Nora Aurrekoetxea Etxebarria (Bilbao, 1989); Christian García Bello (La Coruña, 1986); Pablo Durango (Madrid, 1988); Esther Gatón (Valladolid, 1988); Abel Jaramillo (Medina de las Torres, Badajoz, 1993); Mónica Mays (Madrid, 1990); Sofía Montenegro (Madrid, 1988), y Sara Santana (Alcobendas, Madrid, 1994).
• Los artistas de Generación 2022, a través de diferentes propuestas formalizadas a modo de instalaciones, objetos escultóricos, dibujos, fotografías, tejidos, luz, sonido y piezas audiovisuales, abordan temáticas en torno a la arquitectura, el espacio, la memoria o la identidad.
• La convocatoria Generaciones de Fundación Montemadrid, que desde hace más de veinte años apoya y promociona el arte joven nacional, ha recibido en esta edición unas 400 propuestas, entre las que se han seleccionado un total de ocho proyectos que pueden verse en la exposición Generación 2022 en La Casa Encendida y que muestran el panorama del arte contemporáneo más actual.
• El jurado compuesto por Irene Aristizábal, jefa de curaduría...y programas públicos en el Baltic Centre for Contemporary Art (Londres); Juan Canela, director artístico de ZsONAMACO en Ciudad de México y comisario asociado en el MAC-Panamá; y Keyna Eleison, directora artística del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, ha seleccionado los proyectos ganadores dotados con 10.000 euros cada uno.
• Generaciones se ha convertido en un referente dentro de la comunidad artística española en la que han participado, durante sus más de veinte ediciones, más de dieciocho mil artistas. Entre muchos otros destacan Eva Fàbregas, June Crespo, Juan Zamora, Cristina Lucas, Dora García, Pedro G. Romero, Lara Almarcegui, Teresa Solar, Enric Farrés, Oriol Vilanova, Cristina Garrido, Julia Spinola, Juan López o Carlos Fernández-Pello.
Fundación Montemadrid presenta a los artistas y proyectos ganadores de la XXII edición del Certamen de Apoyo al Arte Joven Generaciones, una convocatoria cuyo principal objetivo es ofrecer una plataforma dedicada al arte actual en la que mostrar el trabajo de creadores emergentes y difundir sus propuestas artísticas entre la crítica especializada y el público general.
De entre los casi 400 proyectos presentados, el jurado de Generación 2022, compuesto por Irene Aristizábal, jefa de curaduría y programas públicos en el Baltic Centre for Contemporary Art (Londres); Juan Canela, director artístico de ZsONAMACO en Ciudad de México y comisario asociado en el MAC-Panamá; y Keyna Eleison, directora artística del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, ha seleccionado 8 proyectos dotados con 10.000 euros cada uno.
Los ocho artistas y proyectos que han resultado ganadores son: Nora Aurrekoetxea Etxebarria (Bilbao, 1989), Eroa [Loca]; Christian García Bello (La Coruña, 1986), Algunas formas inéditas; Pablo Durango (Madrid, 1988), Cyberia; Esther Gatón (Valladolid, 1988), hail she who holds my tongue [Salve a ella que sujeta mi lengua]; Abel Jaramillo (Medina de las Torres, Badajoz, 1993), Jolonque; Mónica Mays (Madrid, 1990), Cardados; Sofía Montenegro (Madrid, 1988), Ver venir; y Sara Santana (Alcobendas, Madrid, 1994), Revelación: Beato de Ámsterdam.
Como cada edición, los proyectos proponen una amplia variedad de formatos, pero todos se presentan a modo de instalación, con especial atención al tratamiento del espacio.
Reinventando lugares, recreando nuevos espacios
La relación entre el arte y el espacio ha sido tratada desde diferentes campos del saber a lo largo de la historia. Sin embargo, es en los últimos cincuenta años cuando el espacio se convierte en protagonista del campo artístico. Ya decía Michel Foucault en una conferencia en 1967 que, si la gran obsesión del siglo XIX había sido la historia, la época actual sería la del espacio. En la década de 1970, el escritor francés Georges Perec escribió el libro Especies de espacios, donde invitaba a leer de manera aleatoria, como si se tratase de un deambular por diferentes espacios inconexos, al modo de esa experiencia urbana que proponían los situacionistas en la misma década.
