Exposición colectiva con obra de: Aboudia, Emmanuel Amoo, Sofia Farjiani, Secundino Hernández, Isshaq Ismail, Hideaki Kawashima, Jordy Kerwick, Kwabena Lartey, Komla Letsu Philip, Roberta Lobeira, Rafa Macarrón, Hamid Nii Nortey, Samuel Olayombo, Matías Sánchez, Spencer Shakespeare Y Emmanuel Taku
AP House Madrid acoge "Art of the Present Future. Chapter 2.0", segunda edición de este proyecto cultural que trae a la escena madrileña a artistas que están alcanzando un gran reconocimiento internacional y que cuentan con alta demanda en el mercado.
El público tendrá la oportunidad de acercarse a la obra de autores africanos que están despuntando actualmente como Emmanuel Taku, Kwabena, Samuel Olayombo, Aboudia o Emmanuel Amoo y que han podido verse en España en contadas ocasiones. Junto a ellos se expondrán piezas de artistas internacionales como Sofia Farjiani, Isshaq Ismail, Hideaki Kawashima, Jordy Kerwick, Lartey, Komla Letsu Philip,Roberta Lobeira, Hamid Nii Nortey y Spencer Shakespeare. Además de tres de los grandes...nombres del arte contemporáneo español Rafa Macarrón, Secundino Hernández y Matías Sánchez, cuya obra se encuentra representada en las principales colecciones de nuestro país.
“Art of the Present Future” es un proyecto conjunto de Juan Alfaro y Daniel Cardani destinado a promover, mediante exposiciones temporales y otras iniciativas culturales, el coleccionismo de artistas internacionales emergentes y de media carrera. La exposición puede visitarse con cita previa en AP House (c/ Serrano, 66 - 3ª Planta, Madrid) de lunes a sábado de 10:00 a 14:00 y de 15:00 a 20:00 h hasta el 30 de junio de 2022.
LOS ARTISTAS
Aboudia -Abdoulaye Diarrassouba- (Costa de Marfil, 1983)
Nacido en Abiyán, capital de su país, creció durante una guerra civil, convirtiendo el sótano donde se refugiaba de la violencia en su propio estudio, pues declara haberse sentido siempre artista y haber pintado desde su infancia. Sus primeras fuentes de inspiración fueron los vecinos de Abiyán, los chicos jóvenes que jugaban en las calles de la ciudad. Tras una etapa donde la guerra influyó en sus obras, ha vuelto en la actualidad a una pintura más desenfadada y cotidiana.
Con una innegable herencia de grafiti y de Jean-Michel Basquiat, es uno de los exponentes actuales del arte africano. Sus obras se exponen en grandes galerías de todo el mundo, como en Saatchi (Nueva York) y están presentes en importantes colecciones como la Franck Cohen Collection (Londres).
Emmanuel Amoo (Nigeria, 2001)
Amoo nació en Nigeria en 2001. Actualmente está culminando sus estudios de arquitectura en la capital, Lagos, donde vive y trabaja. Desde muy joven consideró la creatividad como una forma de autoexpresión y en 2016 comenzó el desarrollo de su carrera pictórica. 2020 supuso un punto de inflexión al recibir las primeras buenas opiniones sobre sus obras a raíz de una muestra colectiva organizada por WeWork con motivo del “Mes de la Historia Negra. Un año después fue seleccionado para participar en la exposición “I No Be Gentleman (At All O)” en ADA Contemporary Art Gallery (Accra, Ghana). Actualmente simultanea sus estudios de arquitectura con su formación pictórica en All Souls High School, en Ibadan, Nigeria, después de haberse iniciado como autodidacta.
En sus obras, fundamentalmente retratos, explora las emociones, la ternura y la verdadera esencia de los sujetos retratados, captándolos en un momento concreto como si se hubiera congelado el tiempo.
