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Esta combinación de palabras da una impresión modesta de la exposición de arte 'Interior Exterior - Exterior Interior / Inside Out - Outside In' en el Centro de Interpretación de la Cueva de Algarinejo. Son indicaciones que ayudan a desvelar el contenido y la atmósfera de la exposición y las obras de arte de los artistas. El glosario está lejos de ser completo, pero no es necesario. Un recorrido por este Museo de la Cueva debería ser un viaje de descubrimiento a través de un paisaje de arte sorprendente.

Galerie Katuin está invitada por el Museo de la Cueva durante tres meses. La impulsiva propuesta del propietario de la galería, Jan Katuin, para mostrar obras de arte de sus artistas en el nuevo Centro de Interpretación de la Cueva, ha culminado en una exposición colectiva fascinante sobre el tema 'Historia y Cultura de Algarinejo/Andalucía'.

El sur de España es un área que habla de la imaginación de muchos y, a menudo, evoca asociaciones con la alegría de vivir, saber disfrutar y la tolerancia. Es por esto que es una zona de vacaciones muy popular. También Andalucía tiene una historia muy interesante. Esta parte del territorio español ha estado a lo largo de los siglos bajo la influencia de muy diversas civilizaciones y culturas como los romanos, los moros y los cristianos quienes dejaron sus huellas económicas, culturales y religiosas. Todo esto ha dado lugar a una rica cultura que se refleja en las artes visuales, la música, la literatura, las tradiciones y las fiestas, el flamenco, las corridas de toros y en la vida diaria.

Artistas participantes

Los once artistas participantes han transformado su visión de la historia andaluza y la cultura desde diversas perspectivas en unas obras de arte apasionantes. Debido a que representan diferentes disciplinas, la exposición ofrece varias formas de arte, tales como pinturas, esculturas, un video e instalaciones. Por otro lado, una serie de obras se relacionan de una manera especial con determinados espacios en el Museo de la Cueva.

Siete artistas son de los Países Bajos, uno de Barcelona/España y tres de Andalucía/España. Heli García y Úrsula Tutosaus nacieron y se criaron en Granada. Luc Huijbregts, quien se trasladó de los Países Bajos a Jaén hace veinte años, ha aprendido y experimentado la sociedad andaluza a través de su esposa española, la vida familiar y su trabajo. Hanneke Klinkum (Países Bajos) tiene una casa con taller en Ayamonte, donde vive con su marido y trabaja la mitad del año. Las perspectivas y las vidas de estos cuatro artistas nos muestran Andalucía desde el interior.

Los artistas holandeses Peter Jansen, Nikkie le Nobel, Michel van Overbeeke, Barbara de Vries, NEOC y Jet Rotmans y el español Josep Bofill tienen una imagen indirecta de la materia. Ven, oyen, huelen, sienten y degustan la intrigante Andalucía desde el exterior. Sus sentidos son estimulados por los recuerdos de vacaciones, por las hipótesis, las historias de otros, la literatura, la música, las películas, los documentales, las actuaciones de grupos flamencos, los artistas españoles, o por la información que encontraron en Internet. En total cuatro artistas conocen Andalucía desde el interior y siete desde el exterior pero ¿qué han creado para el tema de la exposición?

Josep Bofill combina las prácticas tradicionales de la pintura y la escultura con técnicas modernas como la fotografía. Para él la belleza estética es la armonía entre los elementos opuestos.

Siempre está en busca de contrastes en la naturaleza, la sociedad, la cultura, la política, la ciencia y el arte, que luego trata de unificar; oposiciones como hombre y mujer, dentro y fuera, luz y oscuridad, la naturaleza y el espíritu, objetivo y subjetivo, individual y universal, presente y pasado.

La figura humana es lo central en su trabajo y la comunicación interpersonal para él consiste en los contrarios de unión y de aislamiento. Mira a la persona como el producto de su tiempo y en relación con su entorno. Esto también se aplica a las obras de esta exposición. La combinación de verde y blanco en el retrato 'Andaluz del Aire', por ejemplo, evoca asociaciones con el ser humano autónomo en la historia de Andalucía y simboliza la esperanza y la paz.

Helí García caracteriza sus pinturas como si fueran paisajes humanos. Pinta vagas imágenes de personas en espectaculares y anónimas situaciones. De una manera sutil llama la atención sobre la falta de comunicación, la individualidad y las personas que viven de una forma diferente a la nuestra en una sociedad apresurada. Sus pinturas están a menudo llenas de declaraciones. Él da su punto de vista de la realidad con una dosis de humor. Para esta exposición se ha inspirado en el estilo de vida andaluz y la tradición de la fiesta, en la que la gente se divierte y en la que hay rifirrafes por cuestiones políticas y sociales. Tal vez los andaluces sean muy felices, pero al mismo tiempo son también un blanco fácil para el engaño. Sus pinturas nos muestran gente de fiesta en las ferias anuales pero de una manera sorprendente. Los hombres duros a caballo pero con una banda negra en los ojos como si fueran criminales. Mujeres en creaciones de flamenco hermosas pero con cabezas de mono. Imágenes chocantes y divertidas al mismo tiempo. Sin embargo Helí no critica el carácter andaluz, sino que le da otro reflejo. Él ve una fiesta, una feria, como un evento que esconde la desigualdad social, al igual que las corridas de toros y los partidos de fútbol.