Según Ignacio Cabrero, comisario de Generaciones, muchos de los artistas de Generación 2022 aluden también a esa relación entre el arte y el espacio con proyectos como el que plantea nuevas estructuras arquitectónicas que cuestionan los modelos de interacción erótica dentro del espacio doméstico (Eroa, Nora Aurrekoetxea Etxebarria); o la instalación sobre luz y amor que se irá enamorando de lxs visitantes que la transiten (hail she who holds my tongue, Ester Gatón); o el proyecto que interviene el espacio con sonidos para alterar la percepción de lo que se observa e imaginar el lugar de otra manera (Ver Venir, Sofía Montenegro). Otro rescata historias de una casa habitada, pues la memoria del lugar remite a los significados compartidos en ese espacio (Jolonque, Abel Jaramillo) o recrean lugares ficticios que invitan al espectador a imaginar otras identidades (Cyberia, Pablo Durango).
Proyectos Generación 2022
Eroa [Loca]
Estructuras verticales de metal, foam, escayola, cemento, cera y resina
Instalación
2022
El proyecto de Nora Aurrekoetxea Etxebarria (Bilbao, 1989) investiga, a través de la escultura y el lenguaje, la relación del cuerpo con el espacio y la arquitectura; en este caso con los espacios domésticos, que dificultan o facilitan la relación entre los cuerpos y los deseos amorosos. La artista presenta una instalación arquitectónica, “una habitación dentro de una habitación” donde una serie de objetos escultóricos interdependientes presentan nuevas maneras de cohabitar, apoyándose en textos a modo de instrucciones que activan la pieza. Partiendo de objetos como el biombo, la cama, la silla, el banco o las escaleras, la artista realiza una experimentación formal de encuentros y estructuras comunales que albergan la ausencia de cuerpos superpuestos, utilizando materiales habituales en su práctica artística.
Algunas formas inéditas
6 serigrafías con tintas de minio de plomo y corteza de pino y roble sobre papel de algodón teñido y cuatro esculturas con cera de abeja y cordón de algodón, grafito, aceite y cera sobre madera de pino, espermaceti de cachalote sobre cuerda, cordón de algodón cocido y teñido, resina de colofonia, cuero, caucho y hueso.
Instalación
2022
En junio de 1965, Luis Seoane le escribía una carta a su socio Isaac Díaz Pardo desde el exilio en Buenos Aires en la que le explicaba que “existen formas gallegas inéditas que están en el paisaje” y que “ahí están para quien sepa recogerlas”. Unas formas que se pueden percibir en el relieve, en las herramientas de los oficios o en la arquitectura vernácula y que encarnan la memoria háptica de un territorio. Este proyecto busca intelectualizar, geometrizar y traer al presente esas formas inéditas de Galicia que señalaba Seoane, resignificadas ahora como vestigios desde los que construir un lenguaje, un glosario.
El artista Christian García Bello (La Coruña, 1986) presenta una serie de piezas elaboradas con materiales vinculados al territorio gallego como papel de algodón, corteza de pino y roble, cera de abeja, resina de colofonia, espermaceti de ballena, grafito y minio de plomo, tratando de destilar lo sofisticado de lo austero, analizando como percibimos y habitamos el territorio, y sintetizando el lenguaje escultórico que revisa las formas vernáculas.
Cyberia
Vídeo (3’), y piezas escultóricas (bandera, tótem, urna y brazo biónico)
Instalación
2022
El proyecto de Pablo Durango (Madrid, 1988), Cyberia, parte del fracaso de intentar construir un relato. Es la búsqueda de un juego con les espectadores, un detonante de otra forma de entender la historia oficial y su relación con la identidad sexo-género, a través de un vídeo donde se intercalan imágenes de un falso yacimiento. El hilo conductor es una voz en off que desarrolla las interpretaciones realizadas sobre los objetos encontrados en el lugar de los hechos. La obra se compone de una serie de piezas escultóricas que escenifican esta ficción histórica sobre un Estado ciborg y queer de algún momento histórico no específico, dando al espectador la posibilidad de imaginar otras identidades en la construcción histórica occidental: una bandera que representa los colores oficiales de Cyberia, un tótem como construcción dedicada a deidades antiguas, una urna reliquia con los restos incorruptos de un ser, de apariencia no humana, y un brazo biónico, una suerte de brazo protésico híbrido entre tecnológico y orgánico.
