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El Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) presenta la exposición colectiva La realidad invocable, comisariada por Montse Badia (Barcelona, 1965), que recorre las múltiples opciones de consideración de lo real que ofrecen las prácticas artísticas. Para ello, la muestra reúne un conjunto de obras realizadas por artistas de contextos y generaciones diferentes, que reflexionan sobre lo que existe, su representación y su ... mediatización, partiendo del «aquí y ahora».

Aunque lo real es uno de los grandes temas que siempre ha abordado el arte, esta muestra se acerca a la realidad en un momento en el que mantenemos una relación complicada con ella, en el que prevalecen las retóricas de distracción, los mecanismos de construcción de la realidad, su mediatización, ficcionalización y virtualización. Pero al mismo tiempo existe una «pasión por lo real», por lo genuino, por aquello que es creíble.

La exposición explora todos estos aspectos a partir de una serie de interrogantes: ¿Existe una realidad al margen de nuestra percepción? ¿Implica la afirmación de lo real tanto la vida como la muerte? ¿Puede ser la violencia extrema el precio que hay que pagar por desvelar algunas capas de realidad? ¿Es lo real lo cotidiano, la experiencia personal? ¿O la realidad son los otros? ¿Pueden representarse verdaderas tranches de vie? ¿Qué es la autenticidad? ¿Puede el arte tener una incidencia en la realidad?

La realidad invocable se inicia con dos trabajos de referencia de los años setenta: el vídeo The Girl Chewing Gum (1976) de John Smith (Londres, 1952), en el que el artista graba una escena en una bulliciosa calle de Londres mientras una voz en off parece dirigir tanto los movimientos de la cámara como las acciones que transcurren; y el documental dramático Als wär's von Beckett (1976) de Lutz Mommartz (Erkelenz, Alemania, 1934), que muestra un cruel y dramático intercambio de reproches y acusaciones, lamentos y frustraciones de una pareja en crisis que, respondiendo a la invitación del cineasta, se mantuvieron separados durante una semana para reencontrarse ante la cámara.

Con los trabajos de Roman Ondák, Antonio Ortega y Núria Güell, la realidad entra, con nuevos códigos, en el museo. Teaching to Walk (2002) de Roman Ondák (?ilina, Eslovaquia, 1966) es una performance en la que una madre acompaña a su hijo a dar sus primeros pasos en la sala de exposición un breve pero crucial momento en la vida de todo ser humano. Con este sencillo gesto, inspirado en su propia experiencia personal cuando su hijo empezaba a andar, Ondák nos invita a descubrir ese instante, pero no mediante la representación, sino dejando que la realidad tome el museo, al tiempo que configura el propio trabajo artístico. En Zócalo Antonio Ortega. Un intento de glosar el concepto de demagogia (2013-2014), Antonio Ortega (Sant Celoni, Barcelona, 1968) instala en el espacio expositivo un rodapié producido especialmente para la ocasión, cuyo tamaño es ligeramente más alto que la medida estándar. Con esta mínima modificación y este sencillo gesto, Ortega dota al ámbito museográfico de una «realidad con finalidad práctica», convirtiéndolo en un espacio real. Núria Güell (Vidreres, Girona, 1981) busca la incidencia directa en la realidad. Para ello, ha creado Ca l'Àfrica, una cooperativa formada por algunos inmigrantes actualmente acogidos en unas naves industriales del barrio del Poblenou. La organización cooperativa es una herramienta que permite hacer contratos de trabajo a sus miembros y así regularizar su situación. Algunos integrantes de la cooperativa han sido contratados en el contexto de la exposición para realizar distintas labores.

Mireia Sallarès, Jeremy Deller y Phil Collins filman la realidad. Le Camion de Zahïa (2003) de Mireia Sallarès (Barcelona, 1973) presenta la historia de Zahïa, una mujer argelina que regentaba un camión de venta ambulante de pizzas en una plaza de Valence, en el sur de Francia, hasta el momento en que una nueva ordenanza municipal prohibió el estacionamiento de este tipo de vehículos en la ciudad, coincidiendo con la remodelación del centro urbano en centro comercial. Para esta ocasión, la pieza se activa al instalar en el espacio público un camión parecido al de Zahïa, que actúa como soporte de proyección de una selección de documentales que exploran temas relacionados con la privatización del espacio público y la gentrificación. So Many Ways to Hurt You (The Life and Times of Adrian Street) (2010), de Jeremy Deller (Londres, 1966), narra la vida de Adrian Street, hijo de un minero galés, que hizo carrera como culturista, con apariciones estelares en programas de televisión y más tarde en Estados Unidos, donde fue figura destacada en wrestling, la lucha libre americana. La instalación ha contado con la colaboración de Mikel Pascal y Javier Murillo, autores del mural inspirado en el documental.

El trabajo gerçe?in geri dönü?ü (the return of the real) (2005) de Phil Collins (Runcorn, Inglaterra, 1970) investiga la cultura posdocumental personificada en el medio televisivo, presentando los efectos devastadores de una realidad mediatizada. En esta videoinstalación, varios participantes en reality shows que sentían que esa circunstancia había afectado profundamente sus vidas tienen la oportunidad de volver a contar sus historias, pero esta vez lo hacen en conversaciones que no están editadas ni censuradas.

Enric Farrés-Duran (Palafrugell, Girona, 1983) propone recorridos a partir de coincidencias y encuentros fortuitos. Farrés-Duran clona el libro de Enrique Vila-Matas París no se acaba nunca, en el que el autor plantea una continuidad entre lo real y lo ficticio. Farrés-Duran realiza una investigación por hechos y lugares del «distrito quinto», entre la Facultad de Filosofía y la Escuela Massana de Barcelona, que se plasma en una instalación de inputs y hallazgos, en un recorrido urbano comentado y en una publicación.

Rafel G. Bianchi (Olot, Girona, 1967) se propone tareas que requieren un gran esfuerzo, en ocasiones para evidenciar el absurdo, no sólo del trabajo en arte, sino quizás también del mundo. A x metros del objetivo, 2006-2014, un trabajo en proceso que se propone realizar a lo largo de su vida, recoge una serie de imágenes que son el resultado de una acción que consiste en correr, alejándose del objetivo fotográfico durante diez segundos, mientras el temporizador y el propio artista cuentan antes de ejecutar la fotografía. Acudits de vaques i pintors. Cabirol reenactment (2013-2014) consiste en pintar el mismo paisaje a plein air de forma reiterativa en el mismo lienzo, evidenciando la imposibilidad de la representación de la realidad.

Aunque la muerte y la inseguridad forman parte de la realidad, nuestras sociedades tienden a no aceptarlas. Para ello crean sistemas, aparentemente objetivos, que apaciguan nuestros miedos y transforman lo que no nos atrevemos a mirar en algo agradable y material, convirtiendo la muerte en algo irreal. Para Auto Portrait Pending (2005), Jill Magid (Bridgeport, Connecticut, 1973) ha firmado un contrato con una empresa que la convertirá en un diamante cuando ella muera. El contrato, redactado como si fuera una carta de amor, especifica los detalles de la creación del diamante a partir de sus cenizas. La vitrina muestra el arco del anillo y el engarce, pero falta la piedra, el diamante, para completar un autorretrato que, por el momento, está inacabado.

La realidad invocable abre una línea que trabajo que tendrá continuidad con dos proyectos adicionales que se llevarán a cabo en 2015 y 2016, con los que el MACBA pretende articular de forma plural su compromiso con los círculos concéntricos de la creatividad y de la crítica que lo rodean para ofrecer vínculos más estrechos entre el ciudadano, el artista y los valores que el arte vehicula.