Exposición en Madrid, España

catorce Relatos breves

Dónde:
Centro Cultural Casa de Vacas / Parque de El Retiro - Paseo de Colombia, s/n / Madrid, España
Cuándo:
29 jul de 2021 - 29 ago de 2021
Inauguración:
29 jul de 2021
Comisariada por:
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Promociones arteinformado
Descripción de la Exposición
Artistas: Cho Yea Jae | Do-Ho Suh | Im Heung-Soon | Jong Oh | Kang Jin Ju | Kim Byounggu | Kim Joowon | Kwon In kyung | Lee Gap Chul | Lee Jin Woo | Lim Soosik | Rhaomi | Timothy Hyunsoo Lee | Won Ju Lim La exposición que organiza Casa Asia reúne obra de catorce artistas coreanos, representativa tanto de las nuevas generaciones y tendencias contemporáneas dominantes como de una identidad cultural, que se construye en un escenario global preservando su singularidad. Toda forma de arte contiene una narrativa, que es constitutiva de su identidad y simultáneamente de su polisemia. Arte y literatura de Corea contribuyen a la creación de esta narrativa contemporánea que se construye como lenguaje, como fenómeno social, como hecho cultural y como manifestación estética con la complicidad de las artes visuales, la literatura, el cine y la música. La convergencia entre todas las artes ... resultante de las supuestas analogías existentes entre ellas facilita el discurso legitimador, que se nutre de la lingüística, la crítica literaria, la semiótica, la estética y la filosofía en general. La historia del pensamiento y la historia del arte se han globalizado sin que no obstante las identidades locales se hayan visto mermadas o hayan perdido su individualidad. El proyecto catorce Relatos breves no se limita a sumar paradigmas sueltos de las artes visuales procedentes de Corea, sino que trata de establecer conexiones entre éstas y las demás artes haciendo posibles las analogías entre lo que nos es dado a través suyo. La obra de los catorce artistas que se presentan recibe el eco de la literatura, el cine y las artes visuales al igual que de la propia tradición de la que proceden. De ahí que todas y cada una de las obras que se muestran sean comparables a relatos o micro relatos que se reproducen en un tiempo y un espacio propios, desafiando la fugacidad de cada instante. Atravesadas por la experiencia vital de todos aquellos que contribuyen a su creación con sus vivencias, cada representación sensible de aquello que quieren decir contiene una información imprescindible para abordar el contenido polisémico que se les atribuye. El uso de la palabra y la tecnología del habla, oral o escrita, es comparable a todos los lenguajes que se exploran en el ámbito de las artes visuales, para convertirlos en medios de expresión. Este proyecto expositivo pretende mostrar a través de la obra de catorce artistas de diferentes edades y generaciones los relatos que corresponden a un estado de la cultura de un país, de la que el cine, la literatura y en general las artes visuales nos aportan una información imprescindible para su conocimiento. El sistema y la metodología más común en la lingüística y la literatura comparadas nos enseña que su aplicación en el dominio de todas las artes es una herramienta útil para la interpretación y en este caso la correspondiente valoración artística y estética. Los antecedentes de este proyecto son numerosos, teniendo en cuenta programas asociados como la decisiva contribución de Casa Asia para que Corea fuera el país invitado en 2007 en la feria ARCO (Madrid), y la retrospectiva de Nam June Paik el mismo año en Fundación Telefónica que contó con la visita del presidente de este país a España. Otro proyecto notable fue la antológica de Cody Choi que Casa Asia hizo con el Vicerrectorado de la Universidad de Málaga en 2016-2017. El artista fue nombrado posteriormente por la Korean Foundation para representar a su país en el correspondiente pabellón nacional, en la Bienal de Venecia de 2017. Las colaboraciones y los intercambios se han sucedido durante estos años tanto con críticos