hail she who holds my tongue*
Bioplásticos hechos a partir de cáscara de huevo y gelatinas, sensores de movimiento y luces de falso amanecer
Instalación
2022
(El proceso de trabajo ha sido realizado en colaboración con lxs técnicxs Claudia Palcova, Pedro Gatón y Materiability, que han contribuido a ejecutar estas piezas con el menor impacto ambiental posible, haciendo uso de materiales biodegradables y tecnología sencilla)
Cada radiación luminosa, solar o artificial, tiene un efecto directo sobre la realidad que ilumina, organizando nuestras percepciones, repugnancias y deseos. Con este proyecto, Esther Gatón (Valladolid, 1988) examina las relaciones entre luminosidad y exaltación amorosa, fabricando una instalación que se irá enamorando de lxs visitantes que la transiten. El espacio y las esculturas invocan las sensaciones de un cuerpo enamoradizo —absorto, trastornado y crédulo. A partir de una definición amplia y quebrada, no-binaria del amor, este proyecto confía en su potencial subversivo.
El resultado son piezas escultóricas que utilizan formas y materiales supeditados a las propiedades de la luz: superficies reflectantes, translúcidas y fotosensibles forman una instalación-bosque, cuyos cambios de luces responden a la presencia y movimientos de lxs visitantes, construyendo una memoria artificial que crece, se transforma y adquiere patrones de comportamiento autónomos, imprevisibles y distintos a los nuestros.
* El título de este proyecto es una frase extraída del libro States of The Body Produced by Love de Nisha Ramayya (Ignota, 2019), y puede traducirse por “salve a ella que sujeta mi lengua”.
Jolonque
Video full HD [36 min.] e impresiones digitales sobre papel Hahnemühle, cartel, impresión sobre papel y esculturas de madera, cáscara de almendra, cáscara seca de higo, flor de la viuda seca, algodón estampado con flores naturales, impresión sobre tela y escayola con zumo de higo chumbo.
Instalación
2022
El proyecto se plantea como un documental experimental a partir de los rastros de Celestino Coronado (Puebla de Sancho Pérez, Badajoz, 1944 - Londres, 2014), cineasta experimental y director de teatro, que mantuvo estrechas conexiones con la música, la literatura y el teatro en sus películas, la mayoría hoy, perdidas u olvidadas. Jolonque es una finca situada en el Valle de Lecrín, Granada, construida por el compositor chileno Carlos Miranda (Chile, 1945 - El Valle, Granada, 2016), amigo y habitual colaborador de Coronado.
La metodología de trabajo del artista Abel Jaramillo (Medina de las Torres, Badajoz, 1993) ha consistido en volver a realizar una estancia en esta finca para la grabación de la pieza en formato documental, con el fin de conservar el archivo de obras y fotografías, intercalándolas con nuevas grabaciones a partir de algunos de los guiones que nunca llegó a filmar Celestino Coronado. El resultado formal se presenta a modo de instalación, dividida en dos zonas separadas por un muro que sirve como pantalla para la proyección de la pieza documental, y al mismo tiempo delimita el espacio donde se muestran, a modo de gabinete de curiosidades, materiales gráficos como carteles, fotografías y pequeñas piezas escultóricas. Caminando a tientas por la historia, Jolonque propone un lugar donde confluyen historias que se escriben en minúscula.
Cardados
Bordados sobre seda
Instalación
2022
Partiendo de la reflexión de la poeta canadiense Lisa Robertson sobre la creación y “sus frívolas posibilidades” como algo diferente, neobarroco, irregular, deformado y, sobre todo, político, Mónica Mays (Madrid, 1990) revisita las ornamentaciones vegetales y animales presentes en ciertos tejidos, “trazando sus mutaciones y circulaciones por diversos contextos, concretamente desde el siglo XV hasta la actualidad, y recontextualizándolos a través del neobarroco y de los nuevos materialismos”.
