Dónde:
Espai d'Art Contemporani de Castello (EACC) / Prim, s/n / Castellón, España
Cuándo:
31 oct de 2019 - 16 feb de 2020
Inauguración:
31 oct de 2019
Artistas participantes:
Alejandro Cesarco ,
Berta Álvarez Cáccamo ,
Carla Filipe ,
Carlos Maciá ,
Claudia Fernández ,
Jordi Mitjà ,
Julio Jara ,
Kasper Akhøj ,
Marguerite Duras ,
Rubén Grilo ,
Rui Chafes ,
Xoan Torres Cidre
Descripción de la Exposición
«Plantear una exposición como esta responde a la necesidad de recapitular e ir fijando de algún modo una lista de intereses que se han ido repitiendo, quizás de un modo no consciente, pero repitiéndose al fin y al cabo»
Ángel Calvo Ulloa
«Ahora partimos de nuevo de la sensación de que algo ha abandonado el lugar instantes antes de nuestra llegada, dejando como testigo de ello huellas casi imperceptibles, un calor que todavía se siente y la alteración de las formas que un cuerpo puede practicar sobre cualquier elemento sobre el que ejerzan presión»
Ángel Calvo Ulloa
El Espai d´Art Contemporani de Castelló acoge la exposición Insistir en lo mismo. Volver sobre una presencia sugerida, un proyecto colectivo que incluye obras de 13 artistas nacionales e internacionales concebido expresamente para el EACC por el comisario Ángel Calvo Ulloa. Con esta exposición el comisario retoma una serie de proyectos previos, entre ellos, el más reciente,
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una muestra planteada en 2018 como un ensayo visual dentro del programa iN SPiTE OF, en la ciudad de Oporto. En la exposición del EACC, Ángel Calvo pretende abordar su viejo interés por la cuestión de la impermanencia, por los rastros de una presencia que parece haberse evaporado, pero que sin embargo late de algún modo en la serie de piezas que ocuparán el EACC.
De algún modo la impermanencia nos permite abordar la sensación de que algo ha abandonado el lugar instantes antes de nuestra llegada, dejando como testigo de ello huellas casi imperceptibles, un calor que todavía se siente y la alteración de las formas que unas manos pueden practicar sobre cualquier elemento en el que ejerzan presión. De lo que habla esta exposición y, de ahí su título Insistir en lo mismo. Volver sobre una presencia sugerida es quizás del empeño por seguir dejando constancia de nuestro paso por el mundo, aun cuando los medios de producción modernos han intentado relegar al ostracismo las particularidades, procurando una uniformización que limite cualquier gesto afectivo sobre lo manufacturado. De lo que se trata es de enriquecer el mundo mediante la
diferencia, y así actúa esta muestra, como una atmósfera a medio camino entre lo que las manos hacen y lo que las manos reciben.
Los trabajos de estos 13 artistas abordan estas cuestiones. Unos lo hacen directamente a partir de la relación de la obra y sus procesos con las manos que las ejecutan y a las cuales buscan adaptarse. Otros a través de cuestiones afectivas o del deseo de dejar constancia del paso de los otros por ese lugar. De este modo con Insistir en lo mismo. Volver sobre una presencia sugerida se pretende retomar el deseo de entrar en una exposición que nos devuelva ese calor de las manos como fuerza de trabajo, pero también como extremidades que abrazan y acarician al otro en tiempos en que el frío parece habernos invadido.
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CARLA FILIPE
Performance The Works Comes Through by Rhytmic Theory a cargo de Carla Filipe el 31 de octubre a las 20.30h
Dentro de las actividades planteadas por Ángel Calvo Ulloa para este proyecto expositivo y, coincidiendo con la inauguración, el jueves 31 de octubre a las 20.30 h tendrá lugar la performance The Works Comes Through by Rhytmic Theory a cargo de la artista Carla Filipe en colaboración con los músicos Andrea Giménez, JJ Doc y José Luis Miralles. Esta acción artística fue desarrollada durante la residencia que Carla Filipe realizó en 2015 en la Rauschenberg Residency en Captiva Island (Florida) y adaptada en 2019 para su presentación en el EACC, The Works Comes Through by Rhytmic Theory se vincula con una serie de trabajos que la artista ha realizado en los últimos años en torno al proceso de gentrificación de la ciudad de Oporto. Esta instalación, construida a partir de grandes serigrafías sobre tela que registran las texturas del suelo de las calles de esta ciudad, se acompaña de una serie de textos-poesía-pauta escritos mediante la repetición de sílabas o vocales. A partir de la equiparación de estos signos con sonidos, se origina una performance que implica a una serie de músicos encargados de producir en directo esas correspondencias sonoras. De ese modo la transferencia de los signos lingüísticos al campo de la abstracción convierte el mensaje en una nebulosa sonora que lo diluye, estableciendo una estrecha relación con el proceso de cambio que vive la ciudad actualmente.