y comisarios como con directores de museos. Jinsuk Suh es uno de esos agentes internacionales del sistema del arte, fundador de Loop Alternative Space y ex director del Nam June Paik Art Center, con los que hemos mantenido una extensa relación profesional. Actualmente dirige un nuevo museo, el Ulsan Culture and Art Center con el que vamos a colaborar a corto y largo plazo. El interés por la cultura coreana en nuestro país une la atención que suscitan los medios de comunicación ante diferentes fenómenos representativos de lo que sucede en este país con el descubrimiento de la nueva literatura coreana, el cine y las artes visuales. En ningún caso, se presenta un relato único, sino que aquello que se muestra tiene un efecto multiplicador, como se desprende de los viajes que cada obra propone, desde antes de formularse, cuando se da forma sensible a una idea. Ninguna de estas obras permanece aislada al ponerse en contacto con las demás y al estar bajo la cobertura de un epígrafe que se propone articular los contenidos. Hay además otro relato que se deja en manos del visitante, el cual encontrará los materiales necesarios para pensar y narrar otra historia que se une a su propia experiencia vital más personal. La propuesta de Casa Asia consiste en abrir horizontes para poner en contacto a todos los públicos con mundos sinfín y para experimentar la aventura del conocimiento. La narrativa contenida en las diferentes obras en exposición no consta de un solo relato vertebrador, sino que más bien apunta a dar visibilidad a estos artistas y sus obras, en el marco específico de aquellas construcciones de la identidad cultural correspondiente. Obviamente, los antecedentes mencionados al principio nos han traído hasta aquí y nos han hecho ver el valor de esas experiencias individuales, cuya forma de comunicarse no nos es ajena, por integrarse en las de una sociedad plural tan uniforme como asimétrica, que se deja explorar a través de lo que se mustra. La selección de artistas se ha hecho teniendo en cuenta su paso por España en algún momento en el transcurso de su trayectoria, gracias al interés de los colaboradores que han creído en este proyecto, a los que se ha solicitado su participación. Se trata de las Galerías Saro León (Las Palmas de Gran Canarias), Sabrina Amrani (Madrid), Michel Soskine (Madrid), Àngels Barcelona (Barcelona), la Galería Parra & Romero (Madrid) y del MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León), que en algún momento asumieron el riesgo de apostar por artistas coreanos en su mayoría desconocidos. En el escenario internacional, hoy no se puede excluir ni el desarrollo de las experiencias artísticas desplegadas en un país como Corea, ni su papel en el sistema del arte global en el que sus agentes desempeñan un papel a tener en cuenta por su presencia en las ferias internacionales. Más aun teniendo en cuenta también el papel que ha desempeñado la extensión de Art Basel en Hong Kong, por haber dinamizado el sector con la creación de una especie de hub del mercado, precedido por la deslocalización de las casas de subastas que tomaron la iniciativa con anterioridad en lo concerniente a este desplazamiento hacia Asia del mercado del arte internacional. El sistema del arte se ha globalizado a la par que lo han hecho la economía y todos los mercados. Pero lo que ha cambiado la tendencia dominante del mercado del arte es la erosión del eurocentrismo y la apertura de nuevos frentes. La historia del arte ya no es la historia de Occidente, sino que ésta sólo se entiende a partir de su mundialización. De ahí también que sea relevante mencionar algunos precedentes que ponen en conexión a todos los artistas que convivirán en el mismo proyecto y en el mismo recinto, mientras aquel esté vigente. La mayoría de los artistas que intervienen con sus relatos en este proyecto expositivo son conocidos internacionalmente por su participación en exposiciones colectivas o individuales, bienales, trienales u otros