Con cinco décadas de trayectoria artística, buena parte desarrollada en el extranjero, el artista catalán Antoni Miralda (Terrassa, Barcelona, 1942) es el creador de una obra de carácter público y lúdico que ha convertido un acto tan universal como la comida en un universo creativo y ritual.

Entre prolongados viajes a Miami -donde pasa largas temporadas- y México, le entrevistamos con motivo de su recién clausurada exposición en la galería SENDA de Barcelona, donde bajo el título "Miralda Tres Projectes (NYC-MIA-BCN)", se ha presentado una síntesis de su forma de trabajar, mostrando algunos de sus trabajos ceremoniales más complejos de su trayectoria artística comprendidos entre 1989 y 2018 a través de vídeos, collages y fotografías. 

Para Miralda la acción artística se torna expresión de un sentimiento propio de pertenencia al mundo. Un mundo por el que no ha dejado de viajar de manera incansable, desde aquella primera salida al París de los sesenta, en la búsqueda de la consecución de nuevos y arriesgados proyectos. Fruto de este esfuerzo y constancia ha conseguido el reconocimiento del público y la crítica tanto fuera como dentro del país.

A continuación la entrevista con este artista multidisciplinario, quizás el más versátil y genial de la vanguardia española de los últimos 50 años. 

ARTEINFORMADO (AI): Ha regresado a la galeria SENDA de Barcelona con una exposición que constituye una síntesis de su forma de trabajar. Con una obra predominantemente efímera y en la que la implicación de los participantes es fundamental, se plantea una gran dificultad a la hora de ser expuesta. Aunque ha quedado más que demostrado que sí puede ser resuelto el problema como se ha visto con ocasión de sus grandes muestras en el Reina Sofía y el Macba. ¿Podemos interpretar esta exposición como un nuevo desafío y una apuesta fuerte por esta galería en la que no exponía desde 2002? ¿Es su única galería representante? ¿Qué papel han desempeñado las galerías en su carrera artística?

Antoni Miralda (AM): Exponer en una galería obras que pertenecen a lo efímero, a la participación y al espacio público es una contradicción con la cual es interesante dialogar. En el caso de la galería SENDA, decidímos el concepto de tres proyectos/tres ciudades y la manera de presentar los collages, dibujos y vídeos de forma que intentaran conversar con la estética urbana propia de los tres proyectos presentados. El propósito de la exposición fue reflexionar de qué manera hacer público mi archivo.  

En estos últimos veinte años, he estado colaborando con tres galerías españolas: SENDA (Barcelona), Moisés Pérez de Albéniz (Madrid) y PalmaDotze (Els Monjos, Barcelona) y puntualmente, desde los años sesenta, se presento mi trabajo en galerías como Hanover (Londres), Naviglio (Milán), Richard Gray (Chicago), Holly Solomon (Nueva York), Galerie de France (París), entre otras; debido al tipo de obra y al mercado, la mayoría de las veces fue una sola exposición o instalación y no hubo continuidad. 

AI: Ahora que ha repasado parte de su trayectoria en esta exposición, en ella se puede decir que 'el reto' es uno de sus sellos identitarios ya que el tipo de propuestas que siempre le han interesado son muy complejas y revestidas por su espíritu de estreno perpetuo y de investigación permanente, sin olvidar, que a menudo transcurren en largos periodos de tiempo y requieren la asistencia de un grupo numeroso de colaboradores, además de la cooperación de los espectadores. En este sentido, ¿qué proyecto de todos los realizados a lo largo de su dilatada carrera considera que ha sido el más arriesgado y complejo? ¿Por qué? 

AM: El proyecto más complejo ha sido Honeymoon, quizás por el concepto del enamoramiento entre dos monumentos y símbolos antagónicos: la Estatua de la Libertad de Nueva York y el Monumento a Colón de Barcelona, y por su planteamiento de seis años de duración entre dos marcos históricos, 1986 y 1992. 

AI: Llevar a cabo ese tipo de propuestas tan al margen del contexto institución y del contexto artístico no ha debido ser nada fácil, sobre todo, cuando comenzó a trabajar, en los sesenta y los setenta, donde como ha reconocido, "todo le era mucho más complicado en términos de relaciones con instituciones". Para ello, entonces, ¿habrá tenido que buscar su propias fuentes de patrocinio o financiamiento? Con ello, vendría a demostrar, ¿que un artista puede desarrollar su obra al margen de los dictados de la economía del arte?

AM: Sí, cuestión de supervivencia… En cada propuesta fue necesario replantear el sistema o reinventarse. 

