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Lee Krasner, Autorretrato (Self-Portrait), c. 1928. Óleo sobre lienzo, 76,5 x 63,8 cm. The Jewish Museum, Nueva York  © The Pollock-Krasner Foundation. Cortesía del Jewish Museum, Nueva York
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Publicada el 10 jul de 2020      Vista 24 veces

Descripción de la Exposición

La obra de Lee Krasner se caracteriza a lo largo de toda su trayectoria por una constante reinvención y exploración: desde sus tempranos autorretratos y dibujos del natural, hasta las exuberantes y monumentales obras de principios de la década de 1960, pasando por sus “Pequeñas imágenes” de finales de los 1940 y sus rompedores collages de los 1950. A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Lee Krasner rechaza la idea de elaborar una “iconografía de firma” por parecerle demasiado rígida; la artista trabaja en ciclos y busca continuamente nuevos medios para una expresión auténtica. Después de la muerte de varios de sus seres queridos en los años 1950, y tras un periodo de duelo con una producción en tonos ocres, Krasner permite en la década de los 1960 que la luz y el color vuelvan a estallar en su pintura. El Museo Guggenheim Bilbao presenta Lee Krasner. Color vivo, una retrospectiva dedicada a la artista neoyorquina pionera del expresionismo abstracto, que reúne una amplia selección piezas, algunas nunca antes mostradas en Europa. En la exposición el público comprobará la constante reinvención y exploración que caracteriza a la obra de Lee Krasner (1908-1984) a lo largo de cincuenta años de carrera: desde sus tempranos autorretratos y dibujos del natural, hasta las exuberantes y monumentales obras de principios de la década de 1960, pasando por sus“Pequeñas imágenes” de finales de los 1940 y sus rompedores collages de los 1950. Nacida en Brooklyn en el seno de una familia inmigrante judía ortodoxa, Lee Krasner decide que quiere ser artista a los 14 años de edad. Tras años de esfuerzo en su formación artística, Lee Krasner se convierte en un referente y activo del incipiente Expresionismo Abstracto, un multifacetado movimiento que convierte a Nueva York en el centro del arte en la época de la posguerra. En 1942 la obra de Lee Krasner se inclye en la exposición de pintura americana y francesa que se celebra en la galería McMillen Inc., junto a la de sus amigos Willem de Kooning y Stuart Davis. El único de los artistas participantes en aquella exposición al que Krasner no conoce es Jackson Pollock, a quien visitará en su estudio y con quien se casará en 1945. A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Lee Krasner rechaza la idea de elaborar una “iconografía de firma”, por parecerle demasiado rígida. La artista trabaja en ciclos y busca continuamente nuevos medios para una expresión auténtica, incluso en sus épocas más difíciles como la que sucede a la repentina muerte de Pollock en un accidente de automóvil en 1956. RECORRIDO POR LA EXPOSICIÓN De Lena a Lee El nombre original de la artista es Lena Krassner, pero en 1922 adopta el más norteamericano “Lenore”, que a su vez se convierte en “Lee” cuando estudia en la Women's Art School de Cooper Union. De esta primera época son los tres autorretratos ubicados al principio de la exposición. Uno de ellos lo pinta el verano de 1928 en la casa de sus padres en Greenlawn, Long Island, para lo cual clava un espejo en un árbol del jardín y plasma su imagen sobre un fondo boscoso. Con 19 años, gradudada y tras un breve periodo en la Art Students League, se dispone a entrar en la prestigiosa National Academy of Design, esperando que su Autorretrato (Self Portrait), c. 1928 le permita el acceso a la clase de dibujo del natural. Aunque en un principio la academia se niega a creer que el retrato haya sido realizado en el jardín, considerando que era un retrato de interior con el bosque añadido más tarde Krasner protesta y consigue la admisión. En la Academia, la artista batallará contra el enfoque tradicional de la misma y criticará su “ambiente estéril de [...] mediocridad