acontecimientos, en Asia, Europa y EEUU. La artista Cho Yea Jae (Busan, 1971) presenta obra de dos series que son centrales en su trabajo: Ready to open que inicia en 2011 y Transcendence que empieza en 2015. En términos generales, plantea una reflexión filosófica sobre el ser y el existir que se nutre del pensamiento clásico oriental tratando de unir la experiencia de una vida habitada por el viaje. Su abstracción procede de esta búsqueda de comprensión de los fenómenos naturales y de la vida y la muerte de todos los seres. Do Ho Suh (Seúl, 1962) con una trayectoria de más de treinta años en la escena internacional y una obra que se caracteriza por sus arquitecturas reveladoras de su unión con la casa tradicional coreana identificada con la morada del ser y otras esculturas siempre vinculadas a su experiencia personal y a construcción cultural de la identidad. Won Ju Lim (Gwangju, 1968) expuso en el DA2 (Domus Artium) en 2002 y ha hecho varias exposiciones en la Galería Parra & Romero de Madrid. Sus trabajos multimedia se centran en una poética de la arquitectura sobre la base de un discurso crítico que pone en relación la vida urbana en las megaciudades actuales y la vida rural en aquellos territorios no contaminados por la creciente industrialización y masificación de los centros urbanos. Im Heung-Song (1969), Palma de plata en la Bienal de Venecia en 2015 por Factory Complex, donde el artista hace un manifiesto sobre las condiciones de explotación de las mujeres trabajadoras en fábricas de Corea del Sur durante las épocas de mayor crisis y recuperación económica del país. La Galería Àngels Barcelona le dio a conocer en España y se ocupa de su trabajo en el territorio nacional. En este breve listado de los artistas participantes en la presente exposición se ha de tener muy en cuenta aquellos que ha reunido la Galería Saro León en el transcurso de más de una década participando en ferias de arte en Corea y exponiéndolos sucesivamente en su espacio, como Lee Gap Chul (1959), Lim Soosik (1974), Kim Joowon, Kwon In kyung (Seúl, 1979), Rhaomi, Kim Byounggu y Kang Jin Ju. Saro León los trajo a España, a raíz de su descubrimiento en sus visitas a Corea. Quedan por nombrar aún artistas que han expuesto ya en España y a los que queremos apoyar decididamente por su trabajo, como son por una parte Timothy Hyunsoo Lee (Seúl, 1990) y Jong Oh (nacido en Mauritania, pero de origen coreano, 1981) una apuesta de la Galería Sabrina Amrani que ha hecho una gran aportación con su programación expositiva dando a conocer artistas que, de no ser por su interés en descubrir nuevas prácticas y voces, nunca habríamos conocido. Y, por otra, Lee Jin Woo (Seúl, 1959), que expuso en España por primera vez en 2019 de la mano de la Galería Michel Soskine. Este artista suele usar como soporte el papel Hanji, la madera y el carbón. Pese a residir actualmente en Francia, sigue vinculado a la tradición de su país en su práctica artística cotidiana como se puede ver en los paisajes oscuros a modo de densas pizarras irregulares donde la mirada se pierde. BIOGRAFÍAS 1. C H O Y E A J A E CHO Yea Jae nació en Corea del Sur en 1971. Es una artista interesada por la filosofía oriental y la historia del pensamiento occidental. Sus obras se basan en la constante observación del mundo que la rodea. El viaje forma parte de su trayectoria en la medida en que la experiencia del conocimiento necesita de otros mundos y culturas. Como consecuencia de los múltiples encuentros que se han sucedido a lo largo de su vida, ha desarrollado una fuerte empatía. Aunque es coreana, Yea Jae se considera una ciudadana del mundo. En su práctica artística proyecta sus ideas siempre en desarrollo, lo que le lleva a investigar la pintura como un todo que integra las diferentes técnicas a las que recurre. En un mismo cuadro el contenido acaba siendo polisémico e invita a los diferentes públicos a interpretar y reinterpretar libremente el lenguaje simbólico al que ella se remite. Su serie Ready