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El Museo de Bellas Artes de Santander creó e ideó El Puente de la Visión en 1996 con el objetivo de apoyar las nuevas generaciones artísticas. En 2005 se inició un nuevo formato, más ambicioso, con una nueva complicidad coproductiva institucional, llevada adelante entre el Museo de Bellas Artes del Ayuntamiento de Santander y la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte del Gobierno de Cantabria, bajo la dirección y propuesta ... del primero, en las sedes del propio Museo y las Casas del Águila y La Parra de Santillana del Mar. Consolidado el proyecto en todos los sentidos, caracterizado por su consistente continuidad, su multiplicidad, su calidad, su internacionalización, su integración con un referente de trabajo, su integración de talentos, su salto cualitativo y cuantitativo cosmopolita..., El Puente de la Visión sigue con su identidad y sus criterios de trabajo, con constantes mejoras, de año en año, y donde pintura, escultura, intervenciones espaciales, instalaciones, fotografía, videocreación, nuevas tecnologías, arte sonoro..., conviven con naturalidad desde 2005, contando cada artista con su propio y diferenciado espacio -se trata de exposiciones individuales dentro de un proyecto múltiple, y no colectivo-, como concepto fundamental del proyecto. Multiplicidad y unidad, desarrollado también en todos los catálogos, con aparatos críticos diferenciados, como también sucede en el presente.

Hay por lo tanto unidad en la multiplicidad, asunto que se manifiesta de edición en edición, multiplicidad de soportes, ideas, generaciones..., manteniendo cada cual su propia personalidad y creatividad en su propio espacio. Y también ya son un buen puñado de artistas bien diferentes los que vienen participando del proyecto, acercándose al medio centenar. En 2005 con la holandesa Irene van Mheen, el francés Stephen Dean, el guatemalteco Luis González Palma y los españoles Cristina Lucas, Juan Carlos Robles, Naia del Castillo, Mabel Arce, Berta Jayo, Manu Arregui y Esteban de la Foz. En 2006 con Concha García, Gorka Mohamed, Nuria Canal, Paloma Navares, Juan Carlos Bracho y Mateo Maté, además de la japonesa Kaoru Katayama, la portuguesa Catarina Campino y la sueca Miriam Bäckström. En 2007 con Juan Navarro Baldeweg, Mario Rey, Jorge Rojo, Ángeles Agrela, Vicente Blanco y Rufo Criado, junto con el argentino Juan Erlich, el portugués Baltazar Torres y el francés Pierre Gonnord. En 2008, con los alemanes Stephan Kaluza y Alexandra Ranner, la chilena Magdalena Correa y los españoles Florentino Díaz, Marta Espinach, Paloma Álvarez de Lara y Javier Arce. En 2009 con Ruth Morán, Ana Díaz, Concha Pérez, la portuguesa Marta Bernardes, Rosalía Banet y la argentina Nicola Costantino.

La edición de 2010 la protagonizan otros seis artistas. En las Casas del Águila y La Parra de Santillana del Mar, magnífico ámbito de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte del Gobierno de Cantabria, exponen su obra Fernando Gutiérrez, Alexandra Aguiar y Raúl Hevia. El asturiano Fernando Gutiérrez lleva a cabo una excelente intervención, todo un mural de dibujo -que se dispersa entre distintos ámbitos con continuidad-, desarrollado directamente en la pared, tras varios días de trabajo in situ, donde todo se mueve de forma lúdica y controlada, una fantástica composición de imágenes y figuras de esencia arqueologista, mundo imaginario de criaturas bosquianas, viaje irreal y mágico, versátil y dinámico. Raúl Hevia nos presenta un trabajo -Nunca volverás a casa- que funciona como instalación, la única que se aleja del dibujo y la línea, pero proyecto de total sutilidad que engarza al resto, con total unidad de intención, siempre desde la atalaya del ensayo sobre lo cotidiano, la memoria, la infancia, el viaje, su inteligente y lineal sutilidad emocional narrativa. La portuguesa Alexandra Aguiar, que vive y trabaja en Nueva York, propone con una serie de dibujos seleccionados, un ideario de sustrato escultórico de enorme lirismo y delicadeza, orgánicos y, especialmente, antropomórficos, intuitivos y directos.

En el Museo de Bellas Artes de Santander se expone el trabajo de Moisés Mahiques, Ruth Gómez y Tilo Schulz. Del valenciano Moisés Mahiques se ha seleccionado un gran repertorio de sus dibujos de líneas puras, limpieza ocasionalmente rota al superponerse a campos cromáticos planos y claros que otorgan a sus trabajos de cierta tridimensionalidad, con series de un gran dinamismo y actualidad. De Ruth Gómez se ha construido y presentado diferentes obras -vinilos, dibujos, videocreaciones-, su particular mundo fresco, actual, directo, dinámico y divertido, profundo y reflexivo, de distintas series, con una continuidad emanada de su propia experiencia. Por fin, del alemán Tilo Schulz, se han trabajado dos intervenciones, desarrolladas también para El Puente de la Visión: una intervención directa a las paredes, tras varios días de trabajo en el propio Museo; y una instalación bella y silente, más de setenta dibujos en la sala del fondo, con su magnífica serie Looking of the mountains of desire... También en el Museo, se ha trabajado que los artistas ubicados en Santillana, estuvieran también presentes, con algunas piezas y pequeñas intervenciones.