congelada”. Dibujo del natural La Gran Depresión de la década de 1930 obliga a Krasner a abandonar la National Academy y matricularse en un curso para enseñantes en el City College de Nueva York, donde la formación es gratuita. En paralelo empieza a asistir a clases de dibujo del natural en Greenwich House con Job Goodman, que había sido discípulo del pintor regionalista Thomas Hart Benton y defiende un método clásico de dibujo, inspirado en “maestros” renacentistas como Miguel Ángel. Los cuatro Estudios de desnudo (Studies from the Nude, 1933),que se exponen aquí muestran la desinhibición con respecto a la desnudez de Krasner, que utiliza la barra Conté para subrayar la musculatura del cuerpo del modelo. En 1937 obtiene una beca para estudiar en la Hans Hofmann School en la calle Nueve Oeste de Nueva York. Hofmann es un modernista alemán que ha vivido y trabajado en París y ha conocido a Picasso y a Matisse, que para Krasner son “dioses”. Hofmann enseña una versión del cubismo analítico, preocupándose principalmente por la tensión entre el plano y la tridimensionalidad, a la que denomina el “tira y afloja” de una obra. Los seis dibujos que se exponen aquí muestran las primeras incursiones de Krasner en la abstracción. Escaparates para el War Service Tras el desplome económico de 1929, el presidente Franklin D. Roosevelt pone en marcha una serie de programas para reconstruir la economía de Estados Unidos. En 1935 crea la Works Progress Administration (WPA) con objeto de crear puestos de trabajo en obras públicas por todo el país para los millones de desempleados. Ese mismo año se funda, patrocinado por la WPA, el Federal Art Project (FAP), que ofrece apoyo a los artistas y financia proyectos que fomentan el espíritu americano y sus valores de trabajo, comunidad y optimismo. A lo largo de la década de 1930 Krasner colabora en algunos de estos proyectos y en 1942 le encargan la supervisión del diseño y montaje de veinte escaparates de grandes almacenes de Manhattan y Brooklyn, en los que se anuncian cursos de formación para la guerra. La artista acaba de conocer a Jackson Pollock y consigue que asignen a éste a su equipo de proyecto. Krasner decide fotografiar los cursos e integrar las imágenes en sus diseños, junto con una tipografía dinámica y referencias abstractas que sugieren sus intereses artísticos. Aunque estas obras ya no existen, las fotografías de los diseños de los collages originales se proyectan aquí con las dimensiones propias de un escaparate. Pequeñas imágenes Cuando Krasner se traslada en el otoño de 1945 a Springs, a la granja adquirida gracias al apoyo económico de Peggy Guggenheim a Pollock, está superando un impasse artístico: la muerte de su padre el año anterior le impide pintar otra cosa que lo que ella denomina sus “losas grises”. Pronto esta inmersión en la naturaleza hace surgir un nuevo tipo de iconografía y Krasner comienza a trabajar en sus “Pequeñas imágenes” (“Little Images”), que son abstracciones vibrantes, semejantes a joyas. En algunas de ellas aplica densas capas de pintura con una espátula, que después trabaja con una brocha dura, mientras que en otras crea una trama de arabescos mediante pintura rebajada con trementina. Ejemplo de estas obras son Color hecho añicos (Shattered Color, 1947), Abstracción nº 2 (Abstract No. 2, 1947), y Sin título (Untitled, 1947). En esta sala se presenta Mesa de mosaico (Mosaic Table, 1947) que la artista realiza partiendo de la rueda de un viejo carromato que se encontraba en la granja e incorporando elementos como teselas desechadas, fragmentos de bisutería, llaves, monedas y trozos de cristal. Stable Gallery Tras sus “Pequeñas imágenes”, en 1950 Krasner empieza a trabajar para su primera exposición individual, que se inaugurará en la Betty Parsons Gallery en octubre de 1951. Para la ocasión, crea 14 obras abstractas geométricas plasmadas en colores suaves y luminosos, que obtienen buenas críticas, pero no son consiguen ser vendidas. La artista, decepcionada, empieza a trabajar en una serie de dibujos en blanco y negro, que va clavando en