to open surge en 2011 con el objeto de hacer aparecer la esperanza en un mundo en crisis y desde entonces hasta ahora sigue trabajando en ella. Se trata de una serie abierta como Transcendence, que inició en 2015 y que conceptualmente deriva de un culto personal a la filosofía oriental. En cualquier momento de la vida contemplamos nuestro pasado, sentimos nuestro presente y pensamos en el futuro. Es muy importante pero aún más difícil encontrar el perfecto equilibrio y armonía entre estos tres elementos. El gran contraste entre la textura áspera "imperfecta" y la suavidad de las pinceladas perfectas para las partes grises y negras crea un impacto visual que enfatiza el dramático contraste de la vida., Hizo su primera exposición en Hong Kong en el año 2000, y desde entonces ha participado en exposiciones, ferias de arte y eventos culturales en Hong Kong, Singapur, París y en los Hamptons de Nueva York. 2. D O - H O S U H M U S A C Desde que se mudó a Nueva York, Suh no ha dejado de recrear espacios que han formado parte de su vida, como la casa familiar de Seúl en una obra titulada Seoul Home que construyó con seda teñida y tubos de acero, queriendo aludir a un concepto de hogar portátil. 348 West 22nd St. Apt. A, New York, NY 10011 (corridor) es la instalación que se presenta en este proyecto expositivo colectivo. Se trata de una reproducción, a escala real, del pasillo de su apartamento neoyorquino. Realizada con tela de nylon traslúcido, esta estructura se sostiene con unas varillas finas, como si fuera una tienda de campaña que se puede montar y desmontar rápidamente, en cualquier lugar. El espectador al recorrer este pasillo puede reparar en los minuciosos detalles que salen a su encuentro: enchufes, interruptores, tuberías, luces, radiadores, estanterías, puertas, tiradores y bisagras. La ligereza y transparencia del material elegido evocan la arquitectura tradicional asiática al igual que la permeabilidad entre interior y exterior. A pesar de la precisión de escala y detalles, el pasillo parece transformase en un recuerdo tangible, a modo de construcción de la memoria. La sensación de no pertenecer a ninguna parte conlleva la soledad y el extrañamiento, Suh anhela reencontrar aquello que se hace familiar, y de ahí su insistencia en la idea de hogar. El pasillo en tanto que lugar de tránsito y por tanto no-lugar acaba siendo una representación de la propia situación en la que se encuentra personalmente el artista, al vivir entre dos mundos, dos lenguas y dos culturas. Do-Ho Suh es conocido por sus instalaciones site-specific, en las que manipula la escala para poner el énfasis en la maleabilidad del espacio y explorar las derivas procedentes de la identidad cultural y el anonimato. La formación de Suh en pintura tradicional oriental y su servicio obligatorio en el ejército de Corea del Sur han influido significativamente en su trabajo. Sus obras tienen un peso intelectual y emocional que nos traslada, por un lado, a una sociedad uniforme; y por otro, a las áreas de intimidad y nostalgia de su autor. La relación entre lo individual y lo colectivo es uno de los pilares de su trayectoria artística, entre la pérdida de identidad a favor del grupo, del anonimato y el espacio interpersonal. Es el equivalente de aquella sociedad militarizada en donde creció Do Ho Suh y en la que el grupo tuvo un peso destacado como representación de la unidad de un pueblo frente a la constante amenaza de sus vecinos del norte. Todo eso se hace muy visible en propuestas como Floor o en Some/One, en las que se sirve de miles de chapas metálicas para dar forma a una gigantesca chaqueta militar. Estas chapas son distintivos que hacen referencia a los méritos de aquellos a los que pertenecieron.   