A vista de pájaro: las noticias destacadas de la semana

El ciclo Imagen Futura regresa con Ayana V. Jackson para desaprender la mirada colonial

Madrid, España – El ciclo Imagen Futura, en colaboración con PHotoESPAÑA, vuelve con una edición dedicada a fotógrafos que confrontan críticamente la realidad. En su primera sesión, la artista Ayana V. Jackson (Nueva Jersey, 1977) presentará su trabajo, centrado en reimaginar archivos coloniales para cuestionar su legado visual. La charla, moderada por María Santoyo, directora de PHotoESPAÑA, tendrá lugar en el auditorio de la sede y se transmitirá en streaming, con traducción simultánea en inglés y español.

Jackson, cuya obra forma parte de colecciones como las del Museum of Fine Arts de Boston y el Studio Museum in Harlem, utiliza la fotografía para explorar la diáspora negra y deconstruir retratos del siglo XIX. En series como The Phantom Limb Wakes (2025), reescenifica imágenes históricas, interpelando al espectador sobre raza, género y poder. «Su práctica desafía la autenticidad de los archivos y revela cómo la fotografía ha perpetuado estereotipos», explica Santoyo.

Bajo el lema Después de todo, PHotoESPAÑA 2025 aborda temas urgentes como el poscolonialismo, la memoria histórica y la justicia social. «La fotografía no puede ser neutral ante estas cuestiones», destaca la organización. El ciclo incluirá dos encuentros más con artistas internacionales, cuyos nombres se anunciarán próximamente.

El evento, de acceso gratuito hasta completar aforo, contará con medidas de accesibilidad como bucle magnético y lengua de signos. Una oportunidad para reflexionar, desde el arte, sobre cómo miramos —y reconstruimos— el pasado.

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Getxophoto 2025 explora el exceso de imágenes en la era digital con su tema "REC"

Vizcaya, España – Del 29 de mayo al 22 de junio, el Festival Internacional de Imagen Getxophoto celebrará su 19ª edición bajo el título REC, cerrando una trilogía conceptual que comenzó con PAUSA (2023) y PLAY (2024). Bajo la curaduría de María Ptqk, el evento abordará la sobreproducción de imágenes, los desafíos de la inteligencia artificial y la construcción de memoria visual en un mundo hiperconectado. Con una veintena de exposiciones —la mayoría al aire libre— en espacios icónicos de Getxo como el Mercado de Algorta y las Galerías Punta Begoña, el festival reunirá a artistas de Japón, Ghana, Turquía y Argentina, entre otros países.

Destacan proyectos como Short-Term, But Long-Term del italiano Federico Vespignani, que exhibe 500 fotos publicadas por soldados israelíes en apps de citas durante el conflicto en Gaza, o The Great Offshore del colectivo RYBN.ORG, que documenta paraísos fiscales con imágenes filtradas por el Consorcio Internacional de Periodistas. También resuena la obra de la pionera feminista Yevonde, la polaca Zofia Rydet —con su archivo de 20,000 retratos domésticos— y la turca Sabiha Çimen, quien retrata escuelas coránicas desde una mirada íntima y antiexotizante.

El programa incluye actividades innovadoras como el Multi-fotomatón (retratos múltiples inspirados en los años treintas), la Encerrona Vol. 12 —un debate con expertos internacionales sobre la saturación visual— y la app Friends de Marc Lee, donde «amigos virtuales» persiguen al usuario. Además, habrá visitas nocturnas, talleres familiares y hasta un helado rojo en forma de botón REC, creado en colaboración con Gelatil.

Con certificación de Evento Sostenible del Gobierno Vasco y un enfoque interseccional, Getxophoto reafirma su compromiso con el arte accesible y crítico. «En un mundo de registro extremo, preguntamos: ¿cómo distinguir entre acumular archivos y construir relatos?», señala Ptqk. Una cita imprescindible para repensar el futuro de la imagen.

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Markus Linnenbrink transforma Es Baluard y Casal Solleric en un viaje sensorial

Palma (Illes Balears), España – El pasado 29 de abril de 2025, el Es Baluard Museu y el Casal Solleric inauguraron la exposición WHATWETHINKASINSIGNIFICANTPROVIDESTHEPURESTAIRWEBREATHE, del artista alemán Markus Linnenbrink (Dortmund, 1961). Por primera vez, ambas instituciones colaboran en una muestra que ocupará espacios no convencionales, convirtiendo la arquitectura en parte esencial de la experiencia artística. Las instalaciones site-specific de Linnenbrink desafiarán la percepción del espectador, invitándole a sumergirse en un diálogo entre color, memoria y entorno.