The Last Ingredients, Faena procession Tide by Side, Miami Beach, 2016. Foto Toma Loewy. Cortesía Archivo Miralda / FoodCultura

AI: Siempre ha estado en su forma de entender el arte el "salirse del ámbito convencional" y extender su trabajo en "otro tipo de plataformas", lo que le ha permitido reflexionar sobre la capacidad de transformación que el arte posee más allá de los recintos museográficos cerrados. Sin embargo, como suele suceder, también en su caso, el reconocimiento llega precisamente de ese ámbito convencional, del contexto institución y del contexto artístico más mainstream, a modo de grandes exposiciones en museos, participación en las principales bienales, obras en grandes colecciones públicas y privadas y los premios más importantes. ¿Al final el sistema artístico "convencional" le engulle a uno y es inevitable ser otro comensal de su mesa? ¿Por qué casi siempre el arte, digamos contestatario u outsider, como es el suyo en origen, que no fue pensado ni creado en primera instancia para ser expuesto y vivido en el museo acaba dentro de sus muros? ¿La mejor etapa de un artista es cuando es desconocido y no siente presión alguna?

AM: Como bien dices, vivimos y trabajamos en una eterna contradicción, pero hay varias maneras de exponer en los museos, todo depende del tipo de institución: si se trata de un Museo de Cera, donde cada pieza viene explicada o si resulta una institución abierta e implicada por la interacción y educación de los que la visitan. Las presiones y limitaciones vienen del control y de la regulación del espacio público por parte del sistema, que se alimenta de orden y seguridad. 

AI: Para muchos Vd. es quizás el creador español más versátil, ingenioso y genial de nuestra vanguardia del último medio siglo. Por su parte, Vd. en alguna ocasión ha dicho que "más que el reconocimiento lo que me interesa es que la obra sea entendida ya que los artistas acostumbramos a tener problemas para comunicar lo que hacemos y para expresar los mensajes de las obras. Soy muy feliz al ver que se conectan todas estas cosas, aunque sea una contradicción con la obra misma". Además, con motivo de la concesión del Premio Velázquez de Artes Plásticas 2018, declaraba que "este premio es una puerta abierta y es el diálogo lo que entra". Entonces, ¿abriga la esperanza de que gracias al aura y notoriedad de que se ha revestido a su obra con grandes muestras en el Reina Sofía y Macba así como con recientes premios como el Velázquez y el Arte y Mecenazgo el entendimiento de su obra será mayor por parte de las futuras generaciones de artistas, historiadores, investigadores, coleccionistas? 

AM: Sí, espero que mis exploraciones sobre monumentos, comida y rituales sean disfrutadas y formen parte de una futura reflexión y crítica. 

AI: "No se puede concebir arte sin comunicación, porque toda obra tiene que tener un mensaje", le gusta argumentar. ¿Recurrir a un humor mordaz, con el que invita a reflexionar sobre los hechos del mundo contemporáneo es una de las fórmulas artísticas que mejor hace calar ese importante mensaje con el que criticar y denunciar temas de gran calado como el acto de comer, y sus consecuencias?

AM: ¡Bien dicho!

AI: También ha declarado que los galeristas con los que ha trabajado han acabado siendo amigos y los coleccionistas aún más. "Que es un tejido en donde todo se conecta y entrelaza". Y que el contacto con el coleccionismo privado ha sido interesante y difícil, y, al mismo tiempo, que han entendido que no es solamente una obra enmarcada. ¿Puede ser un buen ejemplo de coleccionista amigo el mecenas argentino Alan Faena con el que ha colaborado en distintas ocasiones, como en "Tide by Side", la procesión artística que celebró la apertura de Faena District Miami Beach, en diciembre del 2016, o la más reciente con una recreación en Buenos Aires (la tercera) del mítico proyecto "Internacional Tapas Bar & Restaurant", que impulsó en los 80 en un naciente y todavía barrio industrial como era el neoyorquino Tribeca? ¿Con qué otros coleccionistas o mecenas ha colaborado también de forma habitual?

AM: En la exposición de la galería SENDA, se presentaron tres proyectos procesionales realizados a través de diferentes formas de patrocinio. Uno de ellos es la procesión The Last Ingredients, que formó parte de Tide by Side, comisariado por Claire Tancons con el objetivo de celebrar el opening del Faena Forum de Rem Koolhaas de Miami Beach. La obra fue el resultado de más de un año de preparaciones, ajustes y cambios, ademas de tres meses de producción intensa con el equipo de Faena y justo en el último mes, decidí integrar y tunear la imagen del sponsor oficial en la misma procesión… Explico este proceso para que se entienda que todo proyecto forma parte de un complejo sistema de engranaje, en el que se suman participantes, equipos técnicos, amigos, patrocinadores, coleccionistas, agentes urbanos…formando una obra colectiva. 

