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La galería Espacio Mínimo presenta The Pipe and the Flow, un proyecto comisariado por Omar López-Chahoud que, partiendo del concepto de analogía, muestra el trabajo de ocho artistas de distintas nacionalidades -Olivier Babin (Francia), Eduardo Basualdo (Argentina), Jonathan Ehrenberg (USA), Tommy Hartung (USA), Jamie Isenstein (USA), Marepe (Brasil), Suzanne McClelland (USA) y Sam Moyer (USA)- que combinan materiales y planteamientos de diferente naturaleza pero, al mismo tiempo, emparentados.

El trabajo de OLIVIER BABIN (Francia, 1979), evoca analogías a través de procesos simples que revelan, a la vez que eliminan, aspectos de la realidad. Como Hail (2010), una de las obras expuestas, que consiste en media bolsa ... de papel que el artista ha frotado con grafito contra la pared de su estudio, y que se exhibe suspendida del techo por un hilo de pesca. Girando a la deriva como una oscura nube en el horizonte, este móvil transforma un símbolo de la cultura de consumo en una poética y delicada obra de arte.

EDUARDO BASUALDO (Argentina, 1977), presenta una escultura y una serie de dibujos donde explora la formación psicológica de una 'contradicción'. Sus obras tratan de la infinita distancia presente entre dos cuerpos que intentan ocupar el mismo espacio. Basualdo presupone una barrera insalvable entre dos seres, una barrera que coexiste con la voluntad de minimizar esa distancia y que sólo hace explícita la naturaleza hermética del ser humano.

JONATHAN EHRENBERG (USA, 1975) alterna los trabajos videográficos con obra sobre papel empleando tinta, acuarela y collage. En sus vídeos, el artista utiliza materiales como yeso, tela y cartón para crear ambientes y texturas que semejan pinturas tridimensionales habitables. Mientras que sus escenarios, personajes y tramas son estilizados y surrealistas, mantienen un sentimiento profundo de verdad emocional. Seed (2010) es un vídeo basado, parcialmente, en una fábula japonesa que trata asuntos de transformación y, además, en La Nariz, obra de Nikolai Gogol. En Seed, un hombre comienza a perder partes de su cuerpo mientras adquiere las de un árbol. A medida que su identidad cambia, se enfrenta a una nueva e inquietante realidad.

TOMMY HARTUNG (USA, 1980), emplea en sus vídeos efectos lo-fi que se han convertido en técnicas estándar de la historia del cine. Su práctica emplea iluminación y materiales cotidianos para crear una narrativa visual que apunta hacia asuntos políticos tales como la ascensión del imperialismo. Hartung expone Stay Golden Ponyboy (2010), un vídeo con referencias a Johnny y Ponyboy, los protagonistas de la clásica novela de adolescentes de S.E. Hinton (posteriormente adaptada al cine por Copolla), The Outsiders. El vídeo continúa la investigación del artista sobre la historia del cine como una herramienta para la narración dramática y visual.

JAMIE ISENSTEIN (USA, 1975), es conocida por su trabajo que difumina las barreras entre performance y escultura, así como por el uso de su propio cuerpo como ready made. Para The Pipe and the Flow, presenta un libro de 365 páginas, una por cada día del año, encuadernado a mano, expuesto sobre un pedestal desde el que recibe la luz de una lámpara de rayos UVA que, a lo largo de la exposición, oscurecerá el libro y lo hará cambiar de color. Esta escultura, basada en el cambio, sirve de analogía entre el libro y el paso del tiempo.

MAREPE (Brasil, 1970), transforma objetos útiles en reflexiones poéticas. Sus trabajos tratan sobre el carácter híbrido de las formas culturales de Brasil, procedentes de tradiciones africanas y europeas. Para The Pipe and the Flow, ha creado Génesis, una obra en la que combina objetos como botellas, cabacas y una red de pescar; objetos que, en conjunto, sirven como recordatorio de la rural economía de subsistencia brasileña.

SUZANNE McCLELLAND (USA, 1959), emplea el lenguaje para estructurar visualmente sus pinturas. Ella enfatiza las entradas extra-lingüísticas en las conversaciones para construir significados. De acuerdo con McClelland, el lenguaje debe coexistir con la pintura así como el mundo material confía siempre en el 'otro'. Nada es original ni autosuficiente, y el aislamiento no es una posibilidad... cada color está relacionado con otro y es contenido o reflejado en otra cosa, y cada chorro, cada mancha, cada punto y cada línea es una forma... esto es por lo que siempre retorno a la pintura.

SAM MOYER (USA, 1983), crea objetos que pueden parecer físicamente dispares, pero todos ellos intervenidos para devolver algún poder a los materiales, desafiando su uso natural, pero destacando, de hecho, su naturaleza. En su obra lo artesanal trata de emular lo natural, empleando como pinturas elementos de uso cotidiano como, por ejemplo, líquidos para limpiar hogares.