Sofía Farjiani (Georgia, 1981)
Sofia Farjiani es una pintora conocida por sus pinturas abstractas mezcladas con elementos figurativos, ya que es única en su estilo personal. Criada en una familia formada por el famoso pintor georgiano Irakli Parjiani y la especialista en lenguas y literatura occidentales Asmat Parjiani, creció en Berlín, donde la familia vivió durante años. Pasó su adolescencia en París (Francia) y Basilea (Suiza) y después, a su regreso a Georgia, ingresó en la Academia de Artes de Georgia, donde continuó con su pintura.
Recibió educación sobre pintura, escultura y creación de un complejo contraste entre el arte y la ciencia. En muy poco tiempo había desarrollado habilidades en muchos campos que ahora se interpretan en su obra. Cursó una maestría en pintura, diseño y programación tras la cual se mudó a España para mejorar y diversificar sus habilidades. Al vivir allí durante cuatro años, la artista decidió hacer de Madrid su residencia de larga duración.
Secundino Hernández (Madrid, 1975)
Formado en las facultades de bellas artes de Madrid y Milán y comenzó a exponer en España. ARCOmadrid 2013 supuso un punto de inflexión en su carrera, reforzado con la siguiente edición de Art Basel que lo convirtieron en uno de los artistas españoles de media carrera más importantes. Actualmente reside y trabaja en Berlín (Alemania).
Su lenguaje, a veces lírico y a veces expresionista, en el que mezcla abstracción con algunas referencias figurativas que en ocasiones aparecen en sus obras, está lleno de gestualidad y energía.
Isshaq Ismail (Ghana, 1989)
Nacido en Accra, la capital de Ghana, vive y trabaja actualmente allí. Se formó en el Ghanatta College of Arts and Design y desarrolla una pintura colorista centrada en la representación grotesca de rostros por medio de pintura empastada y colores planos, usando tonos negros, marrones, azules, morados, verdes, ocres y rojos.
Pretende explorar con sus obras aspectos culturales y políticos de un mundo globalizado. Sus retratos suelen mostrar interés por el deseo, la resiliencia, el poder o la esperanza; esos rostros deformados por medio de la pintura intentan mostrar verdades universales sobre sociedades de todo el mundo.
Existe un deseo de subvertir el ideal de belleza a través de su pintura gestual de trazos gruesos y empastados, aludiendo a un hasta cierto punto críptico lenguaje infantil y lúdico que se convierte en una metáfora de los sentimientos.
Hideaki Kawashima (Japón, 1969)
Nacido en la ciudad japonesa de Aichi, después de graduarse de la Universidad Tokyo Zokei en 1991, Kawashima realizó dos años de formación en budismo en el Templo Hieizan Enryakuji a partir de 1995, y posteriormente comenzó su carrera como artista en 2001. Kawashima ha presentado su trabajo en numerosas exposiciones a nivel internacional y nacional.
En sus obras, a menudo expone las ambigüedades de la vida humana. Utilizando una paleta de tonos tenues, sus personajes abren los ojos al espectador transmitiendo un amplio espectro de emociones: miedo, deseo, angustia, melancolía. Su aspecto en ocasiones andrógino aporta un aspecto en cierto modo fantasmal a algunos de sus personajes, sin poder delimitar claramente la línea que separa el mundo físico del espiritual.
Kawashima desarrolla desde los años 90 una pintura que se relaciona con la de Yoshitomo Nara dentro de la corriente llamada “Superflat”, que se extiendo dentro del legado pictórico japonés dejándose influenciar por el Manga y el Anime.
Jordy Kerwick (Melbourne, 1982)
Las pinturas arenosas y densamente empastadas de Jordan Kerwick van desde inquietantes retratos figurativos y bodegones con inflexión cubista hasta obras más abstractas y gestuales en la línea de Franz Kline o Cy Twombly. El artista australiano autodidacta, que ahora reside en Francia, comenzó a pintar en 2016, “más o menos por capricho”, según sus propias palabras.
