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La exposición ¡Volumen! coincidirá en el tiempo con otras dos selecciones inéditas de la nueva colección de arte contemporáneo: CaixaForum Madrid presentará a mediados del próximo mes de diciembre La persistencia de la geometría, mientras que el Guggenheim de Bilbao inaugurará a finales de enero El espejo invertido. Más adelante, en noviembre de 2012, CaixaForum Palma ofrecerá una nueva mirada a los fondos. Asimismo, el MACBA y la Fundación 'la Caixa' pondrán en marcha próximamente otros proyectos en común, con el objetivo de contribuir a aumentar la capacidad de generar conocimiento y sensibilidad hacia el arte más actual, así como de reforzar la difusión de la nueva colección y sus acciones en la escena del arte contemporáneo internacional.

La exposición que ahora presenta el MACBA proporciona un marco idóneo para profundizar en una de las principales líneas de trabajo del Museo: la exploración de las prácticas artísticas desde mediados del siglo pasado hasta nuestros días. Dentro de la programación del MACBA, esta idea ha nutrido un proyecto a largo plazo que, partiendo de un concepto orgánico y abierto de la Colección, ha conectado sus diversas presentaciones con exposiciones temporales. El interés del MACBA en la expansión de la percepción de las artes más allá de la visualidad, hacia el ámbito de lo sonoro y de la voz humana como materia de creación, se desarrolla también a través de la programación de Radio Web MACBA, los recursos online y las actividades de sus Programas Públicos.

La consolidación del sonido y de la voz

¡Volumen! propone una interpretación del paso del siglo XX al XXI en términos de cambio de paradigma material, sensorial y programático del arte. La exposición pone en duda los clichés que identifican el siglo XX como el «siglo de la imagen» y los años ochenta con la supremacía de la pintura («la gran ironía de la restauración de todo lo que se había eliminado y rechazado», como escribe Brian O'Doherty en el posfacio de su seminal Inside the White Cube). Por el contrario, sitúa en el centro del cambio de siglo la preeminencia de la escultura, que rechaza y supera los principios del minimalismo imperante hasta los setenta, y de la fotografía, que desborda definitivamente el concepto de documento a favor de una nueva dimensión estética.

¡Volumen! lee en el cambio de siglo la consolidación del sonido y de la voz como materiales de la producción artística. El nuevo modelo hunde sus raíces en los trabajos experimentales en formato cinematográfico y en vídeo, que conducen el arte hacia un lenguaje narrativo cada vez más independiente de la imagen. Sin embargo, hay que buscar los antecedentes de este interés en la poesía fonética dadaísta de principios del siglo XX y la poésie sonore y los experimentos letristas de los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. En los últimos tiempos, no solo la reflexión de teóricos como Roland Barthes o Mladen Dolar ha contribuido al interés del arte visual hacia el campo auditivo, sino también las nuevas posibilidades tecnológicas de grabación, alteración y reproducción de la voz. La relación entre voz e imagen, la experimentación vocálica, la voz interior y la voz del poder, son algunas de las aproximaciones a la voz humana que pueden trazarse en esta exposición.

Así, haciéndose eco de las innovaciones formales y materiales de las vanguardias históricas de principios del siglo XX, la práctica del arte contemporáneo ha destronado el ojo como sentido hegemónico y ha reinstaurado el oído en un cuerpo real. El cubo blanco, la «máquina de mirar» asociada al museo heredado del pasado, se resquebraja. El espectador, recorporizado, adquiere una calidad cuasi coreográfica y rompe sus límites con una multiplicidad de experiencias. La tridimensionalidad del volumen euclidiano (de la física clásica) deja paso al volumen de sonidos y voces. Este cambio de materia produce cambios profundos en el sistema perceptivo y en el comportamiento: a partir de la convención dominada por lo visual pasaremos a narrar una historia del arte multisensorial.

El recorrido por la narración que propone esta muestra está concebido de acuerdo con un diagrama circular, con imbricaciones que atraviesan los diferentes niveles. Se inicia, desde el punto de vista cronológico, en la planta 1 del Museo y desde allí se bifurca en dos direcciones: una que conduce del espacio visual de la pintura y la fotografía hacia el volumen escultórico, desarrollado principalmente en la planta 2; y otra que lleva hacia el volumen acústico, que se despliega sobre todo en la planta 0. En cada ámbito se va dilatando en una serie de superposiciones para constituir el humus poético de los distintos relatos y metáforas.

Los artistas presentes en la exposición son: Vito Acconci, Art & Language, Ibon Aranberri, Jean-Michel Basquiat, Samuel Beckett, Joan Brossa, Miquel Barceló, Xavier Basiana, Pierre Bismuth, K.P. Brehmer, Marcel Broodthaers, Luis Claramunt, James Coleman, Tony Cragg, Toni Cumella, Jean Dubuffet, Latifa Echakhch, Öyvind Fahlström, Luis Feito, Àngel Ferrant, Lucio Fontana, Gunther Förg, Peter Friedl, Ferran Garcia Sevilla, David Goldblatt, Luis Gordillo, Rodney Graham, Eulàlia, Richard Hamilton, Joan Hernández Pijuan, Roni Horn, Craigie Horsfield, Cristina Iglesias, Joan Jonas, Sejla Kameric, Anselm Kiefer, Manolo Laguillo, Les ready-mades appartiennent à tout le monde ®, Antoni Llena, Allan McCollum, Josep M. Mestres Quadreny, Henri Michaux, Manuel Millares, Joan Miró, Xavier Miserachs, Robert Morris, Rabih Mroué, Reinhard Mucha, Muntadas, Juan Muñoz, Bruce Nauman, Kristin Oppenheim, Jaume Orpinell, Pablo Palazuelo, Sigmar Polke, Florian Pumhösl, Joan Rabascall, Robert Rauschenberg, Xavier Ribas, Gerhard Richter, Dieter Roth, Thomas Ruff, Anri Sala, Antonio Saura, Jean-Louis Schoellkopf, Thomas Schütte, Allan Sekula, José María Sicilia, Michael Snow, Haim Steinbach, Thomas Struth, Antoni Tàpies, Jan Vercruysse, Moisès Villèlia, Jeff Wall y Akram Zaatari.