Luc Huijbregts es un escultor que principalmente modela sus imágenes en madera de tilo, en la que graba cientos de líneas finas y simétricas, lo que da a su obra una textura única. Las imágenes también están cubiertas de colores brillantes como rojo, azul y púrpura. Además de esculturas en madera también hace trabajos en escayola y bronce. En muchas de sus obras incorpora elementos adicionales como plumas, perlas u objetos de metal que tienen un valor simbólico. Su trabajo en esta exposición no solo está dedicado a la iconografía, textos, figuras y creencias de la fe católica, sino también a la experiencia religiosa, el poder espiritual y material, la tentación de perder la fe y la libertad posterior. Cada obra de arte es una búsqueda. Luc critica el impacto de la religión en la sociedad con respeto, pero siempre con humor y muchos matices. Sus imágenes no sólo alientan al espectador a pensar de forma crítica, la simplicidad en las formas hacen que se despierten en éste todo tipo de emociones, como las perlas que se convierten en lágrimas.

Peter Jansen en sus ideas sobre el movimiento utiliza las formas del cuerpo humano para crear espacios de energía. En sus esculturas capta las secuencias de los movimientos humanos en el espacio y en el tiempo en un solo marco. Usando el mismo principio, creó un video sobre el baile flamenco, en la cual registró los movimientos sucesivos del ritmo de los pies bailando. Bailaores, tanto mujeres como hombres, expresan sus sentimientos de una manera personal. La emoción y la experiencia física están muy unidas. En el baile flamenco, las piernas y los pies tienen una elocuencia especial. En el vídeo la pierna desnuda de un hombre es vista de manera aislada y sin embargo halagadora y con un calzado impresionante. La desnudez implica vulnerabilidad, pero al mismo tiempo, a través de la cadena aparente de los movimientos, es un modelo de fuerza y velocidad. Quienes bailan flamenco, se ponen de pie con los dos pies en el suelo y juntos.

Hanneke Klinkum no sólo es una escultora, es una artista que también hace instalaciones de video, dibuja y pinta. Se inspira en la naturaleza, los animales y los seres humanos. No se ocupa de los objetos separados y aislados, sino del conjunto al que pertenecen. Con conexiones especiales quiere añadir una dimensión extra. Para esta exposición ha creado un monumento a Andalucía en asociación con los 'ojos' de la robusta muralla medieval del pueblo en el Museo de la Cueva, la cual ha visto muchas cosas. Su instalación consiste en una serie de más de cien imprentas pintadas sobre lienzo de personas y acontecimientos que durante quince siglos han influido en el desarrollo de Andalucía de muchas maneras: por la política, la literatura y la poesía, la ciencia, la economía, la religión, la filosofía, las artes visuales, la música y la danza. La galería de retratos es un homenaje a importantes pero marchitos héroes del pasado. Debajo hay cráneos cuidadosamente guardados en cajas, que recuerdan a los héroes anónimos que no están en los relatos. Personas anónimas que reciben el valor y la expresividad a través de su cráneo de oro. La escultura de 'My Little Pony' también conduce a la reflexión sobre la fugacidad y la fama efímera.

NEOC, el nombre artístico de Coen Kamp, deja que sus obras surjan de manera intuitiva, principalmente de sus propias experiencias y recuerdos. Los paneles en los que pinta a menudo se enriquecen con pequeñas reliquias, más o menos ocultas detrás de un cristal en la madera, que tienen un significado personal especial. Son objetos de uso cotidiano que, como parte del todo, tienen un sentido especial. De esta manera sus esculturas abstractas se convierten en historias identificables sobre las experiencias humanas universales, tales como la pasión, el amor, la alegría y la tristeza y crea un mundo que consiste principalmente en blancos y negros, donde el blanco simboliza la muerte y el negro la vida. Detalles inesperados de colores que traicionan las emociones. Lo visible se convierte en invisible. Sólo el espectador atento descubrirá lo que se oculta debajo de las capas pintadas, en las imágenes descoloridas o en las dobles capas. Esto hace que el trabajo siga el estado de ánimo del espectador y su disposición a buscar. Las pinturas de NEOC en esta exposición nos muestran el predominio de los poderes oscuros, de la victoria, la esclavitud y los frutos de la misma. También simbolizan el intenso período en el que entra en batalla con la vida.

