«El título “a(r)mour” nace del juego de palabras: armour (armadura en inglés) y amour (amor en francés). El encuentro con un objeto, una posible armadura, es el punto de inicio de este proyecto artístico que busca explorar la relación entre la vulnerabilidad y la protección.Me intereso en la idea de la armadura como objeto de “aislamiento” del mundo circundante, y según la parte del cuerpo que protege. La armadura es, pues, a la vez una defensa, una “transfiguración” del cuerpo en la que cuestionar las relaciones entre nuestro cuerpo -como el centro y espacio de previsible control- y en relación con los demás – periferia y espacio de incierto descontrol-. La dicotomía entre el interior-centro- y el exterior-periferia-no es tan evidente a la hora de relacionarnos con los demás y traspasar los límites de los cuerpos, cuando la proximidad y las distancias se acortan y se vuelven vulnerables. Dicho primer...objeto encontrado se convierte en un preludio, una prenda introductoria a una serie de esculturas textiles con las que busco un equilibrio entre la vulnerabilidad y la protección, deconstruyendo los conceptos para crear nuevos imaginarios. El objeto encontrado (armadura) es un pedazo de hierro oxidado que accidentalmente acabó pisado en una calle de Londres, ciudad en la que vivo. La pieza acaba adoptando una nueva forma y con el tiempo el objeto muestra su fragilidad por su delicado espesor. Después de días en el taller, imagino el objeto como una posible coraza en el cuerpo: la armadura que nos protege del mundo exterior y de nuestro propio mundo interior. Busco incorporar directamente mi cuerpo para imaginar nuevas formas de proximidad, cuidado, protección y vulnerabilidad, buscando el equilibrio de los cuerpos de forma tangible e intuitiva. La armadura nació con el propósito básico de proteger el cuerpo humano, blando y vulnerable en combate, pero ¿cómo es la armadura que construimos a nuestro alrededor? ¿Aquella que construimos día a día frente al pecho, protegiendo el corazón? ¿Cómo es la coraza en relación a mi cuerpo?
(Anna Ill, 2023)
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ANNA ILL
Vilanova y la Geltrú (1990). Vive y trabaja entre Barcelona y Londres. Sus obras forman parte de la colección Banco Sabadell (2018), en la Fundación Vila Casas (2021) y en la Mairie de Montrouge (París, 2018). Estudió el MA Art and Space en la Kingston University de Londres (2015-17) después de estudiar Arte Textil en la Escuela Massana de Barcelona, seguido de la École Boulle de París.
En 2022 con el apoyo de la Fundación Vila Casas y de la mano de Natàlia Chocarro presentó la exposición individual “Te Elissa devint Didon” en el Centro Cultural la Mercè de Girona. Recientemente, fue seleccionada por el Premio de Fotografía de la Fundación Vila Casas 2023; y ganó el premio accésit a la Bienal de Ezequiel Torroella 2023.
Su trayectoria comienza en 2015, siendo seleccionada en la Biennal JCE 2015-2017 con exposiciones itinerantes dentro del territorio europeo. En 2016, presentó su primera exposición individual “Inner” en la Gallery Sensei de Londres. En 2018 es seleccionada en el Premio <35Art (Sala Parés,Barcelona) y en la XXI Bienal de Arte Contemporáneo Catalán. En 2019, realizó una residencia becada en Túnez organizada para Jiser, y la exposición individual “Objective Chance” en L&B Gallery Barcelona. En 2020, recibió una beca de Producción de Obra de la Sala de Art Jove 2020; y participó en el Festival Inund’art 2020, donde ganó el 1er Premio Artpertot. En 2021, su vídeo “Losing touch” fue seleccionado dentro del programa de Vídeo Art Ten Little Indians 2021 organizado por MLAC, Sapienza Università di Roma y Khlab (Italia); y participó en la residencia digital “Into an uncertain present” organizada por AllArtNow (Suecia) con exposición en Canadá, Barcelona, Estocolmo, Nápoles, y Francia. Durante el verano 2021, participó en la residencia becada In-ruins en Calabria (Italia) y ganó el 2º Premio Escultura de la Fundación Vila Casas 2021 con la obra “Desaparecer hacia adentro”.
