_VIGILGONZALES se complace invitarlos a visitar Ways of disappearing, exhibición individual de Gonzalo Hernandez (Lima, 1991) en el Instituto Cultural Peruano Norteamericano (ICPNA) ubicado en Lima, la capital peruana, curada por Máx Hernández Calvo.
Hernández revisita los recorridos de diversos artistas peruanos contemporáneos, como Gloria Gómez-Sánchez e Iván Esquivel Naito, para seguir tensando su conceptualización sobre el devenir de una carrera artística, es decir, su continuidad o su “forma de desaparecer”.
Dando continuidad a un debate sobre el éxito y el fracaso en el campo del arte que entre Gonzalo Hernández y Máx Hernández Calvo tiene más de 10 años, la exhibición propone un marco meta-reflexivo del campo intelectual, sirviéndose del efectivo procedimiento del distanciamiento que habilita la apropiación y su correspondiente reelaboración histórico-artística.
Ways of Disappearing, por Max Hernández Calvo
Más allá de sus ofuscaciones filo-místicas y del glamour de sus eventos de alfombra roja, el mundo del arte es un campo laboral....Partiendo de esa premisa, Gonzalo Hernández plantea la pregunta por la sostenibilidad de una carrera en las artes, tomando algunos ejemplos de artistas peruanos de gran relevancia crítica que, no obstante, decidieron retirarse del mundo del arte. ¿Qué motiva a un/a artista, no a producir arte, sino a continuar produciéndolo, a insistir en una carrera creativa que, tal como sugiere su investigación de larga data sobre el éxito y el fracaso en el mundo del arte, no tiene punto de llegada, sino que es un interminable andar?
Las “maneras de desaparecer” que Hernández ronda revelan que la cara oculta del éxito no es el fracaso, sino el “burnout”, el síndrome de desgaste profesional que, en el campo del arte, tiene la particularidad de no estar asociado a una carga laboral externamente impuesta, ni al tedio del trabajo rutinario de una oficina, ni al agotamiento físico propio de las tareas de una fábrica.
La obra Video Success (2023) opera como marco del proyecto: una grabación de una entrevista que me hiciera el artista sobre el éxito en el campo del arte, retomando una conversación que tuvimos sobre el mismo tema una década atrás, donde la continuidad de la pregunta esconde la pregunta por la continuidad.
Dicha pregunta atraviesa la muestra y es especialmente aparente en los ejemplos arte-históricos que examina. Uno es el de Gloria Gómez-Sánchez, una de las más célebres artistas de la vanguardia de los 1960 quien luego de su exposición de 1970 abandona el campo artístico. En Gloria Gómez-Sánchez Hernández reproduce la emblemática obra Sin título (1970) en la que la vanguardista invitaba al público a hacer de su propia vida su obra, dejando entrever el “cambio de la estética por la ética” que la llevaría a dejar de exponer. Al darle otra condición (de arte desmaterializado a obra objetual) y otro estatus (de declaración místico-conceptualista a referente arte-histórico), Hernández hace suyo el mensaje de Gómez-Sánchez a la vez que toma distancia de él. El texto se convierte en imagen, su mensaje en archivo, su invitación en historia.
Iván Esquivel Naito es otra de las figuras abordadas. Esquivel, un destacado artista con una importante obra conceptual desarrollada en video e instalación, desaparece del mundo del arte hacia mediados de los 2000, en pleno auge de su carrera. Hernández reproduce la instalación TV/Set video (2003) de Esquivel (en la colección del MALI), una de las últimas obras conocidas de este artista que junto con Fernando Bryce, Gilda Mantilla y Sandra Gamarra, formaban los “4 puntos cardinales” del arte contemporáneo peruano proyectado al futuro, tal como lo recogió aquella importante serie de exhibiciones individuales en la Sala Luis Miró Quesada Garland en 2001. Hernández deja así abierta la pregunta por la producción y la carrera potencial de Esquivel (tomemos en cuenta que los otros tres puntos cardinales han participado en la Bienal de Venecia, hito en una carrera artística internacional).
En otra obra, se pregunta por Esquivel, a quien el artista intentó contactar, infructuosamente. De cierta forma, al iconografizar la poco conocida instalación de Esquivel—quien por un par de años quedó fuera del supuesto “boom” del arte contemporáneo peruano—, se hace patente lo que ese proceso dejó fuera: formas no-carreristas de ser artista y producir arte que, paradójicamente, habilitaron dicho proceso en primer lugar.