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ALEJANDRO CESARCO
Studies for a series on Love (Wendy´s Hands)
Alejandro Cesarco (Montevideo, 1975) Studies for a series on Love (Wendy´s Hands) son un par de fotografías, una en cada una de las palmas de las manos de Wendy, su pareja, y de un tamaño no mucho real que las reales. Ubicadas en dos de los extremos de la sala, del mismo modo que Cesarco las ha ido situando en las diferentes exposiciones de las que han ido formando parte, se plantea la posibilidad de abrazar el espacio y su contenido.
RUI CHAFES
Rui Chafes (Lisboa, 1966) comenzó en 2004 a tallar una serie de pequeñas esculturas para guardar en la mano. Se trata de una serie que no ha dejado de aumentar, de gestos contenidos en un pedazo de bronce inicialmente a disposición del espectador.
Extraídas inicialmente de su interés por la película Pickpocket de Robert Bresson, estas esculturas suponen una rareza en la carrera de Chafes, por un lado, por la manera de proceder a la hora de labrarlas, puesto que nacen de un taco de yeso tallado a navaja que se ajusta finalmente a martillo y yunque. Por otro, fieles a ese deseo de Chafes por seguir los pasos de la desmaterialización de la escultura, esta serie no cerrada da entidad a gestos inmateriales, llenando ese espacio dejado por el vacío de la mano.
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CLAUDIA FERNÁNDEZ
Claudia Fernández (Ciudad de México, 1965) reúne desde la década de los 90, inmensas colecciones de objetos propios de la artesanía mexicana. Fue a partir de una exposición realizada en 2017 en el Museo Tamayo (Ciudad de México) cuando esas compilaciones comenzaron a cobrar forma de instalación, cuando el interés por reunir trabajos que en un futuro no muy lejano quizás ya nadie sepa hacer se convirtió en su propia obra como artista.
FERNANDA GOMES
Fernanda Gomes (Rio de Janeiro, 1960) configura su trabajo de un modo específico y a partir de los espacios para los que este va ser creado. Este tipo de trabajos se vinculan posteriormente con su interés por la democratización de la obra, con la posibilidad de que cualquiera pueda, con elementos extraídos del día a día, generar una instalación temporal.
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XOAN TORRES
Xoan Torres, Sin título, 1989. Instalación ©David Silva
Xoan Torres (Ourense, 1964) en 1989 comenzó a modelar decenas de herramientas en pasta de gres. Estos utensilios hablan de la provisionalidad y de una forma de vida condenada a la desaparición. Las huellas marcadas en las empuñaduras, así como el hecho de inutilizarlas mediante su modelado en un material frágil, hacen evidente la actual musealización de nuestro pasado más reciente.
BERTA CÁCCAMO
En la pintura de Berta Cáccamo (Vigo, 1963 – Coruxo, 2018) el rastro de la mano ha reivindicado, a lo largo de sus más de treinta años de carrera, una presencia constante. Esta presencia, remarcada mediante un gesto que se manifiesta pausado y ampliamente reflexivo, sigue afectando profundamente al modo en que lo percibimos como espectadores. Lejos de presentarse fluido, inmediato y fruto de un ademán decidido por entrenado, el de Cáccamo se antoja lastrado por la duda, o quizás por el respeto hacia el medio en que desenvolvió su trabajo.
CARLOS MACIÁ
La profunda devoción que Carlos Maciá (Lugo, 1977) siente por la pintura se traduce en la admiración y en el reconocimiento de una deuda hacia una serie de artistas a quienes ha reconocido como maestros, referentes ante cuya pintura ha ido aprendiendo acerca del medio. En esa lista se encuentra Berta Cáccamo, pintora a la que además de esa fascinación por su trabajo lo unía una buena amistad. En base al interés de ambos por el gesto y el afecto, Maciá ha tomado como punto de partida la selección de trabajos de Cáccamo para realizar una gran intervención específica en la sala del EACC.
