PERFORADO POR ITZIAR OKARIZ Y SERGIO PREGO es el proyecto comisariado por Peio Aguirre y protagonizado por los artistas Itziar Okariz y Sergio Prego que presenta el Pabellón de España en la 58ª Exposición Internacional de Arte de La Biennale di Venezia. Una exposición que propone una perforación, en el sentido metafórico y literal, a través de performance, sonido, imagen, escultura y arquitectura.
El proyecto de Sergio Prego ocupará el jardín trasero del Pabellón español con un conjunto escultórico en armonía con el paisaje veneciano y su vegetación. Mientras que el trabajo de Okariz se ubicará en el interior convirtiéndose en la mayor instalación de sonido y performance que haya tenido lugar en el pabellón de España. Además, durante los días de inauguración, la artista desarrollará un programa de performance.
El gesto y trazo principales de PERFORADO POR consiste en abrir, ensanchar el espacio desde una ocupación que en realidad...es su contrario, una desocupación o vaciamiento. Todo cuerpo en el interior de un espacio vacío genera una tensión con el lugar donde se inserta, pues el volumen envolvente de la arquitectura nos devuelve la materialidad mínima del cuerpo. El rasgo principal del arte de Itziar Okariz y Sergio Prego es un principio de permanencia, de un modo inseparable, en esta relación cuerpo-espacio, que se traduce en una obra austera y contundente, compleja a través de la simplicidad.
Susan Sontag escribía en su ensayo “La estética del silencio” que “el silencio no sólo existe en un mundo poblado de palabras y otros sonidos, sino que además cualquier silencio dado disfruta de su identidad en función de un tramo de tiempo perforado por el sonido.” El título del proyecto de Aguirre parte del significado de la palabra perforar, que significa agujerear parcialmente algo, una cosa, una imagen o un espacio, atravesándolo pero dejando entrever lo que había en primer lugar. El espacio, tanto interior como exterior del pabellón, será perforado por las obras de performance, sonido, imagen, escultura y arquitectura de Okariz y Prego.
El arte de Itziar Okariz se caracteriza por acciones que cuestionan normativas en torno al lenguaje y a la producción de los signos que nos definen como sujetos. Se aproxima al espacio privado y público desde una perspectiva feminista.
En Las estatuas(2018-2019), la artista presenta conversaciones en voz baja y careos que ella mantiene con figuras y objetos de arte. Al confrontarse directamente con objetos inanimados, se les dota de ánima, aliento y subjetividad. El contenido de estas conversaciones y posicionamientos prolongados ante objetos es el fruto de una relación fuerte, subjetiva y difícil de comunicar; desafía el sentido común y favorece la intrahistoria y el modo personal e íntimo con el que nos relacionamos con los objetos y el arte. Estos cara a cara se realizan en el espacio público de museos. Las imágenes y textos sin embargo no recogen de modo explícito lo ocurrido, planteando una reflexión sobre la documentación y su manifestación. Esta disociación entre sonido, imagen y texto, ahonda en el desplazamiento entre el sujeto del lenguaje y su presencia corporal. La acción funciona como una narración fragmentada a partir de aquello que se omite, no se ve y no se escucha. Estos careos con objetos se extienden durante el periodo que dura la Biennale Arte 2019, por lo que la obra va cambiando y el espectador tiene la impresión de encontrarse ante algo vivo, en proceso y no acabado. Dos esculturas presentes en el pabellón, una estatua de Jorge Oteiza de 1948, y una pieza contemporánea del artista peruano Armando Andrade-Tudela sirven a la artista para continuar con estas conversaciones. Okariz indaga en el carácter ontológico de los objetos y en el antropomorfismo de las formas en el arte.
En Respiración oceánica (2018-2019), el espacio físico de la exposición y el público devienen una caja de sonido y resonancia. La artista y otra performer ejecutan una serie de ejercicios de respiración a intervalos delante de un micrófono que propaga el sonido de la respiración por todo el espacio envolvente. Esta performance, junto a otras acciones, se desarrolla en un programa que tendrá lugar en los días de inauguración. Junto a estas obras, un vídeo inédito de la serie Mear en espacios públicos y privados (2001-2006) cuestiona el uso de las convenciones de género y la performance de la masculinidad. Este vídeo interroga críticamente el régimen de lo normativo, el uso del espacio público y privado, lo que está permitido y lo que no, a partir de una elaboración de un imaginario feminista y queer.
Sergio Prego, partiendo de estrategias en el arte de los años sesenta y setenta, redefine las relaciones entre el arte y el espacio expositivo, objeto artístico y experiencia estética. Junto al cuerpo, es fundamental la consideración material y la autonomía de la escultura posminimalista. La escultura ha sido tradicionalmente el medio más propicio para indagar en la naturaleza del cuerpo y su relación con el espacio y el tiempo. Esta cualidad escultórica la extiende a otros medios como el vídeo y el dibujo con los que trata de transgredir la tradición de la forma y sus límites. El artista trabaja sobre los límites de la escultura con construcciones generalmente efímeras o desmontables, volúmenes geométricos básicos y materiales no convencionales los cuales se realizan a menudo sobre el lugar. Sus piezas a partir de membranas neumáticas– como poemas en el espacio, respirando – exploran la naturaleza de la escultura ligada a la arquitectura, poniendo en entredicho la materialidad debido a su elaboración con materiales flexibles y ligeros que hacen que la forma solo exista en un determinado estado, o a consecuencia de una acción continuada sobre el material que la componen. El aire se convierte en una herramienta que moldea las piezas. También el agua, el cemento o la resina sintética. La escultura neumática está relacionada con el vaciamiento del espacio; cómo ocupa un elemento un espacio que a la vez lo desocupa, lo vacía, habilitándolo para la ocupación por las personas y espectadores. Sin embargo este proyecto de escultura neumática está presente en la exposición mediante una maqueta que refleja el proyecto inicial de Prego para el Pabellón, sugiriendo un uso alternativo del espacio y de la arquitectura.
En su intervención en la arquitectura del Pabellón, su respuesta artística a esta desocupación del espacio pasa al jardín o fachada trasera del Pabellón, a partir de escultura site-specific donde se muestra la capacidad de fluidez del agua y otros materiales. A la consideración del contexto y de la arquitectura del Pabellón, se añade una investigación formal sobre el principio de “plasticidad” y lo orgánico. Esta plasticidad tiene que ver con dar y recibir una forma. Este conjunto escultórico conforma un jardín “extrañado” y a la vez en armonía con el paisaje veneciano, su vegetación y el carácter fluido del agua. Esta investigación sobre la forma se complementa con dibujos que ilustran especímenes botánicos y naturales, órganos corporales y otras formas intersticiales, biológicas y sexuales.
Imágenes de la Exposición
Vista de la obra de Itziar Okariz en el interior del Pabellón. FOTOS por Claudio Franzini. CortesÍa de la AECID
Entrada actualizada el el 23 jun de 2021
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