3. I M H E U N G - S O O N G A L E R Í A À N G E L S B A R C E L O N A IM Heung-Soon nació en Corea del Sur en 1969. Artista visual y director de cine, ha expandido su universo artístico explorando las vidas de aquellos que la sociedad ha marginado, tanto en contextos sociales, políticos, capitalistas o nacionales. Sus obras, de contenido político a la par que emocionales, han sido presentadas en diferentes medios visuales como la fotografía, instalaciones, proyectos públicos y comunitarios, y películas. Ha expuesto en la Sharjah Biennale (2015), la Tate Modern (2015), el Lincoln Center (2016), el Centre Pompidou (2016), la Taipei Biennale (2016), el Busan International Film Festival (2017), el HKW de Berlín (2017) y el Carnegie Int’l (2018). Factory Complex, obtuvo en 2015 el León de Plata en la 56ª Exposición Internacional de Arte de la Biennale de Venecia. Esta obra aborda las condiciones laborales inhumanas de las mujeres trabajadoras en las fábricas de Corea del Sur, en los periodos más críticos de su desarrollo económico e industrial. Con la Galería Àngels Barcelona ha colaborado en varias ocasiones: en 2015 presentó Staging the singularity of memory, una exposición individual que mostraba las obras Factory Complex (2014-2015) y Reincarnation (2015). En 2016 fue uno de los artistas que expusieron con la galería en la feria ARCO, y formó parte del proyecto Border Imag(e)narles, una exposición colectiva en la que también participaron artistas como Pedro G. Romero, Oliver Ressel, Miquel García, Matteo Guidi Giuliana Racoo y Harun Farocki, entre otros. La exposición, pensada para el Loop Festival 2016, abordaba la imagen y concepto de las fronteras de la mano de cada artista. El drástico desarrollo económico en Corea del Sur sorprendió en su día al resto del mundo. Sin embargo, detrás de todo esto había una opresión que las trabajadoras marginadas tenían que soportar. La película nos invita a la vida de las mujeres de la clase trabajadora involucradas en la industria textil de la década de 1960, a través de las historias de asistentes de vuelo, cajeras y trabajadoras. La forma de trabajo parece cambiar de apariencia, pero la esencia permanece inmóvil. La película termina en Camboya, donde nos encontramos con la repetición de la historia del trabajo que tuvo lugar en Corea. 4. J O N G O H G A L E R Í A S A B R I N A A M R A N I Jong Oh nació en Mauritania en 1981, pero se educó en la República de Corea. Actualmente vive y trabaja en Nueva York, donde se graduó en MFA en la Escuela de Artes Visuales tras obtener su BFA en la Universidad Hongik de Seúl. La práctica artística de Jong Oh no requiere un estudio, porque crea esculturas mínimas in situ que responden a una situación espacial dada. Respondiendo a las características de cada localización, el artista construye estructuras espaciales suspendiendo e interconectando una selección limitada de materiales: cuerdas, cadenas, hilo de pescar, metacrilato, varillas de madera y metal e hilos pintados. Los elementos que emplea parecen flotar y, dependiendo de la relación del espectador con el entorno de la obra, como si estuvieran conectados y entrecruzados, pese a conservar su independencia. En ocasiones, los hilos que sostienen estos elementos son prácticamente invisibles, aunque a veces el artista pinta el hilo ligeramente, reforzando su presencia visual. Jong también usa la iluminación para crear sus composiciones, donde sombras reales o líneas pintadas en grafito extienden sus estructuras etéreas y favorecen la ilusión óptica. De ese modo, desafía la escultura tradicional en la que predomina el volumen y el peso. En estos límites paradójicos, constituidos por la suma de lo tridimensional y lo bidimensional, al igual que la consumación y la destrucción, la experiencia del espectador se convierte en una reflexión sobre el capricho de la percepción humana. El trabajo de Jong es interactivo, en la medida en que la percepción y aprehensión del espectador se logra únicamente a través de una exploración profunda. Oh invita a cuestionar su propia percepción y la forma en que se relaciona con el espacio del entorno, ofreciendo un lugar para la meditación y la contemplación ante el ajetreo y el bullicio de la vida cotidiana contemporánea, como si se tratara de un sutil y refinado haiku visual sobre la universalidad y el sonido del espacio. Jong ha expuesto en EEUU, Corea, México y en Europa. Su obra está expuesta en colecciones públicas, como la Fundación Maxine & Stuart Frankel en Michigan (EEUU) y la Fundación Kablanc Otazu en Navarra (España). Entre sus exposiciones individuales, destaca Wind Rose (2021), Windward (2018) y Position (2012). En cuanto a sus exposiciones colectivas destacan The Snark: Suddenly Vanishing Away (2021), How We Live (2019) y Your Bag & My Bag (2007). 