NOTA: LA FECHA DE CIERRE INDICADA ES SÓLO ORIENTATIVA.
El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey presenta “Dan Flavin: Obras de la colección Dia Art Foundation”, la primera exhibición en México dedicada a analizar la producción de una figura clave en el minimalismo norteamericano, aunque en vida rechazó cualquier etiqueta, es pionero en la incorporación de luz fluorescente en la producción artística y cuyas instalaciones envuelven al espectador en contenedores multicolores.
La muestra reúne 24 de las obras más destacadas en la producción de Flavin, creadas entre 1962 y 1974, provenientes del acervo de Dia Art Foundation, seleccionadas curatorialmente por Humberto Moro, director del programa de la institución. Se encuentran desde las primeras obras en las que utiliza luz hasta series que realizó por varios años.
Fallecido en 1996, Dan Flavin fue el primer artista en utilizar la luz como un medio de producción artística, con la que lograba transformar el espacio y...la percepción del público a través del color y los efectos de la luz fluorescente.
La presencia de la obra de Flavin en el país es el resultado de la sinergia del MARCO con Dia Art Foundation, institución establecida en Nueva York desde 1974, inicialmente dedicada a apoyar a los artistas en proyectos de gran escala y producción, desde instalaciones de sitio específico hasta exhibiciones individuales. En este sentido, el organismo produjo e integró a su acervo una parte importante de la obra de Flavin, convirtiéndose en un actor importante en la preservación de su legado.
La exhibición “Dan Flavin: Obras de la colección Dia Art Foundation” es producida por MARCO gracias al financiamiento del Estímulo Fiscal a Proyectos de Inversión en la Producción de Artes Visuales (EFIARTES), con el apoyo de Cuprum, FEMSA y Metalsa. El Museo es patrocinado por Gobierno del Estado de Nuevo León, a través de la Secretaría de Cultura de Nuevo León; Arca Continental, CEMEX; además de: Xignux, Municipio de Monterrey, Cydsa, FRISA y Arte Expuesto.
LA EXPOSICIÓN
El recorrido por la muestra resulta en una experiencia lumínica por ambientes generados por las instalaciones que van cambiando. En la primera parte se reúnen las obras en las que utilizó luminarias blancas, permitiendo ambientes relacionados con la espiritualidad, la contemplación y la introspección, mientras que la segunda parte hay una transición a los colores brillantes que evocan una diversidad de emociones y sensaciones en el público.
Icon VII (Via Crucis), realizada entre 1962 y 1964, es la obra que abre la muestra, en la que el artista remite a la representación del Cristo crucificado en la historia de la pintura, y que es una de las pocas obras religiosas minimalistas. La pintura de acrílico negro sobre masonite tiene en la esquina superior derecha un tubo de luz blanca que resplandece hacia arriba, remitiéndose al significado religioso de la luz como algo divino, pero al mismo tiempo, al ser luz artificial manufacturada, genera un contrapeso con lo profano. Pertenece a su serie en la que comienza el uso de la luz, conocida como “íconos”, término que remite a la formación católica del artista, pero a diferencia de las representaciones de arte sacro con figuras enaltecidas, los íconos de Flavin son seres queridos o personajes destacados que han influido en su carrera, es decir, son personas más humanizadas. La obra fue creada en una época donde los artistas exploraban en el arte otras formas de espiritualidad, en una época donde la religión estaba perdiendo su lugar central en la sociedad estadounidense.
Después, la muestra continúa con la serie que Flavin dedica a Vladimir Tatlin (1855-1953) considerado uno de los artistas más importantes de la vanguardia rusa, a quien le fue comisionado en 1919 el Monument to the Third International, proyecto de monumento de la Tercera Internacional (Partido Comunista) que no llegó a construirse y solo se quedó en planos y bocetos.
A partir del proyecto creado por Tatlin, el artista Dan Flavin reinterpreta el proyecto en una serie que realizó entre 1964 y 1974, para cuestionar la idea de monumentalidad y permanencia de las obras con una producción que se distingue por su carácter efímero y su capacidad de reconfigurar el espacio donde se encuentra, parte de un proyecto donde el arte funciona como promoción de una visión política.
Mientras el diseño de Tatlin es una estructura tridimensional con una estructura en espiral y en forma de torre irregular, Flavin presenta exploraciones minimalistas del monumento, simplificando al máximo el volumen y la forma.
