Texto curatorial - Carla Barbero y Javier Villa
Descripción de la Exposición
El próximo jueves 22 de mayo a las 18h inaugurará la gran muestra colectiva titulada “Carroña última forma”, en la sala Cronopios - la más grande del Centro Cultural Recoleta- con la curaduría de Carla Barbero y Javier Villa. Las treinta y ocho obras de los once grandes artistas reunidos en “Carroña última forma” exploran las figuras del cuerpo herido, los restos de la historia y los imaginarios del poder. Raquel Forner, Antonio Berni, Grete Stern, Osvaldo y Leónidas Lamborghini, Liliana Maresca, Marcia Schvartz, Verónica Meloni, Verónica Gomez, Tobías Dirty y Santiago Rey reunidos en una gran exposición cuyo título retoma el libro homónimo de Leónidas Lamborghini, escrito en 2001, durante el colapso social y económico del país.
A través de lenguajes intensificados —grotescos, alucinados, a veces hiperbólicos— la exhibición se presenta como un ensayo visual que pone en diálogo a las vanguardias de mediados del siglo XX con expresiones contemporáneas que tensan los límites de un realismo local.
Carla Barbero apunta: “Raquel Forner, Antonio Berni y Grete Stern ofrecen, desde el siglo pasado, imágenes tempranas de esa descomposición: cuerpos mutilados, ensamblajes de denuncia. Liliana Maresca y Osvaldo Lamborghini retoman esa tradición desde la fractura íntima y política de la posdictadura, como respuesta al avance del neoliberalismo. Marcia Schvartz opera como un pasaje entre siglos: su imaginario transforma los restos de la historia en una memoria feroz y vigente.”
“En la contemporaneidad, Verónica Meloni expone tensiones urbanas y de género en el espacio público, mientras que Verónica Gómez, Tobias Dirty y Santiago O. Rey despliegan un repertorio grotesco y barroco donde lo mounstruoso se encarna material y simbólicamente”, agrega Javier Villa.
“Carroña última forma“ se organiza como un gran experimento espacial para descubrir y sorprenderse que podrá ser visitado a partir del 22 de mayo, de martes a viernes de 12 a 21h y sábados, domingos y feriados de 11 a 21h con entrada libre y sin costo para residentes y argentinos.
ARTISTAS
Leónidas Lamborghini
Leónidas Lamborghini (Buenos Aires, 1927–2009) fue una de las voces más singulares y potentes de la poesía argentina del siglo XX. Su obra, marcada por una ruptura constante con las convenciones estilísticas, mantuvo siempre un fuerte vínculo con la historia política del país, especialmente con el peronismo, que funcionó como inspiración estética e ideológica. A lo largo de casi treinta poemarios y tres novelas, Lamborghini combinó humor y horror, exceso y precisión, para desestabilizar el sentido y llevar el lenguaje al límite de su forma. En Carroña última forma, publicado en 2001, en pleno colapso social y político, le da voz a un vagabundo que recorre una ciudad alucinada: las palabras son calles, la ciudad un cuerpo en descomposición, y ese cuerpo es también la poesía. Esta obra, que da título a la exposición, se presenta aquí de forma completa como un prólogo necesario.
Raquel Forner
Desde sus inicios, Raquel Forner (Buenos Aires, 1902–1988) abordó con intensidad los conflictos políticos y sociales de su tiempo, reflejando en su obra la angustia de la condición humana. Su trabajo se organizó en series temáticas, desde España (1937– 1939) y El Drama (1939–1947), centradas en la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial, hasta sus últimas producciones, marcadas por un expresionismo simbólico y una mitología espacial personal.
La Victoria (1939), última obra de la serie de España, presenta a una mujer mutilada que combina la tradición clásica de las Venus con el símbolo cristiano de la víctima sacrificada, como una suerte de transposición femenina de la figura de Jesucristo. En estas obras, Forner desarrolló una figuración poderosa y simbólica para denunciar los crímenes de la humanidad, con una iconografía expresiva centrada en la figura femenina. A su alrededor, paisajes sombríos con tierra resquebrajada, árboles marchitos y restos humanos y arquitectónicos apoyan la construcción de imágenes del horror, la desolación y el desconcierto.