las paredes del estudio desde el suelo hasta el techo, con la esperanza de que le sugieran una nueva orientación. Un día entra en el estudio, decide que “no los puede soportar” y los rompe. Incapaz de volver al estudio durante varias semanas, cuando lo hace descubre sorprendida que allí hay “un montón de cosas que empiezan a interesarme”. Los restos de papeles rotos son el punto de partida de una serie de collages, que pega sobre doce de los lienzos de la exposición de la Betty Parsons Gallery. Incorpora trozos de arpillera, hojas de periódico rotas y papel fotográfico, así como algunos de los dibujos de Pollock que éste había desechado, añadiendo a todo ello algunas pinceladas de pintura. Todas estas obras de grandes dimensiones como Luz hecha añicos (Shattered Light, 1954), Charla de pájaros (Bird Talk, 1955), Águila calva (Bald Eagle, 1955) y Asclepia (Milkweed, 1955), se exponen en septiembre de 1955 en la Stable Gallery de Eleanor Ward. Profecía En el verano de 1956, en un momento complicado en su relación con Jackson Pollock, Krasner pinta Profecía (Prophecy), una obra que no se parece a ninguna de las anteriores, y en la que dominan las formas ondulantes, carnosas, enmarcadas en negro y con toques de rosa que subrayan la iconografía corporal. La propia artista comenta que el cuadro le “inquieta enormemente” y se queda en el caballete cuando ella parte sola en un viaje a Francia. El 12 de agosto, recibe una llamada telefónica en la que se le comunica que Pollock ha fallecido en un accidente de tráfico. Pocas semanas después, Krasner retoma los pinceles y crea tres obras que continúan la serie comenzada con Profecía: Nacimiento (Birth), Abrazo (Embrace) y Tres en dos (Three in Two). Dos de estos lienzos, Nacimiento y Tres en dos, están presentes en la exposición y parecen ser agitados paisajes animados por oscuras fuerzas psicológicas. Preguntada por su decisión de ponerse a pintar en medio del dolor, las palabras de Krasner son: “Pintar no es algo ajeno a la vida. Es la misma cosa. Es como si me preguntan si tengo ganas de vivir. Mi respuesta es sí y por eso pinto”. Viajes nocturnos En 1957 Krasner decide instalarse en el estudio de Pollock, en el granero de Springs, lo que le permite trabajar en obras de dimensiones hasta entonces implanteables, clavando directamente en la pared los lienzos sin bastidor. Como por aquel entonces padece insomnio crónico, trabaja por la noche y decide restringir su paleta a los colores blanco y tierra tostada, pues no le gusta aplicar el color con luz artificial. La elección del tono terroso umbra confiere a sus obras una calidad orgánica, mientras que las finas capas de pintura hacen que permanezca fiel a su “impulso original”. Su amigo el poeta Richard Howard bautiza estas obras como sus “Viajes nocturnos”, y la propia Krasner explica que algunos títulos como Asalto al plexo solar (Assault on the Solar Plexus, 1961), eran “embarazosamente realistas [...]. Había tenido un encontronazo con Greenberg, mi madre había muerto [...]. Fue una época muy dura”. El encontronazo al que hace referencia se debe a que el influyente crítico de arte Clement Greenberg decide cancelar una exposición que estaba organizando de Krasner porque no le gusta el rumbo que ha tomado su pintura. En lugar de abandonar la serie, la pintora se lanza de lleno y expone las obras resultantes en la Howard Wise Gallery en 1960 y 1962, recibiendo una notable acogida. Serie primaria A principios de la década de 1960, Krasner permite que el color vuelva a estallar en sus cuadros. Al igual que sus “Viajes nocturnos”, Otra tormenta (Another Storm, 1963) tiene una paleta reducida, pero el color umbra ha dado paso a un carmín de alizarina más luminoso. Cuando Krasner se rompe el brazo derecho, aprende a manejar la mano izquierda, aplicando la pintura directamente del tubo y utilizando los dedos de la mano derecha para dirigir los movimientos. De este modo crea obras más táctiles, como A través del azul (Through Blue, 1963) e Ícaro (Icarus, 1964). En los años siguientes, el gesto de Krasner se hará más