AI: El Internacional fue una instalación artística y culinaria al mismo tiempo, una pieza colectiva que se alimentaba de la interacción, que además le sirvió de laboratorio y de taller de trabajo, sobre la cual ha llevado a cabo un libro de artista, gracias al referido Premio Arte y Mecenazgo 2015 de la Fundació 'La Caixa'. Más allá de lo que simboliza dicho proyecto en su trayectoria, ¿qué importancia le concede a su pareja Montse Guillén, no solo como co-autora de dicho proyecto, sino también en el surgimiento del FoodCulturaMuseum una especie de museo/archivo/centro de investigación, que ha puesto en marcha desde finales de los noventa, u otros proyectos?

AM: El concepto de El Internacional nació de la fusión entre arte y cocina, y se nutrió de la propia historia del lugar que escogimos, Montse y yo, para ubicar el restaurante. Fue un proyecto pensado y compartido con ella desde el principio: el concepto de las tapas, la idea de que los menús fueran cambiando, el espacio performativo... Montse y su equipo llevaban la estructura del restaurante (compra, cocina, servicio, bar, recepción de los clientes, etc.). Yo, con un equipo más reducido, nos encargamos de la transformación del espacio (interior y exterior), de los eventos, las participaciones con otros artistas, publicaciones (periódicos y menús), objetos… Lo más interesante es que, dentro de El Internacional, se fusionaba todo: tapas, clientes, objetos, camareros, video-menú, música, performance, "blue margaritas", celebraciones, coreografía...

El International Tapas Bar & Restaurant - Tribeca Coronation, New York, 1985. Foto Peter Aaron - OTTO. Cortesía Archivo Miralda / FoodCultura

AI: Siguiento con colaboradores entre otros están artistas como Daniel Spoerri, Joan Rabascall, Dorothée Selz y, de forma continuada, con Jaume Xifra. ¿Cómo surgen y cómo valora estas colaboraciones? ¿Qué otros artistas de su generación así como de posteriores le interesa su obra?

AM: Estas colaboraciones, sobretodo en el caso de Dorothée, Jaume y Joan al principio, dieron paso a reflexionar sobre el color y su simbolismo, sobre el espacio y la participación, el gesto y la convivialidad, y de todas estas implicaciones surgió la serie de Ceremoniales que se realizaron del 1969 al 1975. 

Me interesa especialmente la obra de los artistas (o no artistas) que reflexionan en torno el rito, la mesa, el banquete, la ocupación festiva y ritual de los espacios públicos, como el desfile o el carnaval, los conflictos entre el poder y la alimentación… 

AI: Volviendo a ese icónico local que consiguió transformar un restaurante en una auténtica obra de arte, en todo un experimento antropológico, y que no sólo revolucionó a los artistas del Manhattan de la época, sino también a foodies y gastrónomos, en alguna ocasión se le ha tildado de Antropólogo cultural. ¿Sus obras tienen más de proyectos artísticos o de experimentos sociales? ¿O es una mezcla al 50%?

AM: Mejor pongamos un 33% de proyecto artístico, otro 33% de experimento social y un último 33% de una mezcla de suerte, caos, intuición, obsesión...

AI: El arte como experiencia y una mezcla de cosmopolitismo e identidad le ha permitido generar su universo personal a lo largo de cinco décadas de fértil trayectoria artística. Buena parte de dicha trayectoria creativa la ha desarrollado fuera de nuestro país. En la década de los 60 vivió en Paris, entre los 70 y 90 en Nueva York, siendo, quizás su residencia más prolongada y más intensa, y, en la actualidad reside entre Barcelona y Miami. Como escribía Umberto Eco en 1985: "Miralda corre por todo el mundo para recrear el viejo ritual de la celebración". De manera breve. ¿que le han aportado artística y vitalmente cada una de esas ciudades?

AM: Mi disco duro está lleno de vivencias y experiencias. Imposible de describir de manera breve...

AI: Su primera exposición pública fue en Londres en el Instituto de las Artes en 1966 y su última en la Galería Senda con la que comenzábamos esta entrevista, además, también ha realizado en noviembre un proyecto en Nueva York, en el marco de Performa 17 en un homenaje a Christo & Jean Claude, y el pasado mes de abril  tomó las calles de Barcelona para diseñar una acción artística con la que festejar  el 175 aniversario de la histórica tienda de moda Santa Eulàlia. ¿Su mejor proyecto está por llegar? ¿Hay alguno que no haya podido realizar y le gustaría hacer? 

AM: Despertarme una mañana de un día de 34 horas…