Como complemento a The Pipe and the Flow, en el ANEXO, la zona de proyectos de Espacio Mínimo frente a la galería, Lopez-Chaoud presenta dos proyectos individuales de dos artistas residentes en Nueva York: Franklin Evans y LaToya Ruby Frazier, cuyo trabajo se muestra por primera vez en España en esta exposición. Ambos artistas han participado recientemente en Greater New York 2010, exposición colectiva celebrada en el espacio PS.1 del MOMA de Nueva York.

FRAMKLIN EVANS (USA, 1967) centra su trabajo en el tiempo intermedio entre dos presentaciones de una pintura/instalación de suelo titulada Floornotes compuesta de imágenes digitales de trabajos anteriores, que funcionan como archivo y como estudio transicional, junto a imágenes digitales de otros artistas que Evans explora y, por último, textos relacionados con su proceso creativo dentro y fuera del estudio. Todos estos materiales han sido acumulados, principalmente en los últimos cinco años, y laminados para alargar temporalmente su vida. En Espacio Mínimo, Franklin Evans presentará los laminados originales mostrados en una reciente exposición institucional en Praga en contraste con las reimpresiones, capturadas digitalmente, de cada original presentado en la misma, pero sin laminar. El trabajo será expuesto principalmente sobre el suelo, sobre el cual el espectador es invitado a caminar, de modo que durante el tiempo de duración de la instalación, 'floornotesespaciominimo', cada una de las dos versiones se erosionará en diferentes grados.

LaToya RUBY FRAZIER (USA, 1982), muestra en Espacio Mínimo una selección de fotografías y un vídeo que formaron parte de su instalación en la recientemente clausurada Greater New York 2010 y que suponen el debut europeo de sus obras.

Frazier se centra en el paisaje, considerando sus alrededores como una extensión de sí misma. El trabajo examina el impacto del hábitat sobre el individuo, tanto psíquica como físicamente. Su ciudad natal, Braddock (Pennsylvania), es un clásico y trágico ejemplo de lo que ha quedado atrás en la inhóspita América postindustrial. Braddock no sólo está completamente gentrificado, sufriendo un desempleo masivo y con una población en declive, sino que también sufre al tener una de las atmósferas más contaminadas del país debido a décadas de polución industrial. El paisaje es literal y figurativamente tóxico. En el vídeo Self-Portrait (United States Steel), 2010, la artista muestra una imagen de espeso humo hinchándose desde la siderurgia junto a una imagen de sí misma, silenciosa frente a la cámara, respirando el aire contaminado, articulando así la relación entre el cuerpo y el ambiente que le da forma.

Del mismo modo que sus retratos de familia, sus imágenes de Braddock existen como un medio para investigar, examinar y recordar su linaje. Cada generación de su familia se corresponde con los principales periodos de la vida de la propia ciudad. Desde los años de prosperidad en los 30, a través del colapso de la industria del acero en los 60, hasta la huida de los residentes blancos y la subsecuente epidemia del crack en los 80, más que simplemente documentar el declive de la ciudad, sus fotografías resisten lo que ella describe como el borrado de la historia, tanto cultural como personal, como un resultados de las fuerzas duales de la indigencia y la gentrificación en Braddock. A veces Frazier captura lugares con un significado personal, documentando su experiencia del paisaje inseparablemente de sus recuerdos sobre él, permitiéndole presentar complejas imágenes que son tan públicas como privadas.

OMAR LÓPEZ-CHAHOUD es Máster en BBAA por la Yale Universty School en New Haven, CT y la Royal Academy of Art de Londres. Como comisario independiente sus exposiciones incluyen: Never Never Land en University Gallery, Florida Atlantic University, Boca Raton, FL y Museum of Contemporary Art, Tampa, FL ; Hash Brown Potatoes en Smack Mellon en Brooklyn, NY; Three Suitcases en Art and Idea en México D.F., NY/Prague6, en Futura Contemporary Art Center en Praga, República Checa; Lush Life, en Salon 94 en New York,, Invisible Exports, en Lehman Maupin Gallery en New York, Eleven Rivington, en On Stellar Rays Gallery en New York, entre otras. Es uno de los fundadores de The Brewster Project, un programa de instalaciones site specific en la ciudad de Brewster, NY (2001-2002). Ha escrito ensayos para diversas publicaciones incluyendo los catálogos para Dynasty (2006) y Rewind/ Re Cast/ Review (2005). Lopez-Chahoud ha participado en los paneles de comisarios del Artists' Space, Art in General, P.S.1, The Whitney Museum of American Art en New York City y fue crítico invitado en Art Omi 2007.