El resultado, que presenta en Generación 2022, consiste en una serie de tejidos realizados junto a un colectivo de mujeres bordadoras en Sevilla que plantean paisajes anamórficos en los que prolifera el exceso y la imagen deformada propia del barroco. La artista parte del famoso mantón de Manila como referencia para mostrar el viaje, a través del espacio y del tiempo, por el que aquellas flores y pájaros, que hacían referencia a principios taoístas, se han ido transformando, hasta adquirir sus formas actuales, mucho más ibéricas. “En Cardados seguiré la circulación de mantones y velos en seda, telas que desde hace milenios han sido símbolos femeninos, de imposición religiosa, de colonización, de rebeldía política, de folclore y de clase social.”
Ver Venir
Materiales diversos y sonido
Instalación
2022
Ver Venir es una instalación de sonido inmersiva, creada con la intención de transformar la percepción de lo que se observa durante la escucha, generando condiciones auditivas que intervienen en la mirada y la imaginación del espectador, con el fin de que operen de otra manera.
El sonido compuesto para la instalación ha sido creado a partir de ejercicios de composición sonora. Estos surgen del interés de la artista por diversas estrategias de sonorización cinematográfica usadas cuando los sonidos no se pueden capturar al grabar una escena. La intención de Sofía Montenegro (Madrid, 1988) ha sido de trasladar nociones y procesos que ha realizado en los últimos años a través de recorridos sonoros y propuestas escénicas como parte de su práctica artística. A través de este proyecto, la artista quiere profundizar en cuestiones en torno a la capacidad humana para imaginar el entorno de otra manera y el poder de la escucha para alterar la percepción visual.
Revelación: Beato de Ámsterdam
Manuscrito, pieza sonora y códex
Instalación
2022
La artista Sara Santana (Alcobendas, Madrid, 1994) crea un espacio “sagrado” donde expone su proyecto Revelación: Beato de Ámsterdam, una acción transformadora y política a través de la traducción colectiva. El proyecto presenta tres piezas: un manuscrito, un códex realizado por la artista y el sonido de lecturas generadas mediante una acción colectiva.
El manuscrito es una pieza en proceso que la artista comenzó en 2020 arrancando y dejando sueltas las hojas de una novela. La pieza sonora está compuesta por las distintas voces de las traductoras leyendo y comentando el texto; grabaciones que son fruto de encuentros personales y pequeños talleres. Estas han sido a su vez transcritas en la copia impresa de la novela, cuyos márgenes son manuscritos poco a poco a medida que avanza la labor traductora. Por último, una ilustración que reinterpreta el capítulo 12 del “Apocalipsis” según las iluminaciones del Beato de Facundo, aludiendo de manera simbólica al proyecto y a la idea de oralidad, queda recogida en una pequeña publicación plegada, un códex elaborado entre la lentitud de lo medieval y el pirateo del fanzine.
Biografías artistas
Nora Aurrekoetxea Etxebarria
Bilbao, 1989
Vive y trabaja en los Países Bajos
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en 2013, comienza su práctica artística en conjunto con la artista Laura Ruiz Sáenz, con la que colabora durante cinco años (2013-2017), respondiendo formalmente a un momento histórico como necesidad identitaria y biográfica relacionada con el contexto político vasco. Juntas, reciben la Beca de la Diputación Foral de Bizkaia (2015), son residentes en Fundación BilbaoArte (2015) y Residencia Y (Atenas, 2016) y exponen individualmente en BilbaoArte (2016) y la Sala Rekalde (Bilbao, 2017). Durante este periodo, Nora también funda y dirige OKELA (Bilbao, 2014-2017) junto con Irati Urrestarazu e Izaro Ieregi.
En 2017 recibe la Beca de la Fundación Botín con la que se traslada a Londres para cursar un máster en Escultura en el Royal College of Art (2017-2019). Durante este período, retoma su interés por la psicología y la sexología (cursa estudios de posgrado en Sexología en In.ci.sex [Instituto Científico Sexológico, Madrid] entre 2013 y 2015), que orientan las bases de su práctica actual a la exploración de nuevos lenguajes formales, como el texto y la performance, combinados con la escultura y la instalación.