Hernández parece ubicarse a sí mismo en esa misma encrucijada en una serie de obras que hablan de todo aquello que forma parte de su vida, impactando en el interminable “camino al éxito” artístico (sea comercial, crítico, institucional, etc.). Sin título (2024) está formado por gorros bordados con nombres de profesoras y amigas que influyeron en su vida y su decisión de carrera, mientras que Autorretrato con Cayetana y Autorretrato con Cayetana 2 (ambas 2024) muestran al artista con su pequeña hija. Tratándose de una producción material altamente mecanizada (tejidos Jacquard, bordados computarizados), ésta presupone la diferenciación entre la labor física de producción y el trabajo conceptual de diseño, apuntando por ende a las condiciones subyacentes de la producción, circulación y consumo de obras de arte.
En ese sentido, la pregunta planteada aquí es por la sostenibilidad de una carrera artística, sobre todo en un sistema precario como el nuestro que depende fundamentalmente del mercado (a diferencia de lo que ocurre en otras latitudes). Ello se traduce no solo en la inestabilidad financiera y la falta de seguridad laboral para artistas (a fin de cuentas el mercado es pequeño), sino en los implícitos límites a las experimentaciones artísticas que caen fuera del radar del mercado o que se alejan de sus preferencias estéticas, temáticas, materiales o técnicas: algunas de las muchas “maneras de desaparecer”.
En el fondo Ways of Disappearing es un alegato de Gonzalo Hernández a favor de otro tipo de pacto para nuestro sistema artístico, uno que no condene a tantas personas que apuestan vitalmente por el arte a la desaparición.
SOBRE LA GALERÍA | TEXTO IDENTITARIO
_VIGILGONZALES galería se concibe como una galería de arte contemporáneo, con espacios ubicados en los Andes peruanos, Santo Domingo y Buenos Aires, en los cuales se propone promover la agencia de artistas dentro de la escena latinoamericana y global. La galería está concebida como un sitio de investigación e intercambio cultural, disciplinario y de conocimiento.
En el marco de una producción artística global donde las preguntas y motivos planteados forman parte de una incógnita común, _VIGILGONZALES promueve la exhibición de artistas radicados en América Latina y Estados Unidos. El propósito se basa en hacer visibles los "dialectos" -marcados por las regiones donde trabajan los artistas- que conforman el lenguaje contemporáneo del arte. Al igual que los artistas que conforman nuestra nómina, _VIGILGONZALES se ha planteado como un nodo activo dentro de la escena internacional.
SOBRE EL ARTISTA
GONZALO HERNÁNDEZ | b. 1991, Lima, Perú
Gonzalo Hernández (Lima, Perú, 1991) es un artista multidisciplinar cuya obra ahonda en narrativas personales relacionadas con dilemas contemporáneos como el trabajo, el éxito y el fracaso, el mundo del arte y la identidad. Como inmigrante, sus obras de instalación, pintura y textiles son muy particulares desde su perspectiva, al tiempo que abordan asociaciones culturales más amplias.
Desdibujando las fronteras entre el arte y la vida, Hernández encuentra la verdad y el significado en lo que pasa desapercibido, utilizando los encuentros cotidianos con el texto, el lenguaje y el material como forraje para interpretaciones simbólicas.
Gonzalo Hernández estudió en la Escuela de Artes Visuales Corriente Alterna y tiene un M.F.A. y un M.A. del Savannah College of Arts and Design en Fibras y Pintura. Entre las exposiciones individuales y colectivas recientes en las que ha sido parte se encuentran "Notas", VIGIL GONZALES - Cusco (2022), "Almost There", Laundromat Art Space - Miami (2021), "SIH", The End project space con Todd Schroeder-Atlanta (2021),"):)", SCAD Museum of Art, (2020); "F.F.A.
Corp" - Hen House (2019); "Factory 1. 1" - Alexander Hall (2018); "Java"- La Vitrina de la Oficina m20 Hotel Savoy, Lima (2019); "Sorry Not Sorry: Posiciones, disposiciones y oposiciones" - curada por Max Hernández CCPUCP, Lima (2020); "Threaded" curada por Mark Newport y Maria-Elisa Heg MCC Art Gallery, Arizona (2019) y "The Artist as Muse" Gutstein Gallery curada por Ariella Wolens y Ben Tollefson (2019). También formó parte del primer programa de Residencia Chuquimarca en el verano de 2020, Longroad Projects Erie Residency en noviembre de 2020, Kate-Ferri Projects en noviembre de 2021.
Entrada actualizada el el 19 mar de 2024
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