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Una obra artística no es ningún acertijo intelectual en busca de una interpretación o explicación. Se trata de un complejo de imágenes, experiencias y emociones que penetra directamente en nuestro inconsciente. Tiene un impacto en nuestra mente antes de ser entendido intelectualmente, o sin que nunca llegue a entenderse de ese modo. El artista encuentra un camino detrás de las palabras, conceptos y explicaciones racionales en su búsqueda repetida de un reencuentro inocente con el mundo. Las construcciones racionales sirven de poca ayuda a la búsqueda artística, puesto que el artista tiene que redescubrir repetidamente, una y otra vez, el límite de su propia existencia.
Juhani Pallasmaa
El reencuentro inocente con el mundo de la artista, Anna Ill se da en permanente movimiento, a través de los objetos que encuentra en su caminar.
A través de las obras conocemos los paisajes cotidianos que la artista camina, podemos imaginar donde detiene su deambular y ver aquello en lo que concentra su mirada. Las obras nos trasladan al momento del primer contacto con el objeto y nos cuentan cómo se despliega el enredo de las infinitas posibilidades de lo encontrado. Ese estado creativo asociado al movimiento errante o movimiento imperante se muestra hoy como el único modo posible de habitar la creación, en un planeta dañado.
En un ejercicio de desterrar la nostalgia, la pieza de hierro oxidada en el suelo de las calles de Londres que abre la muestra A(r)mour, deviene presente en el muro de la galería. Junto a otros objetos intervenidos física y poéticamente, sus relaciones se establecen únicamente en el presente, generando redes de significado y nuevas líneas de vida que permiten conciliar realidades sin aparente coherencia. Haciendo uso de la idea de Marilyn Strathern “Importa qué ideas usamos para pensar otras ideas”, la obra de Anna Ill nos recuerda que importa qué objetos usamos para pensar otros objetos.
Anna Ill siembra futuros con lo antiguo, no sólo con la resignificación de los objetos encontrados si no también a través de las prácticas textiles con las que restaura el presente de dichos objetos. En algunas de sus piezas utiliza de nuevo el encaje a la aguja a modo de juego de cuerdas [1] descrito por Isabelle Stengers, recogiendo el relevo que le es tendido para re-generar mundos.
A su vez, el ensamblaje de diferentes objetos en un mismo espacio genera mundos de múltiples planos de lecturas y relaciones, un mundo no cerrado sobre sí mismo, formando un sistema illiano, circularmente evolutivo que puede declinarse al infinito y acoge cambios de rumbo inesperados como sucede en: Teixint horitzons (Londres, 2023) Al igual que en sus primeras obras, aún cuando el cuerpo estaba ausente, Anna Ill lo defiende como el territorio de la experiencia de los límites entre el dentro y el afuera. En A(r)mour, las inercias que marcan esta relación de límites dan forma a la coraza, y ésta a su vez conforma el cuerpo. A su vez, la experiencia de los límites espacio temporales del cuerpo, rememora la coraza que el discurso cerrado y coherente impone sobre la práctica artística. La coraza de la cual la artista se desprende en realidad, Tránsit (Londres, 2023), trasciende los límites espacio temporales del cuerpo.
Lo que aprisiona y separa son el discurso lógico y la interpretación del miedo. Su huella conforma el vacío aun cuando está ausente. Importa lo que sucede al cuerpo para pensar otros cuerpos.
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[1] Stengers, Isabelle Relaying a War Machine? En The Guattari Effect cit. Donna J.Haraway, Seguir con el problema, Cap. 2 Pensamiento tentacular Edición consonni. Pgs 59-98.
Entrada actualizada el el 27 jun de 2023
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