Entre 2018 y 2019 es artista residente en la Cité internationale des arts (París) y Solomon R. Guggenheim (Nueva York); expone en Itinerarios XXV (Centro Botín, Santander) y recibe la Beca de Producción de Arte del Gobierno Vasco 2018 y 2019. En 2020 es galardonada con el premio ARCO de la Comunidad de Madrid y en 2021 es artista residente en DerdeWal_NL y recibe el premio Groeispurt Fonds_NL, el segundo premio de la muestra itinerante Ertibil, la ayuda a la movilidad de artistas vascas Etxepare y la ayuda a la producción artística del Gobierno Vasco.
Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre las destacan las celebradas en el CA2M (2020), el Centro Botín (2020), Omstand (Arnhem, Países Bajos, 2021), Rodríguez Gallery (Poznan, Polonia, 2021) y Tabakalera (San Sebastián, 2022). Entre sus exposiciones individuales destacan I bought flowers for myself (Galería Juan Silió, Madrid, 2020) y Hard as horse hair, soft as feathers (Intersticio, Londres, 2020). Próximamente será artista residente en el Youkobo Art Space de Tokio (Japón).
Pablo Durango
Madrid, 1988
Vive y trabaja en Madrid
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 2014 y máster en Creación Audiovisual Contemporánea en la Escuela Lens, Pablo compagina su labor artística con su trabajo como drag bajo el pseudónimo de Onyx.
En 2020 se beneficia de una estancia en el Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid y de una Ayuda a la Producción del Ayuntamiento de Madrid y participa en la exposición Del todo imposible (Sala de Arte Joven, Madrid). En 2019 recibe una Ayuda a la Producción de la Comunidad de Madrid, participa en las muestras Going Home (Espai Tactel, Valencia) y 0g Eye’s Playground (LABoral, Gijón) e imparte un taller en La Casa Encendida sobre estética drag y videojuegos. En 2018 es seleccionado para exponer en Circuitos de Artes Plásticas 2018 y participa en una exposición en Sant Andreu Contemporani (Barcelona).
Ha desarrollado diversos proyectos en forma de videoperformance en La Juan Gallery (Madrid) y Vaciador34 (Madrid) y ha sido responsable de la coordinación del colectivo Sección Invertida, organizando fanzines y performances en espacios como CentroCentro (Madrid), World Virtual Reality Forum (Crans Montana, Suiza), Acción!MAD 2012, 2013 y 2014 (Matadero, Madrid) y ciclos de conferencias en el CA2M. En 2016 fue seleccionado para el programa Artistas en Residencia, organizado por La Casa Encendida y el CA2M.
Durango compagina su actividad artística con su labor como educador. Ha participado en proyectos educativos como Digimagick.app (Intermediae, 2016); en las jornadas Espositivo-LANDA//Dispersión artística: explorar un método (2017); en el C Arte C, invitado por la plataforma Intransit en calidad de performer; en el taller “Pulsa intro a ver qué pasa”, de la mano de Espositivo; y en la feria de arte contemporáneo Art Madrid, como tallerista.
Christian García Bello
La Coruña, 1986
Vive y trabaja entre La Coruña y Barcelona
Artista, licenciado en Bellas Artes y máster en Arte Contemporáneo por la Universidad de Vigo, Christian García Bello ha realizado exposiciones individuales en galerías como Formato Cómodo (Madrid), instituciones como la Fundación DIDAC (Santiago de Compostela) o centros de arte como el CGAC (Santiago de Compostela) y ha participado en proyectos expositivos en espacios nacionales e internacionales como CaixaForum, Museo Patio Herreriano, Es Baluard, Conde Duque, Museo Lázaro Galdiano, MARCO, Centro Torrente Ballester o Maus Hábitos de la mano de comisarios como Javier Hontoria, Ángel Calvo Ulloa, David Barro, Alfredo Aracil, Alberto Ruiz de Samaniego, Alicia Ventura o Alberto Carton.
Ha participado en ferias internacionales como ARCO y ARTBO y su trabajo ha sido publicado y reseñado en Artforum, FlashArt, El Cultural y DARDO magazine por Elena Vozmediano, Mónica Maneiro o Bea Espejo. Ha impartido conferencias en ciclos organizados por la Universidad del País Vasco o la Universidad de A Coruña y su obra forma parte de colecciones como la Colección DKV, la Colección OTR o la Colección CGAC.
