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... style='margin-bottom:0cm;margin-bottom:.0001pt;text-align: justify;text-indent:1.0cm;line-height:normal'>The Mind on Fire es la primera exposición institucional en España del artista estadounidense James Welling (Hartford, Connecticut, 1951). La muestra, que comprende alrededor de ciento cincuenta obras, recrea algunas de las principales exposiciones de Welling en la ciudad de Nueva York durante la primera mitad de la década de los ochenta y refleja la evolución de su lenguaje fotográfico abstracto y experimental. James Welling fue una figura destacada de la 'Pictures Generation', un grupo de artistas poco cohesionado aunque muy influyente radicado en Nueva York durante los setenta y ochenta, al que también pertenecían Barbara Kruger, Sherrie Levine, Richard Prince y Cindy Sherman. Como colectivo, estos autores se hicieron famosos por la creatividad con que abordaron la fotografía, logrando que este medio se integrase poco a poco en la corriente más popular del arte contemporáneo.

Después de graduarse en el California Institute of the Arts en 1974, donde recibió clases de John Baldessari, entre otros, comenzó a sentirse atraído por algunos de los precursores de la fotografía artística como Walker Evans, Paul Strand o László Moholy-Nagy. Tras probar suerte con la pintura, el collage y el vídeo, en 1976 decidió continuar su formación fotográfica de forma autodidacta. Por aquel entonces comenzó a experimentar con diferentes técnicas, entre las que se incluyen el revelado de polaroids al calor de un horno o en el interior de un frigorífico, así como la fabricación de una cámara de cartón improvisada a partir de una caja de zapatos.

A mediados de los años setenta, Welling adquirió una cámara Polaroid con la que tomó fotografías como Lock y Clock. Lock, la fotografía de un tablón de madera apoyado contra una pared queWelling utilizaba para atrancar la puerta de su estudio, se ha convertido en una imagen fundamental, en la que confluyen varias de las claves de su obra: simplicidad, quietud y rigor con un mínimo de artificio, yuxtaposición de luz y sombra, y primeros planos parciales del objeto fotografiado. Lock demuestra también el interés del artista por evocar la materialidad de un objeto; los nudos y las vetas en la superficie del tablón en este caso, pero también, en obras posteriores, la textura y el tacto del papel o del terciopelo, por ejemplo. Más o menos en la misma época, Welling hizo varias fotografías nocturnas de edificios en Los Ángeles, en las que no solo mostraba su fascinación por la teatralidad de la ciudad iluminada, sino que también establecía, por primera vez, conexiones entre los edificios y las cámaras, las ventanas y los objetivos. La serie Diary/Landscapes combina el diario manuscrito de su tatarabuela, los recuerdos hallados en dicho diario, tales como hojas secas, plumas, etc., y fotografías de paisajes tomadas cerca de la casa de sus padres en Connecticut.

A Welling siempre le ha interesado la relación entre la fotografía y la pintura y, cuando se trasladó a Nueva York a finales de los setenta, pintó varias acuarelas. Estas obras, que se centraban en espacios imaginarios, rincones de habitaciones y paisajes sombríos, y que estaban muy influidas por la lectura de los poetas franceses Stéphane Mallarmé y Charles Baudelaire, prefiguraban la escala y el tono de fotografías posteriores, como las de la serie Aluminium Foils. En 1979, mientras trabajaba de cocinero, Welling decidió fotografiar papel de aluminio y durante tres meses se enfrascó en la labor de crear una larga serie de obras y de experimentar con la superficie de las imágenes sometiéndolas al calor, agrietándolas o sumergiéndolas en tinta marrón. El grado de detalle de estas pequeñas gelatinas de plata, que desencadenan todo tipo de asociaciones desde noches estrelladas hasta paisajes lunares, contribuye a subrayar la precariedad de la imagen.

Otras obras de juventud que se pueden ver en esta exposición, como la prueba de grabado que Welling hizo en su primer año en la escuela de arte o la serie de fotogramas de sus propias manos titulada Hands (1975), ponen de manifiesto cómo experimentaba con la técnica. Los collage tienen un contenido evocador que suscita asociaciones biológicas y orgánicas, y juegan con la escala y la perspectiva. Durante este período, Welling estaba interesado en aprovechar el potencial imaginario de los objetos comunes y se sintió cautivado por una enigmática fotografía de alto contraste que gozaba de gran popularidad cuando él era joven y que se conoce como Jesus in the Snow.

El dibujo Uncle Lou's Coat (1967) se relaciona con una figura que posiblemente fue fuente de inspiración para la carrera de Welling: el hermano de su abuela era fotógrafo amateur y, en los años cincuenta y sesenta, el padre de Welling había utilizado su vieja cámara de fuelle Speed Graphic para hacer las fotos familiares.

A principios de los años ochenta, Welling empezó a trabajar en la primera de varias series de fotos de cortinas, primeros planos de paños de terciopelo cuidadosamente dispuestos, que eran más sutiles y menos efectistas que los Aluminium Foils. Al principio, fotografiaba el terciopelo sin más, pero pronto pasó a colocar objetos sobre él y a experimentar con finas láminas blancas de masa de hojaldre que parecían hojas de papel antes de acabar esparcidas por el tejido. En ciertos aspectos, estas obras recuerdan a esos fondos de terciopelo que se utilizan en los anuncios de artículos de lujo de las revistas, aunque no reflejan más que el aura de una suntuosa elegancia. A Welling le interesaba menos representar un objeto que centrarse en lo que podían sugerir las imágenes y, a este propósito, cita a Edgar Allan Poe: 'Yo no deseo pintar la cosa que existe, sino el efecto que produce'.

