Max Estrella tiene el placer de presentar la exposición colectiva titulada El todo es más que la suma de las partes, con la obra de las artistas Leyla Cárdenas, Inma Femenía e Hisae Ikenaga. Esta es una muestra mayoritariamente de obra tridimensional, en la que se propone una reflexión acerca de la relación entre la materialidad de la obra de arte y el ejercicio de percepción de la misma por parte del espectador.
El acercamiento a la práctica de las tres artistas se fundamenta en los textos de Robert Morris titulados Notes on Sculpture y Anti Form, publicados en ArtForum entre 1966 y 1969. Incluidos en ellos, los postulados de la corriente psicoanalítica y humanista Gestalt, junto con el concepto de Anti-forma, sirven para trazar una línea de conexión argumental en esta exposición. Estos permiten presentar los materiales empleados por las artistas como puentes al proceso de concepción y realización de...la obra, y capaces de facilitar una percepción íntegra del desarrollo creativo. La heterogeneidad o indeterminación de las partes no es un obstáculo para alcanzar una sensación de la obra como un todo. Se identifican como elementos comunes al trabajo de Cárdenas, Femenía e Ikenaga, la apropiación de objetos con una funcionalidad previa, así como el efecto del tiempo en la fase de creación y en los mismos materiales. Estos son los que dan las claves para una experiencia de percepción inmediata, unitaria y libre.
Leyla Cárdenas presenta las instalaciones tridimensionales tituladas Mutual Dissolution y Under Other Conditions. Ambas son excepcionales representantes de las prioridades discursivas de la artista colombiana, en torno al tiempo y la memoria. La fibra de seda de poliéster sirve como medio de impresión de imágenes de construcciones humanas abandonadas o de cortes del terreno en canteras, para posteriormente ser deshilachada.
Los estratos del terreno, así como una edificación olvidada, vienen a significar un mundo tangible afecto por el tiempo. Dicho tiempo queda materializado en el mismo proceso de realización de la obra cuando Cárdenas deshila el tejido, y escenifica su impacto en la materia. La fibra queda entonces sujeta a la gravedad, reforzando la idea de una realidad efímera. Su vídeo titulado Interpretación del tiempo profundo también es parte de la exposición. “Este mundo con todos sus detalles ha sido elaborado y aniquilado, y será elaborado y aniquilado: infinitamente”, asociado por la artista a este texto de Borges citando a Hume, con él apuntala el argumento del carácter transitorio de todo aquello susceptible al efecto del paso del tiempo.
Habiendo sido parte de la reciente exposición de Inma Femenía en Bombas Gens, la instalación Hold viene a escenificar la definición de Morris de Anti-Forma a la perfección. La artista valenciana se apropia de la forma del plástico con el que agricultores de Almàssera cubren sus cultivos, para crear una escultura de PVC dispuesta en términos similares a como queda almacenada dicha cobertura en los huertos. Provista de la memoria del desgaste por efecto del tiempo en su funcionalidad original, presenta una materialidad notablemente maleable y expuesta a la fuerza de la gravedad. Más que en ningún otro lugar es aquí donde habita la variable temporal, incorporando así indeterminación y autonomía en el proceso creativo.
La libertad de la pieza respecto a un resultado final sujeto a una especificidad formal determinada con anterioridad, introduce un componente efímero a la obra de arte. Múltiples son los leves matices que pasando desapercibidos harán de la obra una versión nueva cada vez que se realice. El factor tiempo queda así incorporado a la estructura misma de la pieza y garantiza al espectador independencia para simplemente experimentar la percepción de la misma. Este carácter efímero vincula la obra con el discurso de la artista valenciana en torno a la imagen digital, que aun siendo inmaterial, está expuesta al desgaste por el sobreuso y por tanto al paso del tiempo. De manera específica, Hold simboliza los contenedores en los que estamos acumulando cantidades ingentes de archivos e información sin saber con qué propósito.
La apropiación para Hisae Ikenaga es una oportunidad para imaginar una nueva posible funcionalidad de una serie de objetos cotidianos, que no necesariamente tiene que traducirse en un uso, pudiendo ser una sensación. Esto último define un tipo de percepción que no se ajusta a una realidad reconocible y que conecta al espectador con la materialidad y el proceso de creación de la obra.
Ikenaga presenta en esta exposición piezas de las series Sutil Olvido, Only Wood, Collages y Fósiles-Vasija. En la primera hace uso de trozos de metal tubular, madera laminada y objetos cotidianos que aparecen como detalles sorpresivos, a modo de sutil olvido, todos ellos relacionados con el montaje, la exhibición y el coleccionismo de arte. Para la segunda, la artista se apropia de páginas de revistas de diseño y arquitectura con imágenes de espacios interiores. Estas son intervenidas recortando todos los elementos que no están hechos de madera, resultando así una composición en la que este es el único material visible. Los Collages pivotan sobre este mismo eje discursivo, apropiándose de imágenes de segmentos de metal tubular para crear las composiciones. Finalmente las esculturas de Fósiles-Vasija representan objetos cotidianos de cerámica convertidos en fósiles. Siendo de origen humano, estos hallazgos arqueológicos son imposibles por no haber pasado suficiente tiempo para que el proceso físico-químico tenga efecto. Materiales resultantes de procesos técnicos industriales y el tiempo son de nuevo protagonistas.
La memoria de los objetos de los que se apropia Ikenaga, sirve de facilitador para una reflexión sobre lo fútil y transitorio de los significados y uso de los objetos cotidianos. El paso del tiempo y su afección a la materia es por tanto la variable determinante en la experiencia de percepción del espectador.
Leyla Cárdenas (1975, Bogotá) vive y trabaja en Bogotá. Su obra ha sido mostrada en el Palais de Tokyo, Maiso de l’Amerique Latine (Paris, France); LACMA Los Ángeles County Museum of Art (CA, USA); Marres and Bureau Europa (Maastricht, NL); Banco de la República, NC-Arte, Espacio Odeón (Bogotá, Colombia); Museo de Arte Moderno (Medellín, Colombia); o Galería Max Estrella (Madrid, Spain). Es parte de colecciones en Colombia, Latinoamérica, Europa y los Estados Unidos.
Inma Femenía (Pego, Alicante 1985) vive y trabaja en Valencia. Su trabajo ha sido expuesto en Bombas Gens (Valencia 2020), el IVAM (Valencia, 2017); Praz-Delavallade (París, Francia 2017); Centro Párraga (Murcia, España 2016). En estos dos últimos años, el trabajo de Inma Femenía ha sido adquirido por diferentes instituciones como la colección DKV, la fundación Per Amor a l’Art (Bombas Gens) y la Generalitat Valenciana.
Hisae Ikenaga (México, 1977) vive y trabaja en Luxemburgo. Ha tenido muestras individuales en instituciones prominentes como Matadero (Madrid, 2011), Praxis International Art (Nueva York 2011), y La Casa Encendida (Madrid, 2009), entre otras. Su obra está presente en múltiples colecciones entre las que se encuentra Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC), Museo Nacional de Historia y Arte de Luxemburgo (MNHA) y Ministerio de Cultura de Luxemburgo. Recientemente ha recibido el prestigioso premio LEAP (Luxembourg Encouragement for Artists Prize) en su edición 2020.
Texto: Gregorio Cámara
Imágenes de la Exposición
Inma Femenía, — Cortesía de la Galería Max Estrella
Entrada actualizada el el 29 abr de 2021
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