Linnenbrink, conocido por su exploración del espacio a través de la pintura, utiliza técnicas como el dripping y la acumulación de pigmentos para crear superficies dinámicas que fluyen y se sedimentan en los recovecos de las salas. «Su obra no se limita al lienzo, sino que habita el vacío, transformando el aire en un elemento tangible», explica el equipo curatorial. El título de la exposición, tomado de una canción de Stevie Wonder, refuerza su filosofía: lo aparentemente insignificante encierra la esencia más pura de nuestra existencia.

El artista concibe el vacío no como ausencia, sino como presencia activa. Sus intervenciones cromáticas obligan al público a ejercitar una mirada atenta, donde cada goteo de pintura y cada transparencia se convierten en huellas de un proceso efímero. «El color es un vehículo para la memoria y la emoción», señala Linnenbrink, cuya obra —presente en colecciones como el SFMOMA y el Hammer Museum— ha sido exhibida en la Bienal de Pekín y galerías de Nueva York, Berlín y Madrid.

Esta exposición, que podrá visitarse hasta finales de agosto, promete ser un recorrido sensorial que cuestiona cómo nos relacionamos con el arte. «No se trata solo de observar, sino de habitar la obra», destacan los organizadores. Una oportunidad única para descubrir cómo Linnenbrink convierte lo fugaz en eterno y lo invisible en protagonista.

Reyes Martínez asume la presidencia de LaVAC para impulsar el arte contemporáneo valenciano

València, España – Reyes Martínez, directora de la galería Set Espai d’Art, ha sido elegida como la nueva presidenta de la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunitat Valenciana (LaVAC), relevando a Rosa Santos, quien ocupó el cargo durante ocho años. Santos continuará en la Junta Directiva como tesorera, mientras que el resto del equipo lo completan Jorge López (Galería Jorge López) como subdirector, Amalio Vanaclocha (Vangar) como secretario, y Olga Adelantado (Luis Adelantado) e Ignacio Bofarull (La Mercería) como vocales.

LaVAC agrupa actualmente a 16 galerías de la región, la mayoría radicadas en València, como Alba Cabrera, Thema, Tuesday to Friday, Benlliure y Shiras Galería, junto a espacios de Alicante (Isabel Bilbao) y Castelló (Cànem). Esta red busca fortalecer el tejido artístico local y promover el coleccionismo, consolidando a la Comunitat Valenciana como un referente en el circuito del arte contemporáneo.

Desde la asociación destacan que su labor continuará centrada en la difusión cultural, con proyectos como Abierto Valencia 2025, una cita que dinamiza el sector con exposiciones y actividades en galerías y espacios alternativos. Martínez, conocida por su trabajo en la escena emergente, ha expresado su compromiso con la innovación y la internacionalización del arte valenciano, sin perder de vista el apoyo a los artistas locales.

Con esta renovación, LaVAC afronta un nuevo ciclo marcado por los retos de la pospandemia y la creciente competencia global. La apuesta, según Martínez, pasa por «tejer alianzas y explorar formatos híbridos que acerquen el arte a nuevos públicos». Un desafío que la asociación abordará con una junta diversa y el respaldo de un sector en plena efervescencia.



2ª Bienal das Amazônias: Un manifiesto verde-distancia desde el Sur Global

Belém, Brasil – Del 29 de agosto al 30 de noviembre de 2025 se llevará la 2ª Bienal das Amazônias, un evento que bajo el la brújula ética del ’verde-distância’ un concepto que propone un diálogo sensorial entre geografías, cuerpos e historias de las regiones panamazónicas y caribeñas. Inspirada en la obra Verde Vagomundo del escritor Benedicto Monteiro, la bienal busca tejer una narrativa colectiva a través de la oralidad, los sueños y las cosmopolíticas, explorando ritmos y afectos del territorio como formas de conocimiento.  

Al frente de esta edición está un equipo curatorial diverso y transnacional: la ecuatoriana Manuela Moscoso, directora del CARA (Nueva York), asume la curaduría principal con un enfoque colaborativo; la colombiana Sara Garzón, especialista en decolonialidad y ecocrítica, es la curadora adjunta; el activista paraense Jean da Silva coordina el programa público desde la perspectiva de la justicia climática; y la mexicana Mónica Amieva, referente en arte-educación, lidera la curaduría pedagógica. Juntos, proponen un espacio donde el arte contemporáneo actúa como ecosistema de reciprocidad entre saberes ancestrales y prácticas actuales.  

«El sueño es tecnología», afirma Moscoso, destacando cómo la memoria y la imaginación configuran vínculos con el territorio. La bienal se construye desde la escucha—de relatos andinos, sonidos del río, luchas urbanas—, buscando transformar el cuerpo en un campo de resonancia. Artistas y colectivos de la región presentarán obras que desafían la mirada extractivista, destacando tecnologías indígenas y formas de vida en equilibrio con la naturaleza.  