5. K A N G J I N J U G A L E R Í A S A R O L E Ó N Kang Jin Ju es una artista entusiasta de la cultura coreana. Sus trabajos pretenden presentar, a través de la fotografía, herramientas antiguas coreanas que han ido desapareciendo con el paso del tiempo. Se graduó en Fotografía en la Universidad Chung-Ang en la República de Corea. Cuenta con varios premios y varias exposiciones individuales, incluida Food (proyecto sobre ingredientes estacionales de las comidas en Corea) y Silencio y Circulación, entre otras. En la actualidad, trabaja convirtiendo en protagonistas los utensilios utilizados para comer, bajo el título “Para aquellos que tienen un sueño”. Además, continúa intentando expresar su propio mundo usando varias técnicas junto con la fotografía, en un intento de crear obra en la que el espectador pueda percibir no sólo la imagen, sino el sonido, la música e incluso la performance a un mismo tiempo. Hice un viaje para encontrarlos. Hice una obra para convertirlos en protagonistas absolutos y espléndidos. Son utensilios que fueron usados hace 10 o 100 años atrás. El propósito de este viaje es convertir estos utensilios en los mejores protagonistas. Me gustaría encontrar la huella de los recuerdos a través de la toma de fotografías durante este viaje. Los fotógrafos profesionales normalmente completan esta acción con un trabajo de telón de fondo en lugar de convertirlos en los protagonistas. Yo pretendo representar en imágenes los utensilios tradicionales en los cuales la energía de los tiempos está condensada, utensilios tales como un mortero, una barra de madera, un molino de piedra, una olla de hierro, una vasija de bronce, una alfombra de paja, una cuchara, un cuchillo, etc. Viví la experiencia en casa de mi abuelo, el cual vivía en una zona rural cuando yo era una niña. Yo los convertí en fotos mientras hacían sus funciones: moliendo, derramando, presionando, rompiendo y friendo. Objetos que tienen un fin y que han vivido sus vidas de acuerdo con su propósito y papel. Aquellos que se convierten en una razón simplemente por su existencia y que ahora son historia de los utensilios. Aquellos objetos con la energía del tiempo que quedan como huella de los tiempos son suficientes razones para que una chica traiga al presente recuerdos de infancia. Salgo de viaje para buscar material que ha sido fiel a su cometido y papel. Empiezo un viaje para encontrar cosas, que probablemente terminen por desaparecer o por ser abandonados, y convertirlas en protagonistas. 6. K I M B Y O U N G G U G A L E R Í A S A R O L E Ó N Se graduó en fotografía en la Hankyung National University. En la obra que se muestra, el artista presenta imágenes de la frontera entre Corea del Norte y Corea del Sur. La DMZ (la zona desmilitarizada, en sus siglas en inglés) Gyeongju, la ciudad de las tumbas reales y la coexistencia de la civilización y los tiempos primitivos. La zona fronteriza es un símbolo de la partición de la Península coreana y de un fragmento de la historia contemporánea de este país. Los paisajes de la DMZ siguen evocando la Guerra de Corea, en tregua desde 1953, y pese a ser un terreno neutral la franja que ocupa es una de las más peligrosas del planeta. Mide 4km de ancho y 238km de longitud. Está prácticamente despoblada de civiles y en 1970 se descubrieron tres túneles construidos por militares de Corea del Norte para el espionaje. La zona, a pesar de estar minada, presenta una gran diversidad ecológica, tanto en flora como en fauna. El lugar habla sin palabras, a través del silencio hostil que se respira. Ningún sonido atraviesa el bosque y parece que todo movimiento se paraliza. Cualquiera que haga la travesía creerá encontrarse en otro mundo. Entre sus exposiciones destaca Brisas de Corea (2019). 