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El equipo de la Galería Luis Adelantado anuncia la apertura de una nueva Galería en la Ciudad de México. Este nuevo reto, se plantea como una consecución lógica, tras una estrecha relación entre la Galería y México desde hace ya varios años. Nuestra participación activa y nuestro apoyo desde sus comienzos en la feria de Zona MACO, la incorporación paulatina de jóvenes emergentes mexicanos y sobre todo los buenos amigos, colegas y coleccionistas que durante estos ... años nos han animado a que este proyecto finalmente se hiciera realidad.

La Galería, con una extensión de 1500 m2, se encuentra situada en una nueva área cultural cerca de Polanco, donde se está construyendo la nueva sede de la prestigiosa Fundación/Colección Jumex y la del Museo Soumaya. La totalidad del espacio se encuentra dividido en dos grandes naves: una de 300 m2, con las oficinas y los almacenes en un piso superior, y otra nave de 500m2. Un espacio diáfano de 8m de altura con un altillo en uno de sus extremos donde se sitúan pequeñas estancias acristaladas en forma de escaparates. A todo esto hay que añadir la bodega de 200 m2, un espacio singular que también será usado como espacio expositivo. El marcado carácter interdisciplinario del proyecto de la Galería, que se lleva desarrollando desde sus comienzos hace ya 35 años, hace que la singularidad del espacio sea propicia para múltiples posibilidades de diálogo por lo que los proyectos in situ serán parte importante de la futura programación.

Para esta ocasión tan especial hemos querido inaugurar el espacio con una muestra colectiva que recoge la esencia de la filosofía de la Galería. Presentamos una selección de artistas de distintas generaciones y disciplinas que aportan las pautas genéricas en las que se apoya nuestro proyecto.

LUIS GORDILLO (1934, Sevilla, España) es una de las figuras más singulares del arte abstracto representacional. Su obra explora los significados y la vinculación entre el mundo del pensamiento, el de la experiencia y el de la expresión estética. Con una larga trayectoria, Luis Gordillo es un artista consagrado que ha sido acreedor a múltiples premios y reconocimientos. Entre ellos, en 2007 fue galardonado con el Premio Velázquez de Artes Plásticas. En 2007 se realizó una exposición retrospectiva 1959-2007 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Su obra forma parte de las colecciones de Caixa Forum, del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, de la colección de Patio Herreriano, del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, del Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca, del!Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) y del Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre muchos importantes espacios museísticos y colecciones internacionales.

DARÍO VILLALBA (1939, San Sebastián, España) es una referencia ineludible para entender el arte después de la generación del Informalísmo de los 50s a la fecha. Su obra crítica el medio artístico en donde él se desenvuelve, dejando claro que no es el estilo sino el artista el que define su obra. Siempre vigente y en constante diálogo con los artistas jóvenes, la obra de Darío Villalba explora la frontera entre la fotografía y la pintura. También explora las fronteras del objeto, la instalación y la escultura. En 1970, en la XXXV Bienal de Venecia, presentó sus 'encapsulados' que le dieron fama internacional y trascendencia artística. Por la constancia en la excelencia de su trabajo ha sido galardonado con diversos reconocimientos, entre ellos la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes otorgada por el Rey de España en 2002. Su obra ha sido expuesta en muchos de los principales museos del mundo como el MoMA, el de la Fundación Guggenheim, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París.

FENDRY EKEL (1971, Jakarta, Indonesia) es, junto con Folkert de Jong, uno de los principales exponentes del arte nordeuropeo contemporáneo. Su obra explora el lado oscuro de la ambición humana; ironiza los preceptos fundamentales de la sociedad, la política y los estilos del arte; reflexiona sobre el poder y la megalomanía que el hombre manifiesta en su arquitectura. Inmigrado a temprana edad a los Países Bajos, el paisaje urbano ha sido el perfecto escenario para identificar el cambio drástico de su entorno, en donde la figuración y la abstracción se encuentran e interactúan. Desde 2007, ha colaborado estrechamente con Folkert de Jong, creando un diálogo entre su plástica bidimensional y la tridimensional de Folkert. Desde 1999 ha estado participando activamente en un gran número de exposiciones en museos y galerías destacados. Su obra forma parte de la colección del Museum Dhondt Dhaenens de Bélgica, la Plancius Art Collection y de colecciones privadas en Alemania, los Países Bajos, España, Italia, México y los Estados Unidos.

FOLKERT DE JONG (1972, Edmond aan Zee, Holanda) es fundador, junto con Fendry Ekel y Astrid Honold, de la United Artists Productions Amsterdam. Su obra comprende una innovación técnica sin precedentes que utiliza al poliuretano y a la espuma de poliestireno como materia prima para crear escenas desconcertantes de gran escala y paráfrasis de obras maestras que ponen de manifiesto una crítica a la estética del horror, tomando temas del conflicto, la política, la guerra y la historia del arte. Su obra adquiere dimensiones majestuosas desvelando el significado de los mensajes de los grandes maestros. Ha sido galardonado con importantes premios como el Charlotte Köhler en 2002, el Premio di Roma en 2003, el Reconocimiento Thiem Art en 2004 y el premio de escultura Den Haag 'Orange Award' en 2005. Su obra forma parte del Museo Arte Contemporáneo de Los Ángeles, el Museo de Bellas Artes de Montreal, la Saatchi Collection London, la Lever House Collection, la Dakis Joannou Collection, y de múltiples colecciones privadas en los Estados Unidos, Canadá, Gran Bretaña, Grecia, España, Italia, Suiza, Bélgica y los Países Bajos.

