En 1679 Giovanni Battista Gaulli presentó los frescos que había realizado para la nave de la Iglesia del Gesù en Roma, obra maestra de la quadratura o ilusionismo arquitectónico. En ellos, el artista intercalaba figuras y arquitectura generando la sensación de que las personas representadas usurpaban el espacio de las presentes y que, a su vez, estos entraban en la obra al romper la dimensión marco/espectador. Nos hemos encontrado muchísimos casos a lo largo de la historia del arte en los que el artista introduce al espectador en la escena, lo seduce y lo orienta hacia lo que realmente le quiere mostrar. La persona penetra en la obra y su significación de la mano del artista.

Con el siglo XX se configura un nuevo modelo de marco o frontera, derivado de los avances tecnológicos propios del tiempo en que se configura. Este límite ... es, además, universal. El espectador como ser individual se difumina e incluso, llegado el caso, puede ambicionar y conseguir traspasar el marco y convertirse en contenido de la pantalla.

La anatomía es una ciencia que estudia la estructura de los seres vivos, es decir, la forma, topografía, ubicación, disposición y la relación entre sí de los órganos que las componen. En esta exposición se parte de una concepción orgánica de la pantalla. A diferencia de los frescos de Gaulli, las figuras que vemos o sentimos hoy a través de las pantallas no son ilusiones de realidad sino partículas de realidad que no necesitan de trucos para alcanzar significación... ¿o sí? El lenguaje fílmico también ha desarrollado sus propios trucos para llevar al espectador hacía lo que le desea ser mostrado, incurriendo así muchas veces en engaños que a nuestra percepción y reflexión pasan como realidades.

Las piezas de esta exposición nos pueden ayudar a reflexionar acerca de los puntos de fuga y catarsis existentes entre la pantalla y los seres humanos que inconscientemente conforman su anatomía. El tiempo, el espacio, la memoria, la imagen, los sentidos y la información son sólo algunos de los aspectos sobre los que invita a reflexionar la exposición, ya que conforman la anatomía de todas las pantallas del mundo a partir del espectador individual y su alter ego global. Xosé Vigil.

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Fiumfoto. Gijón (Asturias)

Fiumfoto es un colectivo centrado en la videocreación y el multimedia que desde hace años aporta su personal concepción de la realidad al circuito nacional de las nuevas expresiones artísticas.

Además comisarían y producen certámenes de arte como Arenas Movedizas; y el L.E.V. Festival (desde el Colectivo Datatrón), ambos en Gijón.

Multidisciplinares, inquietos y con una línea de producción creativa muy sólida, constituyen una de las propuestas más firmes e innovadoras del panorama actual.

Coincidiendo con el décimo aniversario de Ego tv, Fiumfoto recupera una de sus primeras obras específicamente para esta exposición. Es la precursora de trabajos posteriores del colectivo como Cabina de transformación, Se está mejor en casa que en ningún sitio y Homovidens. La instalación trata de dar voz al televisor. Se trata de cuatro pantallas de tv que hablan simultáneamente en primera persona y nos da una serie de consejos para sobrellevar mejor el ritmo frenético de información al que nos tiene sometidos.

Tamara Kuselman, Buenos Aires (Argentina)

Los intereses de Tamara Kuselman son diversos y variables. Durante el proceso de construcción de su trabajo, se modifican los elementos y se añaden con ellos nuevos significados. Es por eso que ella propone que se entiendan como una serie de puertas que se abren a más puertas. Muchas de sus obras se desarrollan alrededor de la idea de Representación en un sentido amplio: desde la representación ficticia en las artes escénicas o el arte hasta el comportamiento de las personas en la vida cotidiana. Explora las fronteras entre realidad y ficción generando situaciones en las que se confunden los límites entre estos conceptos. Suele trabajar en conjunto con colaboradores, muchas de sus performances se formalizan en publicaciones, vídeos e instalaciones, resumiendo la experiencia de los participantes. La audiencia tiene un rol activo en sus proyectos. El mensaje que se transmite al espectador tiende a confundirse con el comportamiento normal del contexto, dándole la posibilidad de cuestionarse su propio rol en el mismo.

En We all shine on dos actores, sin aviso previo al público, interpretan una escena de una conocida película de terror durante una inauguración en SMART Project Space (Amsterdam). La acción comienza en un lugar visible para los visitantes y luego se trasladan al baño de hombres donde mantienen una conversación que es grabada y proyectada en tiempo real en el cine del centro.

Performed by Jeremiah Fleming and Ralph De Rijke.

Daniel Zerbst. Braunschweig. (Alemania).

Artista de origen alemán residente en Cadaqués. Crea interactivamente pintura, escritura y videoarte. Con el macrocosmos como telón de fondo, combina diferentes estilos artísticos e históricos. Con sobriedad estética mezcla fondos históricos, geográficos y geológicos para tratar temáticas como la memoria, el recuerdo y el cambio. Es capaz de liberar los objetos de su función de utilidad y consumo, sometiéndolos a una descontextualización, 'con personajes en lugares, y lugares en personajes', buscando una metamorfosis que muestre una cadena de significados y asociaciones de lo real.

En The promised land vemos como hace uso de esa mezcla de personajes y lugares sobre diversos formatos y tamaños en búsqueda de una descontextualización de la imagen retenida en la memoria del espectador.

Phase Rem indaga en la composición del recuerdo y de la imagen mental, utilizando recursos fílmicos y narrativos para plantearnos un orden posible en un mundo onírico.