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De Ruth Gómez por Tania Pardo: 'La realidad nunca es certera, podríamos definirla como arbitraria y, paradójicamente, subjetiva. Precisamente son la realidad y el tiempo dos de los conceptos fundamentales sobre los que versa la obra de Ruth Gómez. Desde sus primeros trabajos -Te sobrealimentas (2003), El artista de la vida moderna (2004) y El asesino de su persona (2003)- la preocupación por temas como la enajenación del individuo en la sociedad contemporánea y el hastío de lo rutinario eran presentados en vídeos de formato loop donde la técnica trascendía al mensaje. Sin principio, sin final. Una metáfora de la rutina cíclica de nuestros días. Pero con el paso del tiempo, sin dejar de utilizar los rasgos característicos de su obra, la artista es plenamente consciente de su uso metafórico. Si estas obras primigenias se presentaban sin respuesta, como estados anímicos a los que estaba condenado el individuo, ahora parece que éstos tienen una vía de escape a través de la ilusión y la fantasía, planteados como lugares posibles (...)/. El trabajo de Ruth Gómez no es autobiográfico, sino una extensión de su propia experiencia que no deja de ser la nuestra. Su mundo está poblado por los mismos personajes que aparecen reiteradamente en su obra, como una metáfora más de los diferentes roles que ocupa el individuo en nuestra sociedad. Porque las inseguridades (Animales de compañía, 2005; Bubble Bobble, 2005), la vanidad (Magic Mirror's Slaves, 2007), el ego, el amor (Caleidoscopio, 2009; Cariño, 2009 o Amor, 2007), etc. se convierten aquí en proyecciones compartidas. Donde realidad y la ficción se entremezclan en estas pequeñas historias animadas. Esta exposición, por tanto, trata de cuestionar nuestras propias contradicciones porque, como afirma Ruth Gómez, 'el mundo real, quizá, es menos importante que el mundo que necesitamos', pero ¿a quién le importa ya la realidad?'

De Moisés Mahiques por Inés Obregón: 'Y es que lo que subyace en la obra de Moisés -que aunque no sea el leitmotiv de su obra, es inherente a la misma en cuanto a que, como ser humano, no se puede desprender de un modo de ver la vida (gajes de haber nacido)- es una puesta en evidencia de lo que él percibe como la realidad actual circundante, que agita la pulsiones de las personas. Sobre todo la superproducción actual. Como es el caso del bombardeo de información, de objetos, de residuos, a los que dedica obras a modo de bodegón./ Si ya resulta difícil describir o transcribir las preocupaciones de Mahiques sin subjetivarlas, es decir, sin aportar adjetivos accesorios que inconscientemente dejen ver la postura de quien escribe, supongo que no lo será menos a la hora de representarlas plásticamente. De hecho creo que es imposible. Aún así Moisés aplica sus técnicas para acercarse a la objetividad. Su fin no es moralizar. En los dramas cotidianos sus personajes están representados con una especie de máscara neutra.'

De Tilo Schulz por Salvador Carretero: 'Mirando las Montañas del Deseo, admiro con mucha curiosidad un ámbito de silencio seco, de realidad irreal, un tránsito físico e intelectual que personalmente ubico en la soledad y silencio del desierto..., en el vacío y plenitud referenciales, incluidos sus alientos misteriosos. (...) /Cada página, cada papel, cada dibujo, es un nuevo fotograma a través del cual su puede mirar la montaña del deseo con emoción en el silencio, sin principio ni fin -desparramado-, de pincelada única, construcción deconstruida, de desarrollo oriental, cadena, eslabón a eslabón, de sugestiones fragmentadas, intervalos sin solución de continuidad, donde principio y fin se identifican, y coexisten, donde un papel no existe sin el otro (...)/ La emotiva y perfecta hilera montañosa es pespunte y ovillo sin fin de alientos que unen teoría y praxis, cielo y tierra, fino hilo de seda, frágil, de orgánica referencia esquemática oriental. Es línea infinita hacia la que deseas acercarte, sobre la que anhelas transitar y habitar, que separa ámbitos aparentemente diferentes, tierra y aire, realismo y abstracción, siempre livianos, ligeros, tan ligeros que parecen lo mismo, sólo lo parecen, como la realidad, que sólo parece, como la abstracción, que sólo lo parece, nomadismo absoluto -intelectual, físico, sensorial...- en paisaje perpetua y eternamente cambiante.(...)/ Identidad y alteridad orientalista como referencia (Cheng), puente de la visión que trasciende la materia (Delacroix), donde vacío y la plenitud son uno, duende de la dinámica de la ausencia en su plena continuidad narrativa lineal, misteriosa espiritualidad de ermitaño comprometido de la montaña del deseo, donde se impone la curiosidad, interiorizada y transformada hacia la totalidad.'