JASON MENA (1974, Nueva York, EE.UU) es un destacado representante del arte conceptual textual surgido en la década que lo vio nacer. En aquél momento de la historia del arte Ben Vautier reflexionaba sobre la inutilidad del arte. Hoy, Jason Mena reflexiona melancólicamente sobre la certeza o la falsedad del mundo en que vivimos y el deseo de creer en un futuro. Sus textos aparecen y desaparecen en el paisaje urbano, confundiendo el espacio de ficción y el espacio de la realidad, e imprimiendo una fuerza pregnante en el espectador. Es una profunda crítica a la cultura simulada y a su transestetización, manifiesta en técnicas de multimedia, instalación, pintura y fotografía. Ha sido acreedor del premio de la Fundación Arnaldo Roche Rabell en 2002, el premio de la Asociación Internacional de Críticos de Arte en 2006 y del premio Lexus Grant for the Arts en 2002, entre otros. Su obra forma parte de la Colección de Arte Cisneros-Fontanals, la Colección Patricia Phelps de Cisneros, y de la Colección del Inter-American Development Bank Cultural Center, entre muchas otras colecciones privadas en Europa y Norteamérica.

OSWALDO RUIZ (1977, Monterrey, México) es un artista que reflexiona acerca de las diferentes áreas que preocupan al sujeto en la actualidad. Desde su relación con el sistema económico y los medios productivos hasta la de su confrontación con la soledad y la lejanía. Su movilidad la refleja en la fotografía de gran formato y en la video instalación. Explora la noche en paisajes abandonados que otrora estuvieron boyantes de actividad económica. En su obra yuxtapone opuestos que reproducen las grandes contradicciones de la sociedad y de la estética contemporáneas: lo salvaje y lo racional, la oscuridad y la luz, lo natural y lo artificial; lleva la luz a donde no la hay, iluminando lo que ha estado escondido y así; desvela una lucha entre la capacidad de regeneración de la Tierra y el avance del mundo productivo. Oswaldo ha sido distinguido por una gran cantidad de becas y reconocimientos, entre ellos el del FONCA para estudios en el extranjero, el Premio de Adquisición SIVAM en 2006 y una Mención honorífica en XIII Bienal Nacional de Fotografía del Centro de la Imagen en México.

AGGTELEK (1978, Barcelona, España) es el nombre del proyecto artístico de Gema Parales y Xandro Valles. En su obra Aggtelek establece mapas de trayectos dinámicos como una metodología para lograr una experiencia estética vivencial total en la que se vinculan multiplicidades de percepciones y acciones artísticas. Construyen y deconstruyen con diferentes técnicas que van de la escultura, el manejo escenográfico, el performance, la pintura, el graffitti, la ilustración y el texto, hasta la video danza y las artes dramáticas; en fin, su obra es un acontecimiento post romántico que produce sensaciones ambiguas. Su trabajo está en constante diálogo con el espacio en donde se encuentra, ofreciendo rostros y lecturas múltiples. Es inevitable sentirse afectado por tal recepción de imágenes. Desde el 2004, Gema y Xandro han participado infatigablemente en muchas exposiciones y bienales de reconocimiento internacional. Han recibido incontables premios, como el primer lugar en el I concurso de creación Artística de la Fundación José García Jiménez en 2006 y el primer premio en el V Certamen de pintura de Castellón en 2008. Su obra forma parte de las colecciones Fundación Norte, Colección ABC, Fundación DEPART Roma, Circa XX, Fundación Pilar Citoler, el Museo Het Domein, en Holanda, entre muchas otras colecciones públicas y privadas.

MARCOS CASTRO (1981, Ciudad de México, México) es un joven artista que reflexiona sobre un acto fundamental en el arte: la mirada. Por medios diversos explora el diálogo entre los materiales de origen natural como el grafito y la madera, que sirven como técnica para hablar de lo humano a partir de códigos subjetivos en su relación con el medio y con la multiplicidad de los puntos de vista del espectador. Integra elementos de su mitología personal y de la naturaleza como símbolos testimoniales silenciosos de la sociedad contemporánea. La obra es una exploración de las interacciones entre técnicas y formatos que incluyen el dibujo, la pintura, los recursos escenográficos, la instalación, la animación, el videoarte y la videoinstalación. Posiciona al espectador de una manera vigilante ante su voluntad de contemplación. Ha sido elegido en la selección oficial de la Bienal Tamayo 2006, en la Beca jóvenes Creadores del FONCA 2007 y en la residencia Artist in Residence at 18th. Street Art Center Los Ángeles en 2008.

ANDRÉS CARRETERO (1981, Ciudad de México, México) es una joven promesa del arte que cuestiona los límites de lo fotografiable. Su libertad para retratar, de forma repetitiva, objetos de la cultura kitsch y artefactos en desuso, es una pulsión masoquista que refleja el constante deseo del sujeto en sociedad ante la posibilidad de la experiencia. Presenta al mundo en un debate entre razón y sensibilidad, ofreciendo diferentes experiencias estéticas a quien lo recibe. Sus fotografías exploran la extrañeza del mundo como un encuentro con los objetos, como una introyección. El inminente placer estético producido de inmediato por la obra se comprende a posteriori como una reflexión ontológica sobre la muerte, el abandono y la violencia. Ha sido galardonado con el Premio de Adquisición en la XII Bienal Nacional de Fotografía 2009 del Centro de la Imagen. Su obra ha sido publicada en ediciones de la Fundación Jumex, y la Revista Celeste, entre otras. Su obra pertenece a la Colección de Arte Cisneros-Fontanals, a la colección de la Fundación CIFO, a la colección del Centro de la Imagen y a la Colección Jumex, entre muchas otras colecciones privadas.

Sabemos bien que gracias a la colaboración y la difusión que harán ustedes de esta nueva acción cultural, el público podrá conocer y disfrutar la obra de estos autores en este nuevo espacio donde encontrarán propuestas importantes par las artes visuales.