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El intervalo luminoso: The D.Daskalopoulos Collection es la primera presentación a gran escala de la D.Daskalopoulos Collection, una de las colecciones privadas de arte contemporáneo más importantes del mundo. La muestra, patrocinada por Iberdrola, incluye, a lo largo de la segunda planta y parte de la primera, aproximadamente 60 obras de unos 30 artistas que trabajan en diversos medios, con una especial atención a la escultura y a las instalaciones de grandes dimensiones. Fundamentada en un conjunto de piezas que datan de las décadas de 1980 y 1990 a cargo de reconocidas figuras como Louise Bourgeois, Robert Gober, Mike Kelley, Martin Kippenberger, Paul McCarthy, Annette Messager y Kiki Smith, la exposición también incluye proyectos de jóvenes talentos como Paul Chan, GuytonWalker, Nate Lowman y Wangechi Mutu. De esta forma, la muestra sumerge al visitante en un análisis certero de algunos de los desarrollos artísticos más notables de las últimas décadas. El intervalo luminoso: The D.Daskalopoulos Collection está comisariada por Nancy Spector, Subdirectora y Curator jefe, Solomon R. Guggenheim Foundation, y Katherine Brinson, Curator Adjunta, Solomon R. Guggenheim Museum.

El título de la muestra procede de los escritos del filósofo griego Nikos Kazantzakis (1883-1957), cuyo pensamiento ha sido especialmente influyente en la práctica coleccionista de Dimitris Daskalopoulos. Kazantzakis concebía la vida como un 'intervalo luminoso' durante el cual, lucha y desintegración son necesarias para la creación y el renacimiento. El intervalo luminoso: The D.Daskalopoulos Collection explora esta coexistencia de esperanza y desesperación en el seno de la condición humana, prestando especial atención a conceptos como alienación, trauma, identidad cultural o el cuerpo humano.

La D.Daskalopoulos Collection refleja el tenor de los tiempos, y muchas de las obras de esta muestra tratan de las crisis y éxitos de la vida contemporánea. Pese a que gran parte de las obras exhibidas derivan o aluden a contextos geopolíticos o sociales concretos, lo que Dimitris Daskalopoulos valora es que también puedan abordar al mismo tiempo cuestiones universales, especialmente la incuestionable capacidad de recuperación del espíritu humano.

Las grandes instalaciones que ocupan galerías enteras son una característica de la D.Daskalopoulos Collection, por lo que la presentación en Bilbao incorpora un número relevante de obras de una escala ambiciosa, tales como la catacumba de Thomas Hirschhorn, realizada con cinta de embalar y cartón, y titulada Hombre cavernícola (Cavemanman, 2002), la pieza en forma de corazón de Annette Messager Dependencia/Independencia (1995), la barroca escena de Wangechi Mutu en torno a los excesos del capitalismo de Exhumando la glotonería (Exhuming Gluttony, 2006/11) o el alucinatorio paisaje multimedia de John Bock Palms (2007). Estos caóticos entornos encuentran su contrapunto en el lenguaje formal opuesto, de contención rígida y límites geométricos, que se ilustra a través de ejemplos como el cubo electrificado de Mona Hatoum Perturbación de corriente (Current Disturbance, 1996), la retícula de alambre de cuchillas de Kendell Geers, Acrópolis ahora (Akropolis Now, 2004), o la vitrina vacía y los truculentos armarios clínicos de Damien Hirst titulados, respectivamente, El asmático escapó (The Asthmatic Escaped, 1992) y Los amantes (Amantes espontáneos ) (Amantes comprometidos ) (Amantes desapegados) (Amantes comprometedores) [The Lovers (The Spontaneous Lovers) (The Committed Lovers) (The Detached Lovers) (The Compromising Lovers ), 1991].

Muchas de las piezas de la muestra profundizan en las narrativas imperantes sobre la identidad nacional y cultural. El análisis poético de Steve McQueen sobre los conflictos del Congo y de Irak en Gravesend/Sin explotar (Gravesend/Unexploded, 2007); la visión de Rivane Neuenschwander de la disolución de las fronteras continentales titulada Contingente (2008); y las seductoras imágenes de Nate Lowman de Plataformas petrolíferas (Oil Riggs, 2005), tratan, directa o indirectamente, conflictos relacionados con los recursos naturales del planeta.

Por su parte, la pieza de Kutlug Ataman Küba (2004) evoca un complejo retrato de una comunidad a través de los habitantes de una barriada de chabolas a las afueras de Estambul, mientras que Los santos (The Saints, 2007), de Paul Pfeiffer, indaga en la dinámica de masas mediante la re-escenificación de un icónico partido internacional de fútbol. Leche corporal (Body Milk, 2003) de Alexandros Psychoulis y Me invadió un momento de pánico al pensar que yo podía tener razón (I Was Overcome by a Momentary Panic at the Thought that I Might Be Right, 2004) de Walid Raad/The Atlas Group presentan dos representaciones abstractas muy distintas de las secuelas de la violencia en Oriente medio.

Otro grupo de obras de la exposición indaga en los aspectos más íntimos de la identidad individual, con un especial acento en el cuerpo humano y sus diferentes estados de represión, fecundidad y descomposición. En algunos casos, ello se logra a través de la creación de siniestros sustitutos, como los lavabos, cunas y cestos transfigurados de Robert Gober, o los vaciados de espacios negativos que aborda Rachel Whiteread como estudios de la experiencia doméstica. En otros, como los inquebrantables esbozos de las funciones corporales de Smith, o el íntimo y ritualístico encuentro de Marina Abramovic con un esqueleto, lo que prevalece es una visceral sensación de inmediatez y cercanía. La exposición también incluye otro tipo de representaciones del cuerpo humano, que lo abordan de forma irreverente y subversiva, como es el caso del desmembrado Cabeza de tomate (burdeos) [Tomato Head (Burgundy), 1994] de Paul McCarthy, o de la sentimental 'conejita' derrotada de A la conejita se la juegan n.º 10 (Bunny gets snookered #10, 1997), obra de Sarah Lucas.