García Bello ha sido seleccionado y premiado en certámenes como el Premio Cervezas Alhambra, el Premio Mardel y el Auditorio de Galicia y ha sido becado por instituciones como el MAC, Fundación Naturgy, el Ministerio de Cultura y Deporte o Injuve para desarrollar proyectos y residencias en Bélgica, Países Bajos y Rusia.
Esther Gatón
Valladolid, 1988
Vive y trabaja entre Londres y Madrid
Artista plástica y doctora por la Universidad Complutense de Madrid, Esther Gatón se forma en la UCM, ESA Saint Luc (Lieja, Bélgica), la Universidad de Barcelona y Goldsmiths, University of London, y ha sido colaboradora honorífica en la UCM y profesora en el programa LANDA de Espositivo Madrid.
Ha expuesto en instituciones como Matadero, La Casa Encendida, Centro de Arte Dos de Mayo y Sala Amadís (Madrid), Museo Patio Herreriano (Valladolid), CAPC (Burdeos), Museo de la Universidad de Navarra (Pamplona), Fabra i Coats y Art Nou (Barcelona), Etopía (Zaragoza), Biblioteca Río Grande (Brasil) y CENTEX (Valparaíso, Chile), así como en espacios independientes o galerías como korai (Chipre), SB34 (Bruselas), Intersticio (Londres), the wrong biennale, Verao (Lisboa), The Watch (Berlín), Luis Adelantado (Valencia), The Ryder, Galería Elba Benítez y Galería Irène Laub (Madrid), Galería Nordés (Santiago de Compostela) y Cibrián (San Sebastián).
Gatón ha publicado textos en El Estado Mental, Materiales Concretos, Nero, Editorial Concreta, A*Desk y Urbanomic. Su trabajo ha sido premiado en Circuitos de las Artes Plásticas, Injuve, Ayudas a la Creación de la Comunidad de Madrid, Art Council de Londres, Premio Veepee 2021 y Generaciones 2022. Le representa la galería Cibrián.
Abel Jaramillo
Medina de las Torres, Badajoz, 1993
Vive y trabaja en Badajoz
Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Macha y la Universidade de Lisboa y máster en Arte Contemporáneo, Tecnológico y Performativo por la Universidad del País Vasco, el trabajo de Abel Jaramillo se basa en su interés por las grietas de la historia, la relación entre relatos, territorios, márgenes y periferias y las tensiones políticas que se proyectan en lo cotidiano. Así, su práctica se centra en las fricciones y disensos que se producen al poner en diálogo sucesos, acciones e imágenes que revelan relaciones históricas, conflictos presentes y especulaciones futuras.
Ha expuesto individualmente en Centro Federico García Lorca (Granada, 2020), Galería Fran Reus (Palma de Mallorca, 2019), Estrany-de la Mota (Barcelona, 2018), Hypercorps (Bruselas, 2018) y Aldama Fabre (Bilbao, 2017). Entre otros, ha mostrado su trabajo de manera colectiva en centros de arte y galerías como La Capella, Fabra i Coats y Can Felipa, (Barcelona), Sala Amadís y CentroCentro (Madrid), Centro Cultural Montehermoso (Vitoria-Gasteiz), Francesco Pantaleone Gallery (Palermo), Centre d’Art Lo Pati (Amposta, Tarragona) y MAC (La Coruña). Ha realizado residencias en Las Cigarreras (Alicante, 2020), La Térmica (Málaga, 2020), Hangar (Lisboa, 2018), Ruber Contemporanea (Palermo, 2018) y Fundación BilbaoArte (Bilbao, 2016) y ha sido beneficiario de premios y becas como el Premio Fundación Banco Sabadell AES20 (Sabadell, 2020), Ayudas Injuve (2020 y 2017), Cultura Resident (Alicante, 2020), Creadores 2020 (Málaga, 2020), FACBA (Granada, 2019) y Beca de formación Open Studio-Comunidad de Madrid (2018).
Mónica Mays
Madrid, 1990
Vive y trabaja entre Madrid y Ámsterdam
La práctica de Mónica Mays se desarrolla entre la escultura, la instalación y la performance. A través de estos medios traza las circulaciones, agencias y economías de diversos objetos, recordándolos como procesos identitarios porosos y generativos. Sus trabajos más recientes se centran en canibalismos naturaleza-cultura, paisajes anamórficos, mitologías prepatriarcales y el neobarroco.