Kerwick se encontró rápidamente en el centro del éxito internacional: ha expuesto en galerías de Melbourne, Londres, Nueva York, Tokio y París. La práctica dispar de Kerwick abarca una gama de materiales que incluyen esmalte, acrílico, óleo, pintura para el hogar, aerógrafo, grafito y carbón. Las inspiraciones de los artistas incluyen bodegones históricos de arte, su familia, literatura, música y la ciudad de Los Ángeles.
Kwabena Lartey (Ghana, 1995)
Kwabena Lartey completó sus estudios en la Universidad Técnica de Takoradi en 2017, donde se centró principalmente en la pintura y el dibujo. Trabajó como tendero y técnico de mantenimiento en una fábrica de galletas en Accra. Aunque trabajar en la fábrica le dio menos tiempo para su propia práctica artística, pudo encontrar pequeños momentos para crear dibujos y pinturas hiperrealistas, que ahora permanecen en sus archivos.
Se inspira principalmente en Leonardo Da Vinci y en el artista ghanés moderno Emmanuel Adaimah. Del maestro renacentista obtiene la sensibilidad enigmática. De Adaimah adquiere la práctica de la ubicuidad de la vida de mercado en Ghana. Su trabajo se centra en la conexión entre las identidades de los cuerpos negros y los efectos de la injusticia en África Occidental y Estados Unidos.
Roberta Lobeira (México, 1979)
Nacida en la capital del estado mexicano de Nuevo León, se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Monterrey. Continuó sus estudios en Estados Unidos en la New York Academy of Art & School of Visual Arts. Su formación se vio ampliada en París, junto a la artista Oli Nicole, y en Oaxaca con el artista Antonio Bustamante. Tras una etapa en Ciudad de México buscando su propio lenguaje y colaborando con otros artistas se instaló en San Diego, California.
Su pintura recuerda al realismo mágico, representando escenas figurativas donde sucede algo inesperado, incluyendo objetos o formaciones orgánicas que no concuerdan con la realidad, en una suerte de estética fantástica que buscan un mundo ideal de belleza y paz. Su objetivo es mostrar en su trabajo la libertad, la magia, los sueños y los fenómenos del subcontinente creando atmósferas aventureras de sueños salvajes rompiendo la delgada línea entre lo real y lo irreal sustituyendo uno por otro.
Rafa Macarrón (Madrid, 1981)
Sobrino nieto del pintor Ricardo Macarrón, creció rodeado de arte, lo que le aportó una visión especial y analítica sobre la pintura. Se formó como fisioterapeuta y fue ciclista profesional hasta los veinticinco años, cuando decidió dejar su carrera deportiva por la pictórica. Fue entonces cuando su pintura despegó, convirtiéndose no solo en una afición sino también en un oficio.
Autodidacta, su obra tiene fuertes influencias del cómic y la pintura española de los años 50 y 60, principalmente por Fraile, Quirós y Gordillo. Es uno de los artistas españoles con mayor proyección en la actualidad. Su obra destaca por la creación de escenas protagonizadas por figuras grotescas y totalmente deformadas que, sin embargo, desprenden ternura y sensibilidad. Habitan un mundo onírico, sean escenas cotidianas o cósmicas, y afrontan la pintura desde un punto de vista tan emocional como lúdico.
Hamid Nii Nortey (Ghana, 1987)
Artista ghanés emergente autodidacta, desarrolló su interés por la pintura como alumno de la escuela básica Mandla Dada en La Accra, Ghana, y fue testigo de la transformación considerable de la ciudad a partir de entonces. Sus atractivas y coloridas pinturas figurativas profundizan en Ghana y el paisaje social en rápida evolución del continente, arrojando luz sobre sus diversas clases sociales, así como los desarrollos generacionales resultantes.
Las obras de Nortey se caracterizan por su característica técnica de sombreado cruzado que aplica sobre la piel de sus figuras. En contraste con la amplia y suave paleta de colores impresionistas del artista, las líneas paralelas unidas, que varían en espaciado y ancho, crean una textura orgánica áspera y suelta, que transmite las cualidades visuales y táctiles de la piel natural a la vez. A partir de bocetos meticulosos y divertidos, sus retratos se convierten en impresiones visuales realistas y vivas.
