La muestra recoge 100 piezas de diseño de producto diseñadas y producidas por autores portugueses en los últimos sesenta años, con mayor énfasis en los años entre 1980 y 2014.
El próximo 24 de febrero arranca en la Central de Diseño de Matadero Madrid la exposición "Diseño Portugués. Formas de una identidad (1950-2015)", organizada en colaboración con el Museo Mude de Lisboa (Portugal).
La exposición nace y se mantiene como una interrogación para suscitar el debate. Pretendemos comprender cómo las circunstancias geográficas de Portugal, la herencia histórica, la cultura, las tradiciones y la conciencia colectiva han influido, y/o se reflejan en el pensamiento y en la obra de cada autor. También intentamos conocer de qué manera los conceptos básicos de lugar, pertenencia, identidad y memoria han sido plasmadas a nivel del diseño, avalando una eventual estética de valores y características comunes. En otras palabras, ¿qué puede significar "ser portugués" en la cultura...material contemporánea? ¿En qué medida el desarrollo de la producción nacional pasa por el trabajo de nuestra matriz cultural, sin prejuicios y con una conciencia de quiénes somos? Para responder a estas cuestiones, nos dirigimos al diseño de producto diseñado y producido por autores nacionales en los últimos sesenta años, con mayor en énfasis en los años entre 1980 y 2014.
En Portugal, el desarrollo del diseño casi siempre ocurrió con medios y recursos limitados. La falta de una política estratégica del desarrollo, la escasa industrialización del país, el fracaso de la educación industrial, la institucionalización tardía de la enseñanza del diseño y la dificultad de convertir el diseño en una profesión, fueron algunos de los obstáculos para la práctica del diseño en su totalidad. También fue importante la falta de un museo dedicado al diseño, lo que contribuiría a la conciencia y la comprensión de los públicos, diseñadores y la industria, como había ocurrido en casi todas partes en Europa desde la segunda mitad del siglo XIX. Por otra parte, nuestra historia demuestra cómo estamos abiertos y receptivos aotras, y cómo hemos incorporado, interpretado o reinventado múltiples influencias y ejemplos de fuera.
Estos pueden ser franceses, ingleses u holandeses, en función de los tiempos y contextos, y más recientemente, el italiano o el escandinavo. Además de estas influencias europeas, el Oriente, África y Brasil han tenido un fuerte impacto en la evolución y transformación de nuestras Artes Decorativas. Estos intercambios e influencias han dado lugar a una gran diversidad de/en la producción material que finalmente se ha traducido en el universalismo, el mestizaje y la interculturalidad que marcan nuestra identidad colectiva.
Presentamos alrededor de 100 piezas de diseñadores de diferentes generaciones, procedencias y formación, lo que demuestra el espacio inclusivo y plural que hemos querido crear desde el principio, y mostrando la vitalidad de sus carreras y proyectos. Sin ser un estudio exhaustivo de todos los diseñadores que trabajan durante este período, la selección incluye los objetos considerados más representativos para una lectura de las interpretaciones propuestas. La exposición se basa en una lectura formal de las piezas, y propone el diálogo entre las diferentes eras, diseñadores y lenguas, respetando, siempre y en primer lugar, la singularidad de cada trabajo. Prestando especial atención a los sectores productivos tradicionales como el corcho, madera, vidrio, cristal o porcelana, se dibujan tres líneas de interconexión: El Predominio de la Forma sobre el Adorno o La búsqueda de la estructura de las cosas; Inteligencia Práctica y Sensibilidad hacia la Materia. La Excelencia de la Manufactura y las Artes Aplicadas; Entre lo Popular y lo Erudito. Variaciones sobre el Tema de la Tradición.
En la exposición podemos encontrar piezas que remiten a autores, iniciativas, entidades y exposiciones claves para la historia del diseño. Las piezas de Carmo Valente, António Sena da Silva, António Garcia e Carlos Galamba evocan la 1ª y 2ª Exposición de Diseño Portugués, del 1971 y 1973 respectivamente, promovidas por el Instituto Nacional de Investigación Industrial.
Por otra parte, el icónico aparador Hailey de Philip Alarcão o el estudio de Francisco Rocha, recuerdan las actividades que desarrollaba Loja de Atalaya a finales de los años 1980 y 1990 en la promoción de exposiciones y ediciones limitadas de piezas de diseño. La presencia de diversos artistas y arquitectos refleja las intersecciones que siempre han existido entre el diseño y el arte, la arquitectura y la joyería. Indirectamente, hay una referencia a la función del Centro de Diseño de Portugal y la ICE en el intento de enlazar diseño e industria, y en la difusión del diseño portugués al extranjero. Las referencias se pueden encontrar también las últimas iniciativas y marcas como ProtoDiseño, Sátira design, Mglass, Project 01 da Atlantis y las ediciones de Experimenta Design / Designwise.