Antonio Berni
Antonio Berni (Rosario, 1905 - Buenos Aires, 1981), figura clave del arte argentino del siglo XX, construyó una voz personal con una materialidad y un discurso avasallantes, para intervenir sobre la situación política y social de nuestro país y el mundo. Desde los años 30 hasta su última producción a finales de los 70, Berni transitó con potencia diversas modalidades del realismo: metafísico, crítico, paródico, informal, hiperreal, todos atravesados por una misma pulsión de llevar el arte hacia los extremos. En general, su obra dialoga con los lenguajes populares y con la violencia histórica, donde la pintura se corporiza, el collage deviene denuncia y el ensamblado se transforma en un documento de la realidad misma.
La guerra y La torturada, ambas de 1976, dan cuenta, tempranamente, de los horrores de la última dictadura cívico-militar. Son dos obras que habían quedado guardadas en París e inéditas para el público hasta 2023. En ellas, no solo lleva su lenguaje al límite, sino también inocula cualquier escapatoria que podría otorgar la ficción ante la crudeza directa y simbólica de estos testimonios. Con ambas obras nos obliga a mirar sin desvíos al rostro más brutal de lo humano, donde el cuerpo femenino vuelve a ser el centro y la encarnación de los momentos de mayor oscuridad en la historia argentina.
Liliana Maresca
A lo largo de una década intensa de práctica artística, Liliana Maresca (Buenos Aires, 1951-1994) puso su cuerpo para hacer frente a momentos políticos y sociales complejos, como la salida de la última dictadura cívico-militar, la crisis del SIDA y el primer mandato de Carlos Menem entre 1989 y 1995.
Muchos de sus proyectos fueron realizados en el Recoleta, entre ellos La Kermesse (1986), Recolecta (1990), Wotan-Vulcano (1991), La Conquista (1991-1992), e Imagen Pública - Altas Esfera (1993). Para este último, Maresca se sumergió en los archivos fotográficos del diario Página/12 y empapeló las paredes y techo de la sala con figuras de la política de entonces, así como militares y personalidades de la farándula local, creando nuevos vínculos y llevando el consumo de estas imágenes hasta el ahogo. La foto introductoria que recibía al espectador era del cuerpo desnudo de Maresca junto a estos personajes, una alusión a que el o la artista es también una figura pública que debe poner el cuerpo ante la situación política. Al finalizar la exposición, llevó varios paneles a la Costanera Sur de Buenos Aires. De esta manera, esos personajes que habían sido protagonistas de la historia del país en las últimas décadas, terminaron entre escombros dentro de un paisaje desolado, como si se tratara de una Argentina en ruinas. Maresca es una artista clave para pensar en el cuerpo como catalizador de los traumas sociales en el arte argentino.
Osvaldo Lamborghini
Luego de estar abocado a la militancia en el peronismo sindical, en 1967 Osvaldo Lamborghini (Buenos Aires, 1940 - Barcelona 1985) comienza a vivir en hoteles de bajo presupuesto del centro de Buenos Aires, vagando de uno en otro sin trabajo estable. Allí redacta su primer texto, El fiord, publicado en 1969, convirtiéndose de forma temprana en un autor marginal pero de culto. De forma simbólica y excesiva, sus temas abordan el peronismo y la actividad sindical, la argentinidad, la Ley, la violencia de clase y de género, la imaginación pornográfica y la revolución, entre otros. Durante la Dictadura se exilia en Barcelona, donde se encierra en un departamento del que no volverá a salir hasta su muerte. Allí expande su escritura a nuevos formatos visuales como dibujos, pinturas, collages, fotografías intervenidas, manuscritos
inclasificables y experimentos gráficos. El Manuscrito también puede faltar, exhibido por primera vez en Argentina, contiene fotografías intervenidas con epigramas, relatos manuscritos en lapicera, notas, poemas, pinturas y collages. Posiblemente se trate de un lado B o espacio de fermentación de la pieza gráfica más paradigmática de Lamborghini, el Teatro Proletario de Cámara (c. 1984), ya que muchos de los materiales coinciden y aparecen reversionados en uno y otro.