Samuel Olayombo (Nigeria, 1991)
Artista nigeriano, estudió bellas artes y artes aplicadas en la Universidad de Benin. Amante de la textura, Olayombo trabaja con óleos, acrílicos, carboncillo y pasteles para crear lienzos vibrantes, dramáticos y a gran escala de retratos predominantemente masculinos y no normativos de género. Usando una espátula para transmitir intrincadas texturas de piel tridimensionales, Olayombo rinde homenaje a artistas clásicos como Vincent Van Gough y Arja Valimaki en su trabajo. Su fascinación por las "cicatrices" que prevalecen en ciertas culturas yoruba, así como la masculinidad tóxica, la cultura masculina machista y las construcciones de la sexualidad, los roles de género y la igualdad de género son las narrativas clave que Olayombo explora dentro de sus composiciones.
Crecer con cinco hermanas en una sociedad patriarcal ha influido en su trabajo en la elección de los tonos de color, prefiriendo los colores tradicionalmente "femeninos", como el rosa y el rosa pastel, para representar a sus sujetos masculinos aparentemente "brutales”.
Komla Letsu Philip (Ghana, 1987)
Artista ghanés formado en el Ghanatta College of Arts and Design. Desde muy pequeño se sintió atraído por la pintura, desarrollando en su infancia la imaginación a través de pinturas y dibujos. Actualmente trata de convertir esa imaginación en realidad a través de su pintura. En sus obras represente escenas cotidianas de personajes conocidos de forma desinhibida. Le gusta experimentar y cambiar de registro.
Matías Sánchez (España, 1972)
Matías Sánchez expuso por primera vez en Cavecanem en 2001, siendo completamente desconocido. Pintor autodidacta, ha basado siempre su concepto pictórico partiendo del expresionismo. Con una proyección arrolladora ha construido una pintura violenta y satírica en contra de todas modas y corrientes del momento.
En un principio costó que la obra de Matías se integrara dentro del mercado de arte contemporáneo, pero fue en ARCO de 2002 donde obtuvo un enorme éxito de público y crítica. En ARCO de 2003 un óleo suyo de 6 metros fue portada de El País anunciando el ARCO de aquel año. Desde entonces, múltiples exposiciones individuales, tanto nacionales como internacionales, le avalan.
Spencer Shakespeare (Reino Unido, 1967)
Nacido en 1967 en Londres, Shakespeare descubrió su adicción al mundo natural en sus vacaciones anuales en Cornualles con su familia, a donde, después de 20 años de vivir en la Costa Dorada de Australia, ha regresado, residiendo cerca de Penzance, donde dice que el canto de los pájaros se da en su forma más hermosa. Dibujante obsesivo y automático desde los siete años, Shakespeare completó una licenciatura en Ilustración en el Bournemouth College of Art and Design. Aunque su amor por el dibujo nunca cesó, a medida que fue madurando como persona y como artista, buscó romper con el trabajo por encargo, buscando su propia independencia artística.
Su obra connota una especie de misterio, una especie de magia. Un mundo donde los colores son intensos, de alto contraste, enérgicos: vibrando con una energía emocional. Sus lienzos abstractos muestran los límites borrosos del mundo zumbante que ve: una puerta para el espectador que se abre al país de las maravillas.
Emmanuel Taku (Ghana, 1986)
Graduado en Artes Visuales y Textiles en el Ghanatta College of Arts and Design, Emmanuel Taku estudió con los reconocidos pintores figurativos Amoako Boafo y Otis Quaicoe. Practica diferentes formas de retratar desde hace más de diez años. Sus temas a menudo están vestidos con llamativos estampados florales, que imprime en el lienzo utilizando un método distintivo de serigrafía.
Las obras de Taku incorporan una variedad de materiales, ya que aplica textiles y periódicos sobre lienzo, fibra de vidrio, red de fibra, malla o madera contrachapada.
Entrada actualizada el el 25 may de 2022
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