Nikkie Le Nobel está fascinada por la naturaleza y sus ciclos de crecimiento y decadencia. En sus pinturas las flores y las plantas juegan el papel principal. Para ella no se trata de hacer un cuadro bonito o una copia realista de la realidad. Aunque los tipos de flores y hojas son claramente identificables, al mismo tiempo son independientes de su contexto dentro de una representación abstracta y compleja llena de formas y colores. La gran cantidad de capas y la profundidad de sus imágenes crean un mundo de ensueño que introduce al espectador en su interior y lo deja flotar en un mundo sin horizonte, donde nada es lo que parece. Las diferentes clases de flores reflejan emociones distintas, así los geranios de color rojo son los sentimientos hacia el cálido sur, el amor a la vida, la pasión y el fuego. Recuerdan a las exuberantes macetas de las paredes de las casas encaladas de Andalucía dando color y alegría, a las carrozas decoradas de flores durante una romería, a los estampados florales de los trajes de flamenca. Haciendo un zoom en los cálices gotean puntos que surgen como espejismos brillantes bajo un sol abrasador, como un torrente sanguíneo girando a través de las venas.

Jet Rotmans se expresa en las pinturas, instalaciones y libros de artista en los que procesa viajes, tanto imaginarios como reales que ella misma ha hecho. Cada página es una obra de arte autónoma. Sus instalaciones consisten en diversos objetos con los que crea un paisaje de recuerdos. Como de Andalucía todavía no tiene imágenes porque ella nunca ha estado aquí, para tener una idea del país ha visitado la zona desde el cielo, o más bien desde Google Earth con el ordenador. Sobrevolando virtualmente la tierra y las fronteras de Andalucía se han hecho visibles para ella los variados paisajes de la naturaleza y los pantanos, el suelo de diferentes colores, las superficies con puntos verdes que representan los olivos y las manchas rojas de pueblos y ciudades que la han inspirado para crear para esta exposición un mapa mental con las marcas de los lugares que invitan a ser más conocidos. Nombres de lugares en las vacías, pero significativas bolsas pintadas por ella que están listas para ser llenadas de recuerdos. Aunque cada obra de arte por separado tiene derecho a existir, en el contexto de la totalidad de la instalación consiguen un significado más concreto.

Úrsula Tutosaus trabaja entre otras cosas con las instalaciones y la fotografía. Para esta exposición también ha tomado las ferias como un tema. Su punto de partida es el traje de flamenca, que se convierte en una alusión a la vanidad y la pomposidad. Durante las fiestas el individuo, tanto hombres como mujeres, quieren ser distinguidos y eso se produce a través de la moda flamenca. Las mujeres dedican una gran cantidad de dinero en un traje de flamenca y les gustaría comprar un nuevo modelo cada año. El traje de flamenca viene de la ropa que las campesinas y las gitanas llevaban en el siglo XIX durante las ferias de ganado. Debido a que este vestido es femenino y adulador, el traje de campesino fue copiado en versión de lujo por las clases altas y se convirtió en un artículo de moda exclusivo para ferias y fiestas. Las ferias, como una continuación de las ferias de ganado, en el transcurso del tiempo se convirtieron en una demostración de poder económico y de entretenimiento. De esta idea Úrsula desenrolla un hermoso traje de flamenca en una alfombra roja de pasillo que simboliza el poder, el 'glamour' y el prestigio. La alfombra conduce al visitante por las escaleras a una de las cuevas del museo, donde se encuentra una silla delante de un espejo en el que aparece un monstruo. El visitante, en primera persona, entra en un enfrentamiento con él mismo.

Michel van Overbeeke y Barbara de Vries son artistas polivalentes con una tendencia a explorar lo desconocido. Michel tiene un gran pasado como artista gráfico, pintor, ceramista, escultor, artista del vidrio y cineasta. Bárbara, que principalmente ha diseñado escenarios para teatros, trabaja ahora como una artista de una manera innovadora con técnicas de fotografía. Los dos han sido invitados de forma individual a esta exposición pero al poco tiempo comenzaron a plantear ideas sobre los detalles del tema de forma conjunta. Tras intercambiar conceptos y criterios han optado por la creación conjunta de obras de arte. Su experimento ha dado como resultado seis trípticos que rebosan contenido, las imágenes, las aplicaciones de las técnicas, los materiales y las características adicionales, como las plumas crean una perfecta unidad.

Ninguno de los dos tiene miedo a los temas controvertidos. Ellos pusieron el punto de mira en las tradiciones andaluzas, como las corridas de toros, las peleas de tomates y la Semana Santa, pero al mismo tiempo les dan un sentido a un nivel superior, universal. A través de los temas que retratan, tratan de visualizar el contraste entre la creación y la destrucción entre lo humano y lo natural. Con imágenes y símbolos crean un mundo que se remonta a las emociones del hombre, a los sentimientos como el amor y la pasión, el dolor y la soledad. Como dúo de artistas Michel y Barbara se han complementado y reforzado mutuamente desde su individualidad de una manera sublime. Un nuevo proceso creativo para los artistas y usada por primera vez por Galerie Katuin.