Grete Stern
Entre 1948 y 1951, Grete Stern (Wuppertal-Elberfeld, Alemania, 1904 - Buenos Aires, 1999), publicó una serie de fotomontajes para acompañar visualmente los distintos sueños enviados por mujeres a la revista Idilio, para ser interpretados por el sociólogo Gino Germani, director del semanario. De un total de 150 creaciones, solo 46 fueron re-fotografiadas por Stern y luego transformadas en obras de arte autónomas a su contexto original. Fue una visionaria tanto por su perspectiva de género como por sus exploraciones técnicas que fusionaron muy tempranamente la fotografía con el diseño gráfico, influenciada por sus estudios en la Bauhaus, Alemania.
Con estos fotomontajes, Stern retrató, en clave surrealista, las complejidades de la vida emocional de las amas de casa de una época vital para la vida política en la Argentina, donde las mujeres conseguirían finalmente su derecho a votar. Casi como un registro social y político del primer peronismo, Stern se involucró con temas como el amor y el deseo, pero también el miedo y la angustia que circulaba en aquellos tiempos y que llegan hasta el presente con una actualidad notable.
Veronica Meloni
Negociación es un registro en video de una performance en el espacio público realizada por Verónica Meloni (Córdoba, 1974) entre los años 2006 y 2014, en la llamada "zona roja" de la ciudad de Córdoba. La artista, recién llegada por entonces a ese barrio céntrico -donde durante el día funciona un mercado de abasto y por la noche se convierte en un espacio de oferta sexual-, se vio interpelada por las dinámicas del entorno. En su búsqueda por adaptarse, decidió mediar con su cuerpo esas tensiones en la vereda de su propia casa. Las acciones consistieron en entablar conversaciones con personas que, al verla allí, asumían que su sola presencia implicaba disponibilidad como trabajadora sexual. A través del diálogo, Meloni desmontaba ese lugar común que marcaba a todos los cuerpos feminizados que transitaban por esas cuadras.
La artista, referente de la performance en el país, expande su práctica con un marcado interés en los espacios urbanos. Es en esos escenarios donde se revelan con fuerza las tensiones de poder que históricamente recaen sobre los cuerpos feminizados, ya sea en ámbitos públicos, sociales, comerciales o de cuidado. En este sentido, Negociación resulta paradigmática en su producción. Por un lado, hace un uso
sostenido del tiempo y la repetición como formas de afirmar un nuevo sentido y desplazar prejuicios y temores. Por otro, sitúa la experiencia como núcleo de su práctica: una experiencia encarnada, que surge del contacto directo entre su cuerpo, la intuición, y las preguntas y ansiedades de la vida contemporánea.
Tobías Dirty
Tobías Dirty (Villa Gesell, 1990) desarrolla su trabajo a partir de referencias a estéticas y culturas contra-hegemónicas, con un enfoque en las problemáticas de género, sexualidad, el underground y las prácticas paganas. Su obra explora atmósferas cargadas de una extrañeza sensual, donde lo monstruoso es enaltecido. La presencia de los cuerpos, desde referencias a los órganos como en la pieza Insomnio (2022) hasta el inconsciente pasando por apariencias exultantes, Dirty propone un universo pletórico como en el díptico Ménaje à trois (2023) o la escultura suspendida Maricón (2017). Su versatilidad plástica lo hace explorar materialidades muy diversas construyendo quimeras visuales especialmente en sus instalaciones, que crean nuevas realidades.
La dimensión política atraviesa su producción de manera directa, como en Casa de la Cultura (Isla Flotante, 2020), de la cual aquí se exhibe una selección. La serie abarca 30 piezas que recorren tres décadas de historia reciente argentina -aquí se observan desde la Ley de Convertibilidad de 1991 hasta la tragedia de Cromañón en 2004-, en un paralelo biográfico con los 30 años del propio artista al momento de su realización. Dirty rememora estos hitos desde una pintura alucinada y simbólica, en la que la historia se vuelve cuerpo, exceso y goce.