Mays estudió Antropología Cultural en la Universidad de Nueva Orleans, se graduó por la École superieure des arts décoratifs de Estrasburgo en 2015 y recibió un máster en Arte por el Sandberg Instituut de Ámsterdam en 2017. Ha desarrollado proyectos en residencias artísticas como Rupert (Lituania), Matadero (Madrid), Fundación Bilbao Arte y Landescape (Italia). Ha expuesto su trabajo en espacios como Frascati Theater y Open Tuinen Dag (Países Bajos), CentroCentro (Madrid), Industra Gallery (República Checa) y Atelier Chiffonier (Francia). En 2021 fue galardonada con el premio 3Package Deal del Amsterdam Foonds voor de Kunst.
Sofía Montenegro
Madrid, 1988
Vive y trabaja en Barcelona
La práctica artística de Sofía Montenegro se desarrolla entre el sonido, la imagen, el texto y las escénicas.
Estudia Bellas Artes y Estudios Culturales entre Utrecht y Madrid y un máster en Art Praxis en el Dutch Art Institute y ha sido residente de Artistas en Residencia 2020 (programa conjunto de La Casa Encendida, el MACBA y el CA2M). Ha colaborado en proyectos y residencias en MNCARS (Madrid), Hangar (Barcelona), Hablar en Arte (Madrid), Addaya Centre d’Art Contemporani (Alaró, Mallorca), Lugar a Dudas (Cali, Colombia), Tbilisi Triennial (Georgia), Kunstverein Munich y el Teatro Pradillo (Madrid). Entre otros espacios, ha expuesto su trabajo en El Chico, Bosque R.E.A.L. y Sala de Arte Joven (Madrid), La Escocesa (Barcelona), Ekkisens Art Space (Reikiavik), Laboral Centro de Arte (Gijón), W139 y Ron Mandos Galerie (Ámsterdam), What Remains Gallery (Múnich) y Kunstpodium T (Tilburg, Países Bajos).
Montenegro ha sido galardonada en Generación 2022 y Circuitos de Artes Plásticas y ha recibido los premios Jan Zumbrink Prijs y Piet Bakker Prijs en los Países Bajos. También ha recibido ayudas a la creación de la Comunidad de Madrid, la Generalitat de Catalunya e Injuve.
Sara Santana
Alcobendas, Madrid, 1994
Vive y trabaja en Ámsterdam
Sara Santana es graduada en Bellas Artes por la Universidad Complutense y máster en Artes Aplicadas y Diseño por el Sandberg Instituut de Ámsterdam. En su trabajo explora la idea de la biblioteca común como un espacio flexible y participativo donde ocupar de manera ambivalente posiciones de autora, mediadora y público. Para ello utiliza la conversación y la pequeña escala como ejes del proceso, estableciendo un momento de negociación directa que bascula entre lo íntimo y lo colectivo.
Ha formado parte de distintas iniciativas colaborativas en instituciones de Madrid, Atenas y Holanda, como el Archivo Transfeminista/Kuir de La Neomudéjar (España), el grupo de investigación School of Redistribution de State of Concept (Grecia) o la Activist Kitchen de BAK Utrecht (Países Pajos). De manera independiente, ha formado parte del dúo relacional Common Belongings, junto a Sun-Chang, del boletín de barrio To M·Others y del colectivo de autoedición Jugosa. También ha participado en festivales como Libros Mutantes 2020 y Printing Plant Book Fair 2020 (en ambos casos con el colectivo editorial Lost Dad Publishing) y en Organ Vida, Balkanic Photo Festival, el Festivalito de Villaverde y el Passaggi Festival de Fano con la residencia Refest durante 2018. Asimismo, ha participado en eventos y exposiciones colectivas en espacios como Anotati Scholi Kalon Technon y Circuits and Currents (Atenas), KANAL-Centre Pompidou (Bruselas) e ISOAmsterdam, Vondelbunker, Het Hem y BAK (Países Bajos).
Entrada actualizada el el 04 jul de 2022
¿Te gustaría añadir o modificar algo de este perfil?