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JORDI MITJÀ
El trabajo de Jordi Mitjà (Figueres, 1970) se adscribe a diferentes disciplinas, pero quizás la
que ha cultivado de manera más decidida es la escultura, que guarda relación directa con
el contacto que ha tenido desde niño con el negocio paterno, un taller de cerrajería donde
Mitjà comenzó a recoger hierros sobrantes o los croquis desechados por su padre, y donde
sigue haciéndolo hoy en día. El trabajo de Mitjà guarda un profundo nexo con ese hecho, el
de haber vinculado de un modo permeable la labor industrial familiar con la instalación de
su taller en el mismo espacio. Allí se han ido acumulando en los últimos diez años una serie
de materiales y piezas desechadas que, por uno u otro motivo, se han ido salvando del
descarte definitivo. Medusa es una instalación específica para la sala del EACC que toma
esos materiales y la improvisación como punto de partida para darles una última
oportunidad y hablar al mismo tiempo de esa trastienda que rodea la labor del taller.
KASPER AKHøJ
Kasper Akhøj presenta 18 fotografías de su serie Welcome (To The Teknival) que consiste
en un proyecto documental de la villa E-1027 de Eileen Gray, una villa con vistas al
Mediterráneo, situada en una colina del municipio francés de Roquebrune-Cap-Martin. Las
fotografías fueron tomadas por Kasper Akhøj entre la primavera de 2009 y el verano de
2017 durante el curso de la restauración de E-1027. Están inspiradas en una serie de
fotografías de Eileen Gray, publicadas por primera vez por Jean Badovici en un número
especial de la revista L’Architecture Vivante de 1929, el año en que su villa en la Costa
Azul, se irguió completamente acabada.
A través de su investigación in situ Kasper Akhøj documentó la restauración y recuperación
de esta temprana villa modernista, una de las pocas realizadas por una arquitecta en
aquella época. Las fotografías se tomaron a lo largo de seis visitas a E-1027 (en 2009,
2010, 2015 y 2017) y cada imagen está sacada desde un ángulo diferente, mostrando la
naturaleza intercambiable de la villa que resuena a través de esta documentación. Los
registros de los sucesivos ocupantes se confrontan los unos con los otros, creando un
diálogo histórico fascinante de narración contemporánea.
7
RUBÉN GRILO
Imperceptibles pero repartidas por toda a exposición, las huellas dactilares de un individuo inexistente cubren paredes, vidrios y diferentes objetos. Su presencia plantea un conflicto entre la constancia física de una información aparentemente definitoria, pero que sin embargo revela la certeza de su nulo valor como fuente de datos. Rubén Grilo (Lugo, 1981) realizó por medio de un programa informático estas huellas pertenecientes a nadie, pero fieles a los patrones de identificación humana. El modo en que la técnica puede suplantar gestos e identidades entra aquí en conflicto al invadir un espacio mediante el rastro de una presencia espectral que al mismo tiempo resulta real e inquietante.
MARGUERITE DURAS
En Les mains négatives, una película de Marguerite Duras (Saigón, 1914 – París, 1996) realizada en 1979, se plantea un paseo al alba por París. La ciudad se despierta y las personas encargadas de su limpieza y su aprovisionamiento terminan el trabajo minutos antes del comienzo de otra nueva jornada. La cámara se sitúa en el interior de un vehículo que recorre las calles y observa la acción como mera espectadora. Durante el trayecto, la voz en off de Marguerite Duras lee su relato. Este, inspirado en las pinturas rupestres encontradas en una gruta magdaleniense asomada al Atlántico, se corresponde en las imágenes mostradas con la idea de ausencia, de deber tanto a quienes abastecen la ciudad como a quienes han sido los autores de esas primeras manifestaciones artísticas.
JULIO JARA
Performance: Propongo errar a cargo de Julio Jara el 16 de febrero de 2020 a las 13.00h
Julio Jara (Toledo, 1971) opera en el margen que se adscribirse a un servicio prestado a las presencias que se diluyen en vida. Su decisión de abandonar una carrera de artista al uso, ligado comercialmente a una galería y a una escena, con el fin de dedicarse por entero a lo social, ha definido sus siguientes pasos como artista. Jara, vinculado a una residencia para personas sin hogar, donde vive y es encargado, se ocupa de introducir el arte en su nuevo entorno cotidiano y de posibilitar el nexo dentro/fuera por medio de diferentes proyectos de acercamiento entre realidades no tan alejadas. A Julio Jara se le ha encargado cerrar la exposición, relacionarse con ella por medio de un gesto todavía indefinido, pero desde su vínculo con una realidad afectiva a la que involuntariamente damos la espalda.
Insistir en lo mismo. Volver sobre una presencia sugerida.
31 de octubre
Inauguración a las 20.00h
Performance: The Works Comes Through by Rhytmic Theory a cargo de Carla Filipe a las 20.30h
16 de febrero 2020
Performance: Propongo errar a cargo de Julio Jara a las 13.00h
Imágenes de la Exposición
Alejandro Cesarco, Studies for a series on Love (Wendy's Hands) — Cortesía del Espai d'Art Contemporani de Castelló