Santiago O. Rey
Santiago O. Rey (Buenos Aires, 1983) realizó esta serie de cinco pinturas especialmente para Carroña última forma. La serie continúa la línea de investigación experimental que el artista desarrolla en los últimos años: una exploración pictórica y material que cruza ensamblaje, narración visual y crítica social radical.
En sus obras construye relatos que dialogan con la actualidad política argentina en clave de picaresca delirante. Su práctica se mueve entre el grotesco, el absurdo y una crítica feroz, en busca de representar -o distorsionar- la neurosis política local. Su repertorio visual se inscribe en una genealogía experimental que comparte con referentes de la literatura y el arte argentinos. Leónidas Lamborghini resuena especialmente en su trabajo, con aquella consigna de “asimilar la distorsión y devolverla multiplicada”.
Actualmente radicado en Olavarría, Rey encuentra en el paisaje de la pampa productiva no solo un entorno material, sino también un territorio simbólico desde donde proyectar sus fabulaciones. Como él mismo afirma, su obra se interesa por “el humor y la crueldad como una vía de existencia para un materialismo delirante”.
Verónica Gómez
Verónica Gómez (Buenos Aires, 1978) construye un universo pictórico alegórico en el que se entrelazan lo fabuloso, lo grotesco y lo político. Con escenas plenas de detalles y tensiones visuales, sus obras refieren tanto a los repertorios simbólicos de la historia del arte —el barroco, el romanticismo, el simbolismo— como a narrativas literarias que exploran la marginalidad, el absurdo o la deformidad como formas de conocimiento.
Las pinturas reunidas en Carroña última forma —algunas creadas especialmente para esta ocasión y otras exhibidas previamente— condensan su particular modo de narrar lo contemporáneo: un presente convulsionado, donde el poder se ejerce con violencia, las identidades son devoradas y la moral aparece corroída. Personajes inspirados en el cine, la literatura o el imaginario político argentino —de El Mago de Oz y Los Locos Adams a los textos de Aurora Venturini— coexisten con citas directas o veladas a Goya, Böcklin, Grosz o Daumier.
Las escenas oscilan entre lo sagrado y lo abyecto, lo teatral y lo íntimo. En ellas, Gómez reactiva la fábula como herramienta para desmontar las tramas simbólicas de nuestro presente.
Marcia Schvartz
Marcia Schvartz (Buenos Aires, 1955) es una figura clave del arte argentino. Su obra se construye desde una mirada frontal, donde lo grotesco, lo marginal y lo íntimo se integran para narrar territorios sociales populares. Aunque en los últimos años se ha centrado en la pintura, su práctica incluye cerámica, dibujo y ensamblajes, explorando materiales con una potencia expresiva feroz. Activa en la escena contracultural de los años 80 tras su exilio en Barcelona durante la última dictadura cívico-militar del país, Schvartz ha sostenido una práctica crítica, incomodando tanto hacia afuera como dentro del arte.
Las piezas reunidas en Carroña última forma invocan esa tensión. Por un lado, Berniadas (2001), realizada en un contexto de colapso político y económico, integra cartón y restos en una escena que remite tanto a la obra de Antonio Berni como a las ruinas sociales de la época. El entorno (2014), en cambio, retrata a figuras satelitales del poder -como José López Rega- subrayando los vínculos entre política económica, violencia institucional y presente histórico.
El retrato es un género que ha transitado a lo largo de todo su recorrido, aunque en esta exposición se incluye una obra desplazada de los más representativos. En O ya (2019), realizada con arena, lanas y caracoles, la figura aparece a través de texturas densas, es como estar frente a un estado de transformación sucediendo en vivo.
Su obra ha cobrado un renovado reconocimiento en la última década, no solo por su potencia crítica y formal, sino por la manera en que interpela violencias persistentes.
Hoy es una referencia ineludible para nuevas generaciones de artistas que encuentran en su práctica una genealogía desde donde pensar el presente.
Carroña última forma
Premio. 08 may de 2025 - 02 jun de 2025 / Madrid, España
Exposición. 21 may de 2025 - 22 sep de 2025 / Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) / Madrid, España
Formación. 30 oct de 2025 - 11 jun de 2026 / Museo Nacional del Prado / Madrid, España