En la obra de Flavin, la luminaria funciona como un elemento escultórico, que al estar encendida, transforma el espacio donde se encuentra dependiendo de las cualidades arquitectónicas, generando un ambiente por el que transita el espectador. Entonces, la obra de arte no está delimitada a un solo objeto y sus dimensiones, sino que la cualidad del objeto transforma e impacta el espacio donde se encuentra. Es decir, La luz en la obra de arte se convierte en protagonista al trascender como objeto artístico, generando en el espectador una experiencia sensorial y emocional.
VARIEDAD CROMÁTICA
Los ambientes coloridos es lo que distingue la segunda parte de la exhibición, donde se reúnen producciones en las que Flavin realizó tanto variaciones monocromáticas, como los efectos de los colores complementarios, también el impacto óptico en la visión del espectador, quien experimentará diversas sensaciones y emociones.
La serie conocida como “parejas europeas”, producida entre 1966 y 1971, es una de estas producciones. Tal como lo realizó en la serie de “íconos”, Flavin continúa con las dedicatorias a seres queridos o figuras que han influido en su discurso y formación, al mismo tiempo, refiere a que las personas en ocasiones funcionan como los colores complementarios al relacionarse con los demás; en MARCO se exhibirán cinco de las nueve que tiene la colección: Untitled (to Janet and Allen); Untitled (to Barbara and Joost); Untitled (to Karin and Walther); Untitled (to Christina and Bruno); y Untitled (to Sabine and Holger). Son obras monocromáticas que cuya luz se despliega en el volumen arquitectónico, creando diversas tonalidades. Las piezas consisten en un cuadrado formado por cuatro luminarias, las verticales orientadas hacia la parte posterior y las horizontales hacia el frente, instaladas justo en la esquina de la sala donde se exhibe.
La exhibición cierra con untitled (to you, Heiner, with admiration and affection) de 1973, una instalación inmersiva de gran formato compuesta por una retícula formada por luminarias color verde atravesando toda la sala hasta el final de la muestra. La obra es parte de las exploraciones sobre la óptica retiniana, es decir, el impacto que la luz fluorescente verde tiene en la vista: al exponerse a la luz diurna, el público conservará por unos segundos el destello de la obra en color rosa, complementario del verde.
A lo largo de la exhibición, el público podrá experimentar el efecto visual y sensorial de la obra de Flavin, también el efecto de las obras minimalistas, pues a través de las formas y materiales reducidos a lo esencial, generando una experiencia exponencial en quien las enfrenta.
EL ARTISTA
Dan Flavin nació en 1933 en la ciudad de Nueva York, donde más tarde estudió historia del arte en la New School for Social Research (1956) y la Universidad de Columbia (1957-1959). Su primera exposición individual fue en la Judson Gallery, Nueva York, en 1961. Flavin hizo su primer trabajo con luz eléctrica ese mismo año y comenzó a usar bombillas fluorescentes comerciales en 1963.
Aunque en vida rechazó cualquier etiqueta para su obra, a su producción se le asocia al minimalismo estadounidense, una corriente artística en la que los artistas buscaban reducir las formas de representación a lo básico y elemental, eliminando cualquier signo de subjetividad o expresión personal utilizando materiales prefabricados o industriales para reducir (o eliminar) la mano de obra. El filósofo Richard Wollheim fue quien acuñó el término Minimal Art (Arte Minimal o Minimalismo) en su ensayo del mismo título publicado en 1965. Además del impacto del contexto social y político del momento, el minimalismo y las corrientes de la época se desarrollaron especialmente en las grandes ciudades, cómo Nueva York y Los Ángeles, donde se concentraba también una comunidad de intelectuales. El uso de materiales industriales tiene relación con que la tecnología y los artículos industriales se volvían cada vez más accesibles. Dentro de este movimiento, otros artistas que trabajaron con luz son James Turrell, Mary Corse, Robert Irwin, entre otros.
Las principales exposiciones del trabajo de Flavin incluyen las del Museo de Arte Contemporáneo. Art, Chicago (1967), National Gallery of Canada, Ottawa (1969), Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden (1989), y la retrospectiva organizada por Dia en asociación con la National Gallery of Art, Washington, D.C., en 2004 –2005. En 1983, Dia inauguró el Instituto de Arte Dan Flavin en Bridgehampton, Nueva York, una exposición permanente diseñada por el artista en una estación de bomberos reconvertida y abierta al público cada verano. En 1992, Flavin creó una instalación monumental para la reapertura del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York. Murió en 1996, dejando diseños para una instalación de luces para la Chiesa Rossa de Milán que se realizó póstumamente con el apoyo de Dia.
Entrada actualizada el el 14 mar de 2024
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