Con una identidad visual creada por Priscila Clementti y Bonikta—que captura los matices del verde amazónico—, la bienal es financiada bajo la Ley Federal de Incentivo a la Cultura de Brasil por empresas como Nubank, el Instituto Cultural Vale y la petrolera Shell, una de las empresas que más daño le han hecho a la Amazonía y al planeta. Más que una exposición, la bienal pretende erigirse como «un manifiesto desde el Sur Global», donde el arte revela la Amazonía no como un vacío, sino como un «territorio vivo y político».

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Entre poética y activismo: El Premio Braque relanza su legado con una muestra curada para el presente

Buenos Aires, Argentina – Desde el 5 de abril y hasta el 1 de junio, el MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo acoge la exposición de la sexta edición del Premio Braque, un certamen histórico que desde 1963 ha impulsado la carrera de grandes nombres del arte argentino. En esta ocasión, ocho artistas —Paula Castro, Lucas Di Pascuale, Hoco Huoc, Josefina Labourt, Lucrecia Lionti, Valeria Maggi, Lucía Reissig y Santiago O. Rey— presentan obras creadas especialmente para la convocatoria, bajo la curaduría de Alejandra Aguado y Francisco Lemus.

El Premio Braque, relanzado en 2013 por la UNTREF y la Embajada de Francia en Argentina, no solo distingue a un ganador con una residencia de tres meses en París, sino que también funciona como plataforma de visibilidad para todos los participantes. «El proceso de selección y acompañamiento es clave: buscamos diversidad de formatos, estéticas y representación federal», destacó Aníbal Jozami, rector emérito de la UNTREF. Los curadores trabajaron estrechamente con los artistas, guiando sus propuestas hacia una exhibición cohesionada que refleja las inquietudes del arte actual.

Entre los ejes curatoriales destacan la revisión crítica de la historia del arte, las políticas de género y el vínculo entre creación y activismos. «Celebramos trayectorias que desafían los cánones y exploran la cultura visual desde perspectivas disruptivas», señalaron Aguado y Lemus. El jurado, compuesto por especialistas argentinos y franceses, evaluará no solo la calidad técnica, sino también la capacidad de las obras para dialogar con el contexto global.

Con más de seis décadas de historia, el Premio Braque sigue siendo un puente cultural entre Argentina y Francia. «Este certamen consolida la amistad entre nuestros países y subraya el rol transformador del arte», afirmó Frédéric Depetris, consejero cultural de la Embajada de Francia. La exposición, que ya es un referente ineludible en la escena local, promete «perturbar» —en palabras del homenajeado Georges Braque— con su mezcla de poética y reflexión política.


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DNA: El archivo digital que convierte la memoria palestina en un acto de resistencia imposible de borrar

Gaza, Palestina – En respuesta a la destrucción sistemática del patrimonio cultural palestino, la iniciativa DNA: A Code of Life and Identity, liderada por ArtZone Palestine, ha emprendido una misión audaz: recrear digitalmente cerca de 800 obras de arte perdidas durante décadas de conflicto, desde la Nakba de 1948 hasta la actual guerra en Gaza. Este archivo virtual no solo documenta la pérdida, sino que desafía las nociones tradicionales de originalidad y permanencia del arte. «No se trata solo de preservar imágenes, sino de confrontar el borrado cultural y reafirmar nuestra identidad», explica Mahmoud Abohashash, miembro asesor del proyecto.

El proyecto aborda una paradoja histórica: mientras las fuerzas de ocupación buscan aniquilar la cultura palestina, su propia lógica de deshumanización choca con el valor intrínseco de estas obras. «La noción misma de ir a luchar contra «animales humanos» contradice la noción de secuestrar obras de arte creadas por esos «animales», ya que eso quitaría a la víctima la etiqueta de inhumana que justifica el incalificable salvajismo del verdugo presenciado por el mundo.», cuestiona ArtZone en su manifiesto. Las piezas sobreviven únicamente como fotografías en teléfonos móviles o recuerdos compartidos, transformándose en testimonios digitales que interpelan al mundo.

La iniciativa va más allá de la conservación. Invita a artistas y pensadores a reinterpretar las obras perdidas, convirtiendo el archivo en un espacio vivo de creación colectiva. «Estas réplicas digitales no son copias, sino artefactos primarios de resistencia", subraya Abohashash. El proyecto cuestiona el fetichismo de la obra única: en la era digital, la reproducción infinita se convierte en un acto de inmortalidad política, imposible de silenciar con bombas.

Mientras museos en Gaza son reducidos a escombros y los museos alrededor del mundo guardan silencio, DNA propone un giro radical: el arte no muere, se transforma. Las obras, ahora libres de fronteras físicas, circulan globalmente como símbolos de una identidad que persiste. «Recuperamos el derecho a recordar», afirma Abohashash. En un mundo donde lo digital suele asociarse a lo efímero, Palestina demuestra que, a veces, la pantalla es un posible refugio de la memoria.