Posteriormente, el artista retomaría el motivo de las telas, pero esta vez recurriendo a un simple paño negro, no aterciopelado; fotografiándolas primero con una Polaroid en blanco y negro y luego con una película gráfica de alto contraste, que proporcionaba una imagen más tecnológica y sin adornos. Al mismo tiempo, todas estas imágenes conectan con la idea originaria del Renacimiento de que un cuadro es como una ventana que se abre al mundo, aunque, como en este caso, la vista permanezca oculta tras una cortina. En consecuencia, se obliga a los espectadores a recurrir a la imaginación con la ayuda de títulos tan evocadores como The Waterfall y Wreckage, de tal manera que los copos blancos podrían parecer, por ejemplo, páginas arrancadas de un libro, imágenes de un naufragio, restos arqueológicos o incluso picos de montañas nevadas. Por otra parte, el espectador se encuentra ante una imagen donde la superficie cobra una mayor presencia y hace que destaquen la textura de los paños, el pixelado de la imagen digital e incluso la calidad del papel fotográfico.

La relación entre contenido y medio de representación -como, por ejemplo, el contraste entre los papeles de aluminio arrugados, los pliegues de las telas y la superficie lisa de las fotografías- es, para Welling, un campo de investigación habitual, igual que la relación entre la fotografía y la pintura.

Mientras que las fotografías de trozos de gelatina burdamente cortados muestran uno de los elementos que, tradicionalmente, se utilizan en el proceso de revelado -durante el cual una suspensión de sales de plata disueltas en gelatina cubre el papel- los Degradés son imágenes en color que se han creado en el cuarto oscuro, sin la ayuda de una cámara, manipulando la exposición a la luz del papel fotográfico. Cliché Verre (1985), de un rojo brillante, pertenece a una época en la que Welling estaba descubriendo el proceso fotográfico; en este caso, utilizando una lámina de cristal que pintaba o rayaba y que luego copiaba por contacto. Al igual que en los cuadros monocromos y abstractos, los motivos tradicionales o los espacios imaginarios son reemplazados por una mayor atención a los materiales auténticos y reales (en este caso, al papel y a su proceso de producción). En términos fotográficos, Welling nos recuerda que, por transparente que sea el medio, no deben ignorarse sus propiedades físicas.

Las formas de Tile Photographs recuerdan a la historia de la pintura geométrica abstracta y da la impresión de que la intensidad y la fuerza de los Aluminium Foils, por ejemplo, ha sido reemplazada por un motivo formal más lúdico. Unas teselas de plástico negro arrojadas caprichosamente sobre un fondo blanco crean variaciones potencialmente infinitas de formas aleatorias que recuerdan la importancia del azar para los principales artistas modernos, incluyendo a Marcel Duchamp y Jean Arp. Las propias pinturas negras de Welling fueron compuestas también aleatoriamente a partir de una técnica similar utilizada por el artista cuando fabricaba fotogramas en su cuarto oscuro. Con cuidado, colocaba círculos negros de cartón museo sobre el lienzo, trazaba sus siluetas y rellenaba meticulosamente los contornos con el fin de crear una serie de pinturas minimalistas en blanco y negro. La ligereza de los Sky Paintings, realizados a mano alzada, ofrece un claro contraste con estas pinturas negras y con sus primeras obras.

A lo largo de su carrera, pero sobre todo durante este primer período de experimentación, Welling ha llevado a cabo una investigación sobre la capacidad de la fotografía para generar imágenes legibles e incomprensibles a un tiempo. Centrándose en motivos simples y repetitivos, consigue sortear la dependencia de la fotografía respecto de su contenido para llegar a algo que se aproxima a la esencia de la percepción, es decir, a la forma básica en que la mente/ojo organiza aquello que vemos. El deseo de Welling de profundizar en cómo vemos más que en lo que vemos, junto con su reducido, pero muy específico, catálogo de temas, evoca en el espectador una amplia gama de asociaciones personales que hacen que las imágenes que vemos en nuestra mente sean más reales que el contenido en sí.

SOBRE EL ARTISTA

James Welling nació en Hartford, Connecticut (EE UU) en 1951. Obtuvo sus títulos de grado y de máster en Bellas Artes en la influyente escuela de arte CalArts (California Institute of Fine Arts), donde estudió con el artista John Baldessari, junto con contemporáneos suyos de la talla de David Salle, Matt Mullican y Jack Goldstein. En 1995 Welling se trasladó a Los Ángeles para dirigir el departamento de fotografía de la Facultad de Arte en UCLA, donde todavía vive y trabaja.

La obra de Welling se puede ver en los principales museos de todo el mundo, entre otros, en el Centre Georges Pompidou de París; en el Los Angeles County Museum of Art de Los Ángeles; en el Metropolitan Museum of Art, The Solomon R. Guggenheim Museum y elWhitney Museum of American Art, los tres de Nueva York; y en el Metropolitan Museum of Photography de Tokio.

Entre sus exposiciones individuales más recientes figuran Picturing the Studio, School of the Art Institute of Chicago (Chicago, EE UU, 2009); New Pictures 3: James Welling, Minneapolis Institute of Arts (Minneapolis, EE UU, 2010); y James Welling, The Wadsworth Atheneum Museum of Art (Hartford, Connecticut, EE UU, 2012); en 2013 el Fotomuseum Winterthur, en Suiza, acogerá una muestra individual sobre el trabajo del artista.

Entre sus exposiciones colectivas más recientes están The Pictures Generation, 1974-1984, en el Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE UU, 2009); After Architects, Kunsthalle Basel (Suiza, 2010); Anti-Photography, Focal Point y The Beecroft Art Gallery (Southend-on-Sea, Reino Unido, 2011) y 101 Collection: Route 3, CCA Wattis Institute for Contemporary Arts (San Francisco, EE UU, 2012).