas contradicciones, buscan colaboradores externos, normalmente amateurs, aunque ocasionalmente también profesionales, para confrontarlos con situaciones o textos extraños o dislocados –que podrían calificarse como queer–. Aislados y fuera de contexto, estos protagonistas experimentan un desajuste creado alrededor suyo, un dislocamiento que es potenciado por la narración y las estructuras narrativas en las que esta se apoya, y que contribuye frecuentemente a activar o expandir los significados establecidos.
Colectivas recientes: Los Sujetos, Pabellón español en la 56 Bienal de Venecia, Italia - Global Feminisms, Brooklyn Museum, New York y Davis Museum, Wellesley College, Massachusetts, EEUU - Fiction and Reality, MMOMA, Moscu Museum of Modern Art, Moscú - BB4 Bucharest Biennale: On Producing Possibilities, Bucarest, Rumanía – Bienal Latinoamericana de Artes Visuales, Curitiba, Brasil – re.act feminism. A Performing Archive, Akademie der Künste, Berlín, e itinerancias - Nuevas Historias. A New View of Spanish Photography and Video, Stenersen Museum, Oslo, Noruega / Kuntsi Museum of Modern Art, Vaasa, Finlandia / Kulturhuset, Stockholm, Suecia / Royal Library, Dinamarca – Genealogías Feministas, MUSAC, León (España) – The Screen Eye or The New Image, Casino Luxembourg, Luxemburgo – Cooling Out, Lewis Glucksman Gallery, Cork, Irlanda, En todas partes, CGAC, Santiago de Compostela (España).
Individuales recientes: Borrador para una exposición sin título, MUAC México, MARCO de Vigo y CA2M - Lost in Transition _un poema performativo, IVAM, Valencia - Rapear Filosofía: Foucault, Sontag, Butler, Mbembe, Galería Elba Benítez, Madrid - Micro- Políticas, MicroPoéticas, Sala La Patriótica/CCEBA Buenos Aires, Argentina - Off Escena; Si yo fuera..., Abierto X Obras, Matadero Madrid, España - Archivo: Drag Modelos, Galería Joan Prats, Barcelona y CAAM, Las Palmas de Gran Canaria, España - Suite Rivolta, Galería Elba Benítez, Madrid, España o A/O (Caso Céspedes), CAAC Sevilla, España.
Su trabajo ha sido incluido en Art and Queer Culture, una revisión histórica publicada por Phaidon Press y escrita por Catherine Lord y Richard Meyer. También ha sido analizado por Judith Halberstam en The Queer Art of Failure, publicado en Duke University Press, así como en el prólogo de la versión española de Female Masculinity (Masculinidad femenina) de la misma autora.
Ariadna Guiteras
La práctica de Ariadna Guiteras abarca la performance, el texto, el dibujo y la instalación para investigar los límites de los cuerpos humanos y más que humanos, y las relaciones que los constituyen. Su trabajo reciente ha explorado el concepto renacentista del “cuerpo poroso”, una teoría médica que veía la piel como un límite poroso, fácilmente perforable y difícil de proteger. Imaginado en presente, el término se amplía en el trabajo de Ariadna para considerar los cuerpos como materia vulnerable, abierta y siempre en relación, ya sea con otros cuerpos, el entorno, el petróleo, los flujos de capital, los datos o los la energía solar. Ha mostrado su trabajo en diferentes espacios como 11a Biennal Leadre Cristofol (La Panera, Lleida),
MIAC (Lanzarote), The Bower (Londres), Tate Exchange (Londres), CentroCentro (Madrid), Loop (Barcelona), APA (Bruselas), Swab Performance (Barcelona), àngels barcelona, Cuarto Espacio (Zaragoza), Twin Gallery (Madrid), CA2M (Madrid), Sala Muncunill (Terrassa), H.AAC (Vic), Castillo de Montjuïc (Barcelona), Chalton Gallery (Londres), Sant Andreu Contemporani (Barcelona), Arts Santa Mònica (Barcelona), Antic Teatre (Barcelona), MACBA (Barcelona), Werf 52 (Düsseldorf), Second Home (Berlín).
Imágenes de la Exposición
Lucía C. Pino. Detalle de FFFMM / 1. Hierro trabajado en horno y tejido de poliuretano, 70 x 42 cm. 2020 — Cortesía de Dilalica
Entrada actualizada el el 05 mar de 2020
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