suelto, más caligráfico, con atrevidas formas en tonalidades disonantes. Los colores que utiliza Krasner en esta serie resultan exuberantes, en referencia a Matisse, su héroe artístico, que había declarado que “con el color se obtiene una energía que se diría que procede de la brujería”. La confianza de la que la artista hace gala durante esta época se debe tal vez a la exposición individual que le organiza el comisario Bryan Robertson en la Whitechapel Gallery de Londres en 1965; es su primera exposición en una institución pública y obtiene unas críticas muy positivas. Dibujos de la serie primaria Para Krasner, cada cuadro tiene que surgir auténticamente desde dentro, de modo que nunca realiza bocetos preparatorios. Sin embargo, en 1968 se hace con un lote de papel elaborado a mano por el artesano local Douglass Howell, y decide utilizarlo para un nuevo corpus artístico, experimentando con la sencillez de utilizar uno o dos pigmentos puros: “Tenía unas ganas locas de hacer aquello y se vendieron en un santiamén”. La exposición presenta catorce de estas obras. Palingenesia A principios de la década de 1970, Krasner evoluciona, pasando de las suaves formas biomórficas de sus últimas obras a unas composiciones abstractas con elementos más recortados. Se ha ganado su reputación como colorista con la exposición de 1955 en la Stable Gallery y con su más reciente “Serie primaria”, pero en este momento su obra tiene una energía más reposada. Como observa la historiadora del arte Cindy Nemser, da la impresión de que aquellos nuevos cuadros son “expansivos, aunque contenidos [...] regios y de lentos movimientos”. Expuestos en primer lugar en la Marlborough-Gerson Gallery, los cuadros forman un destacado conjunto en la exposición Lee Krasner: Large Paintings (Lee Krasner: Obras de gran formato), comisariada por Marcia Tucker y celebrada en el Whitney Museum of American Art en 1973; es la primera gran muestra individual de su obra en una institución pública en Nueva York, su ciudad natal. Los cuadros dan fe de la fuerza creativa de Krasner, incluso en la última etapa de su carrera. Palingénesia (Palingenesis, 1971), el lienzo de mayores dimensiones en este espacio, toma su título de la palabra griega que significa “nacer de nuevo”, un concepto fundamental en la práctica de Krasner. Como explica la artista en una entrevista con la comisaria Barbara Rose, “evolución, crecimiento y cambio prosiguen. El cambio es vida”. Once maneras En 1974 Krasner encuentra una vieja carpeta con dibujos realizados por ella cuando estudiaba en la escuela de Hans Hofmann, y decide utilizarlos como materia prima para una nueva serie de collages: los corta con tijeras en formas angulares, y los dispone en dinámicas composiciones sobre el lienzo, a modo de espejo de la geometría de los dibujos originales. Incorpora asimismo las imágenes espectrales que aparecen en el reverso de algunas de las hojas y deja otras zonas del lienzo sin trabajar, reflejando el espacio vacío alrededor del modelo desnudo. Los collages se exponen en la Pace Gallery en 1977 bajo el título colectivo “Eleven Ways to Use the Words to See” (“Once maneras de utilizar las palabras para ver”), titulando cada obra con una forma verbal diferente, como Pretérito imperfecto de indicativo (Imperfect Indicative, 1976), Imperativo (Imperative, 1976) y Futuro de indicativo (Future Indicative, 1977). Numerosas reseñas se centraron en el ingenioso uso de una obra previa con tanta carga emocional, y Art in America comentó que “la energía [de los dibujos] se ve recargada por la energía de esta reelaboración, que por un lado los idolatra, como tantos otros trofeos, y por otro lado los rechaza como parte de un pasado mediocre”. Lee Krasner fallece el 19 de junio de 1984, recibiendo al final de su vida el reconocimiento que tanto se merecía. Sin embargo, ella misma reconoce que, en determinados aspectos, el hecho de que se le hubiera ignorado había sido una “bendición”. Liberada de una gran presión crítica y del control de una camarilla de marchantes y coleccionistas, Krasner crea las