“Cintas de carrocero, cinta americana de colores, cintas de embalar… yo las defino: Tapes…“
Para mí, las tapes son pura imaginería. Cuando intervengo en mis obras, me siento como un imaginero del Barroco viendo los volúmenes y las formas de un cuerpo: con devoción y analítico detalle. Las tres grandes géneros del paisaje, el bodegón y la figura humana están presentes de manera constante en mi obra. Durante el último año de trabajo, he tenido nuevos hallazgos de taller, he observado mis rincones, encontrando objetos, formas y experiencias que compongo de manera formal, como si de un bodegón clásico se tratara...esperando que la luz adecuada entre por la ventana, o fotografiando desde mi teléfono móvil esos momentos efímeros de la luz de mis tardes.“
Alejandro Botubol
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Texto David Barro:
ALEJANDRO BOTUBOL. TAPES.
“El ojo ha estado perdido y lo continúa estando. Descubrir que está delante de una oquedad no le sirve para nada: el misterio...se modifica, pero permanece, e incluso se intensifica”.
Georges Didi-Huberman
Para quien ejerce en la pintura nunca hay descanso. Intuyo que así la vive Alejandro Botubol, uno de esos pintores a los que les gusta “hacer” pintura. No es una cuestión menor si atendemos a cómo acude a los géneros clásicos y desarrolla sus composiciones buscando que sea la luz la que marque el tiempo, la que defina el acontecimiento. Sus Tapes son bodegones de cintas -de carrocero, de embalar, americana de colores…-, pero son naturalezas muertas que se ubican en un paisaje de color hecho luz, unas imágenes mentales o construcciones sensibles que son mucho más que fondos, distanciándonos de la apariencia en una persecución muy consciente de la atmósfera deseada -quizás rememorando sus inicios en la pintura au plein air-. El color es así el sonido interior de estas Tapes, la sutil densidad de la memoria del estudio.
En anteriores trabajos fueron eclipses y paisajes. Ahora estas cintas son una suerte de imaginería que al artista le conducen al universo de lo barroco. La solución ya se insinuaba en la obra más escondida de su exposición Macropintura en Ponce+Robles, aunque ahora el objeto se descontextualiza todavía más gracias a una monumentalización producto de un provocador juego de escalas. Lo curioso es cómo todas estas opciones formales comparten una suerte de gestación en suspensión, algo que podemos encontrar en pintores en apariencia tan distantes como Rembrandt o Zurbarán. Porque de lo que realmente se trata es de aprehender los efectos. Y para eso hace falta lentitud en la contemplación. Pensemos en Cézanne, en Vermeer... O en Tuymans, que definió la pintura como un medio de expresión retardado.
Alejandro Botubol confiesa la importancia que en el último año de trabajo ha tenido la experiencia de la luz que entra en el atardecer por la ventana de su estudio. Siempre una luz diferente, que se transforma en paisaje, en pintura. Es ahí dónde cobra relevancia su capacidad para temperar el cuadro, como quien afina un piano, cuando el color reverbera y se proyecta tamizando una suerte de misterio, que en muchos casos se convierte en cuadro, o lo condiciona. Se abandona así a un viaje sin moverse del sitio, como aquella reticencia extrema al viaje que hizo grande a Morandi, dejando que la pintura ocurra, que tenga lugar.
Lo real -ya sea un paisaje o un bodegón a base de cintas de embalar- le permite trabajar distintas sedimentaciones, memorias, experiencias, o si se quiere, pasos o procesos que diseñan en el tiempo lo inconcebible de la pintura, el resto de un lado secreto. Algo así como el murmullo de algo que desborda su lugar. Máxime si atendemos a cómo pervierte la escala en una suerte de trampantojo. Alejandro Botubol pinta el pequeño acontecimiento que le acerca al placer del taller, al paisaje de la pintura. Es, en cierto modo, una aprehensión de lo efímero, una suspensión de la realidad, capaz de contener esa conciencia del paso del tiempo. El cuadro se gira así sobre sí mismo y nos obliga a volver a mirar, desconfiados, hasta escrutar la resonancia de sus objetos, como hasta hace poco sucedía con sus paisajes.
No es nueva esa idea de pintar la pintura. Pero hacerlo es ahondar en sus eclipses y reincidir en lo ya pintado. Indagar en sus efectos, pero también en sus instrumentos, en la experiencia cotidiana de pintar. Porque la luz siempre ha sido capaz de descubrir los espacios y los objetos, pero también de plegarlos con juegos de claroscuro. En este caso, esta reafirma la presencia del objeto, pero en ese hacerse presente existe una tensión intersticial y la luz se ofrece como material, como pintura. Porque Alejandro Botubol trabaja el margen de la realidad, pervirtiendo el tamaño de lo íntimo, de lo secreto, de lo cotidiano. Todo se configura desde lo emocional, desde lo sensible. Una experiencia latente respecto al mundo que exige que cada espectador proyecte su propia forma. La pintura se destila así como escenario. También como realidad temporal. Se convoca así lo vertiginoso, pero desde lo sereno; la profundidad desde la presencia en primer plano. Es como si el espacio nunca se tornase definitivo. La mirada se desestabiliza y la pintura se reivindica inextinguible, como un activo espacio transitivo.
En la pintura de Alejandro Botubol la quietud es la anamnesis de lo clásico, de lo resuelto en perfecto orden, pero la exégesis de su trabajo se desvela en lo contrario, en la emoción que se confronta como condición de lo no resuelto, de ese lugar capaz de vibrar en la mirada. Por eso reivindica el hallazgo serendípico de esos atardeceres en su estudio, cuando el color tiembla y la luz se asoma para retirarse. Pero también los destellos de la pintura barroca, como si quisiese avanzar regresando al mismo tiempo por sus propias huellas, aunque ahora sin salir del estudio.
David Barro
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Alejandro Botubol (1979, Cádiz, España).
Alejandro Botubol reflexiona y desarrolla su reciente obra sobre artistas que abordan la temática de la luz. La dualidad entre luz artificial y natural, La luz de su ciudad de origen de su infancia y la luz del Light Art.
A lo largo de su incursión por diferentes residencias artísticas de Nueva York durante su andadura Americana en el año 2013, Botubol revisa de cerca la obra de Georgia O´keefe, Mark Rothko, Edward Hooper… (siglo XX). Por otro lado, se impregna de la frescura y profundidad de la obra de artístas Norteamericanos actuales: Richard Tuttle, Dan Flavin, o Matt Connors con su uso del color, la concepción de la obra y espacio, y la utilización de nuevos soportes para la representación de la pintura. Siguiendo la pista de éstos últimos, descubre a James Turrell. De este mago del color pudo presenciar directamente una enorme exposición retrospectiva en el Museo Guggenheim de New York a finales de su estancia en dicha ciudad.
Licenciado en Bellas Artes Sevilla (2007); Master Idea y Producción, Universidad de Sevilla (2013). A lo largo del año 2013 reside en Nueva York y desarrolla un ambicioso proyecto artistico por diferentes residencias de arte: Residency Unlimited (RU) Brooklyn; international studio & curatorial program (iscp), Brooklyn, New York. Flux Factory Long Island City, New York. Su obra se ha expuesto en Museos, Galerías e Instituciones nacionales e Internacionales: España, Portugal, Suiza, Finlandia, México, Perú, Ecuador, Argentina, Colombia, EEUU. Actualmente vive y trabaja en Madrid.
Entrada actualizada el el 08 ene de 2019
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