obras que se ve impulsada a hacer fluyendo a su antojo con cada nueva corriente, sin verse nunca obligada a repetirse. Esta exposición ha sido posible gracias al apoyo de la Terra Foundation for American Art DIDAKTIKA: MÁS DE UNA LEE KRASNER Como parte del proyecto Didaktika, patrocinado por BBK, el Museo diseña espacios didácticos, contenidos online y actividades especiales que complementan cada exposición, brindando herramientas y recursos para facilitar la apreciación de las obras expuestas. Así, el espacio educativo In Focus diseñado para esta exposición y ubicado en la misma galería, Más de una Lee Krasner, recoge las principales claves que forjan la personalidad y la producción de la artista, como la tenacidad que demuestra desde sus comienzos, y hasta afianzar su figura en el contexto de la primera generación de creadores del Expresionismo Abstracto norteamericano. Completa la experiencia un audiovisual producida específicamente para la exposición que incluye varias entrevistas a la artista. Actividades vinculadas con la exposición: Reflexiones compartidas Visitas únicas impartidas por profesionales de las áreas de Curatorial y de Educación del Museo que ofrecen diferentes puntos de vista sobre los contenidos de las nuevas exposiciones. • Visión curatorial (23 septiembre): la comisaria de la exposición Lucía Agirre realizará un recorrido por las principales obras de la muestra • Conceptos clave (30 de septiembre): Luz Maguregui, Coordinadora de Educación, dialogará con los asistentes sobre las claves generales y didácticas de las obras. *Patrocina Fundación Vizcaína Aguirre. Entrevistas a Lee Krasner (22 de octubre) Proyección de Lee Krasner, in her Own Words, audiovisual que incluye una selección de entrevistas muy personales a la artista, de la mano de Chris Crosman, Nancy Miller y Larry Rivers, entre otros. Producido específicamente para la exposición por Barbican Centre de Londres, Schirn Kunsthalle Frankfurt, Zentrum Paul Klee (Berna) y el Museo Guggenheim Bilbao. Sesión Creativa +18 Las técnicas de Krasner (5 de noviembre) Taller para mayores en el que podrás descubrir, de la mano de la artista Veva Linaza y mediante una divertida práctica, los materiales y técnicas empleados por Lee Krasner. Suelo, caballete, mesa, collage son algunas pistas. CATÁLOGO En esta ocasión el Museo Guggenheim Bilbao publica un volumen editado por Eleanor Nairne. El catálogo, organizado siguiendo criterios cronológicos y temáticos, nos ofrece un recorrido visual de la producción de Krasner y analiza su obra en los ensayos escritos por Eleanor Nairne, Katy Siegel, John Yau y Suzanne Hudson. El libro incluye también una exhaustiva cronología, así como una apasionante entrevista de Gail Levin con la artista. BIOGRAFÍA 1908: Lena Krassner nace el 27 de octubre en Brooklyn, Nueva York, tres años después de que su familia judía ortodoxa emigrara a EE. UU. procedente de un shtetl cercano a Odessa, en Rusia (Ucrania, en la actualidad), huyendo de los brutales pogromos y de la Guerra Ruso-Japonesa. 1926: Se gradúa con 17 años y comienza a estudiar en la Woman’s Art School de la Cooper Union. Tras un breve paso por la Art Students League, continúa estudiando en la National Academy of Design. 1935: Es asignada a la División de Murales del Fine Arts Project (FAP), sección de la Works Progress Administration (WPA) que ayudará a los artistas encargándoles trabajo. 1937: Se matricula en la Hans Hofmann School of Fine Arts. 1940: La artista exhibe su obra por primera vez con la asociación American Abstract Artists (AAA) en la muestra American Abstract Artists Fourth Annual Exhibition , celebrada en las American Fine Art Galleries de Nueva York. 1941: Con ocasión de la muestra American and French Paintings , que tiene lugar en la McMillen Gallery, Krasner conoce a Jackson Pollock. 1942: Krasner diseña anuncios de gran tamaño para los escaparates de los grandes almacenes de Nueva York que publicitan los cursos de formación para la guerra que se imparten en las facultades municipales. 1943: Abandona la AAA, desilusionada por la rigidez de miras del grupo, que ha rechazado a Alexander Calder como miembro y se ha opuesto a que Hofmann pronunciara una conferencia. 1944: Participa en la muestra Abstract and Surrealist Art in America , organizada por el San Francisco Museum of Art, que incluye obras seleccionadas por Sidney Janis. 1945: En el mes de octubre, Krasner y Pollock contraen matrimonio; posteriormente, se trasladan a Springs, Long Island. 1946: En primavera, Krasner hace un gran avance, con una nueva serie de obras que denomina Pequeñas imágenes (Little Images ). 1948: Comienza a llamarse “Lee Krasner” en contextos públicos y profesionales. Expone una selección de sus Pequeñas imágenes y una de sus mesas de mosaico en la muestra de la Bertha Schaefer Gallery de Nueva York The Modern House Comes Alive 1948–49, con gran éxito de crítica. 1951: En el mes de octubre se inaugura su primera exposición individual, titulada Paintings 1951, Lee Krasner , en la Betty Parsons Gallery. La artista reutilizará muchos de estos lienzos para crear los collages que expondrá en 1955 en su muestra individual en la Stable Gallery. 1956: Durante el verano, trabaja en una pintura que más tarde titulará Profecía (Prophecy ). Su relación con Pollock se resiente a causa del alcoholismo de este. Krasner viaja a Europa por primera vez y decide hacerlo sola se encuentra en París cuando se entera de que Jackson Pollock ha fallecido en un accidente de automóvil. 1958: En febrero, las pinturas recientes de Krasner se presentan en una muestra individual en la Martha Jackson Gallery de Nueva York. La Uris Buildings le encarga el diseño de dos paneles de mosaico de grandes dimensiones para sus oficinas del centro de Manhattan. 1959: Fallece la madre de Krasner. La artista comienza una nueva serie de obras que pinta durante la noche, con iluminación artificial, pues sufre insomnio crónico. Richard Howard las describe como imágenes “de duelo”, cada una de ellas generada en un “viaje nocturno”. 1965: En septiembre se inaugura en la Whitechapel Gallery de Londres la retrospectiva Lee Krasner: Paintings, Drawings and Collages . 1968: En marzo se celebra la primera exposición de obra nueva de Krasner en la Marlborough-Gerson Gallery: Lee Krasner Recent Paintings . 1972: En abril Krasner se une al grupo Women in the Arts y participa en un piquete en el Museum of Modern Art de Nueva York para protestar por el modo en que esta institución ignora a las artistas. 1973: En noviembre, el Whitney Museum of American Art presenta Lee Krasner: Large Paintings , la primera exposición individual de Krasner en un gran museo neoyorquino. 1975: Lee Krasner: Collage and Works on Paper, 1933–74 se inaugura en enero en la Corcoran Gallery of Art de Washington D.C. La muestra viaja al Pennsylvania State University Museum of Art y al Rose Art Museum de la Universidad Brandeis de Massachusetts. 1976: Krasner se une a la Pace Gallery y se convierte en la tercera mujer en ser representada por esta galería; al año siguiente presenta en este espacio su serie Once maneras de utilizar las palabras para ver (Eleven Ways to Use the Words To See). 1978: Se estrena el documental de Barbara Rose Lee Krasner: The Long View. 1980: Krasner recibe el premio Outstanding Achievement in the Visual Arts del Women’s Caucus for Art. 1981: Guild Hall inaugural la exposición Krasner/Pollock: A Working Relationship , comisariada por Barbara Rose, que viaja después a la Grey Art Gallery y Study Center, de la Universidad de Nueva York. 1982: Krasner es nombrada Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres en Francia, que le otorga el ministro francés de cultura, Jack Lang. 1983: El día de su 75º cumpleaños se inaugura en el Museum of Fine Arts de Houston la exposición Lee Krasner: A Retrospective, comisariada por Barbara Rose. La muestra viajará al San Francisco Museum of Modern Art; al Chrysler Museum of Art, Norfolk, Virginia; al Phoenix Art Museum, Arizona; y al Museum of Modern Art. 1984: El 19 de junio, Krasner fallece en el New York Hospital.

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