7. K I M J O O W O N G A L E R Í A S A R O L E Ó N Este fotógrafo coreano y profesor de fotografía ha realizado numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas en su país y en la galería Saro León en España. Ha sido galardonado con los premios NAVER Power Blogger durante tres años consecutivos (2008, 2009 y 2010) y el Concurso Internacional de Fotografía Nikon en los años 2004 y 2005. Ha participado en ferias internacionales como Seoul Photo en varias ediciones, así como en Just Madrid en 2012, de la mano de la galería Saro León. Asimismo, ha publicado dos libros, ha impartido conferencias y ha escrito artículos para Samsung, SADI, Kolon, Centro Cultural Hankyoreh, Fundación Prensa de Corea, Hankyoreh, Revista de Fotografía Mensual, Naver, Coex, Epson, Canon, Sony, Adobe, KT&G, Central Officials Training Institute, Korea Metropolitan Rapid Transit Corporation, LG Card, , Wowage, entre otros. La serie “WHITE” es el trabajo obtenido de los paisajes resultantes de una gran nevada, de los lugares, las vistas y objetos construidos por el ser humano y por la naturaleza que en ese momento no estaban desempeñando las funciones para las que habían sido creados y que no llamaban la atención de nadie: un árbol tumbado, la tierra sin arar, las piedras que habían rodado. Sin embargo, la nieve reflejaba la belleza de cada uno de ellos. Las fotografías transmiten tal calma que parecen estar tomadas en un momento en que ha dejado de nevar, sin embargo, fueron tomadas intencionadamente con larga exposición durante la nevada. 8. K W O N I N K Y U N G G A L E R Í A S A R O L E Ó N Nació en 1979 en Seúl, donde vive en la actualidad y se graduó en Pintura Oriental en la Universidad de Hongik. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas tanto en la República de Corea como en India, EE. UU, Reino Unido, R.P. China, Francia y España, entre otros. Consiguió el premio especial del 25th Joongang Fine Arts Competition de Seúl en el 2003 y ha participado en diversas residencias en su país. Su obra se encuentra en colecciones y lugares como el Art Bank of National Museum of Contemporary Art de Corea, el Consulado General de la República de Corea en Dubai, el Hospital Universitario Nacional Chungbuk y la estación de tren Jeongneung. En las obras que se muestran, Inkyung crea collages desde diferentes perspectivas, con viejos libros, tinta y pintura, dibujando visiones urbanas de una ciudad enmarcada en sus recuerdos. Entre sus exposiciones individuales destacan Revisited Memories (2018), Heart-Land’ (2013) y City-A daily life (2005). En cuanto a sus exposiciones colectivas destacan Brisas de Corea (2019), City landscape (2017) y Creative Report (2016). A propósito de esta serie, Inkjung escribe: La gente crea recuerdos, expectativas y reminiscencias de sus localizaciones, espacio específico u objetos. Esta relación entre la gente y el lugar, o la gente y los objetos, provoca cuestiones personales profundas relacionadas con el yo, la identidad, la historia y los recuerdos personales. A través de sus vivencias, recuerdos, relaciones, vínculos, comunicación y empatía con sus lugares y pertenencias, todos experimentamos una reacción acorde con lo que somos. Todos queremos encontrar nuestro lugar en la vida a través de una experiencia imaginaria del espacio.  9. L E E G A P C H U L G A L E R Í A S A R O L E Ó N Nace en Jinju, en 1959. Realiza sus estudios de fotografía en el Shingu College. Actualmente, es uno de los fotógrafos más reconocidos de su país donde ha sido galardonado con los Premios Dong-gang Photo Award, Lee Myoungdong Award, Jebi Kot Photography Award y Sagamihara Asia Photographer Award. Ha expuesto en numerosas exposiciones individuales y colectivas en su país y en Estados Unidos, Francia, Australia, Japón y España. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas como el National Museum of Contemporary Art de Gwancheon, The Museum of Photography de Seúl, el Kumho Art Museum de Seúl, el Dong – gang Museum of Photography de Yeongwol y el Santa Barbara Museum of Art, de California. Las fotografías de Lee Gap-Chul son paisajes de vida. Sin embargo, no se trata de paisajes simples y corrientes, sino de paisajes que muestran el lado oculto de nuestras vidas. Cuando cogemos una foto de Lee, nos sentimos dominados por el paisaje. Los seres humanos y las cosas captadas en sus fotos hacen sentir al espectador incómodo. A menudo se dice que la fotografía es una lucha con la luz. Los contenidos de los mensajes que se transmiten en una foto pueden estar vivos o muertos, dependiendo de la orientación de la luz y la sombra. Las luces deciden la intensidad del mensaje y la impresión. A Lee, sin embargo, parece no importarle ese papel de la luz. Él nos muestra, no el paisaje de la vida, sino su contenido, la emoción oculta en nuestras vidas en lugar de dibujarlas simplemente con la cámara. La obra manifiesta es rara en la obra de Lee. Esto implica su desconsideración por la luz. El objeto de su lucha no es la luz sino la vida. El fiero espíritu artístico para hacer un momento de vida eterno, lo diferencia de muchos otros artistas.Entre sus exposiciones destacan Conflict and Reaction (2019), Conflict and Reaction (2010) y Energy (2007) entre otras. 10. L E E J I N W O O G A L E R Í A M I C H E L S O S K I N E Nacido en Seúl 1959, vive y trabaja en Francia. Entre sus exposiciones individuales destaca Towards Silence (2019), Mur (2012) y Gallery Han (1987). En cuanto a sus exposiciones colectivas destacan Walking on the white side (2018), KIAF (2014) y Holland Paper Biennial 2008 (2007). 11. L I M S O O S I K G A L E R Í A S A R O L E Ó N Nace en Seúl en 1974, donde reside en la actualidad. Fotógrafo, obsesionado con los libros y sus lecturas, hace retratos de la gente a través de las librerías que tiene en su casa. Para él, la forma de colocarlos, el tipo de libro almacenado y los objetos que acompañan estos libros en las estanterías nos dan pistas sobre la personalidad de sus dueños. Realiza estos retratos utilizando fotografías que imprime sobre papel Hanji y que luego cose a mano de forma artesanal, como si se tratara de auténticas pinturas. Galardonado con el primer Surim Photography Award, ha expuesto en Corea, Estados Unidos, Reino Unido, R.P. China, Japón, Tailandia, Brasil, España y Alemania. Ha participado en ferias como la Seoul Photo, KIAF y Just Madrid. Sus obras se encuentran en colecciones públicas y privadas como el Art Bank of National Museum of Modern and Contemporary Art, el Bukchon Art Museum, la E-LAND Foundation for the Art & Culture de Corea y el Reiner Kunze Museum, en Alemania. Entre sus exposiciones destaca Korean Blue Waves (2015). 12. R H A O M I G A L E R Í A S A R O L E Ó N Se graduó en pintura en la Universidad de las Artes de Chugye y continúa su formación en Pintura Oriental en la Universidad Sungkyunkkwan. Sus obras fusionan tradición y modernidad, sin perder de vista la necesidad de innovar. Reproducimos aquí una cita de la artista, tratando de explicar su obra: Yo puedo dividir el espacio en una pantalla desplegable, unirlo de nuevo o colocarlo fuera, idealizando mi realidad, la que he presentado en mis escenas. El mundo allí es justo un espacio de irrealidad e imaginación ideal, pero realmente una taxidermia es una señal de suerte que muestra la voluntad de los hombres modernos por superar determinadas áreas de su vida para volver a ansiar un nuevo deseo. Entre sus exposiciones individuales destacan Imaginary gardens with real toads (2020), 間幕劇between screen and backdrop (2019) y Dream longer than night (2017). En cuanto a su participación en exposiciones colectivas destacan Place of hospitality (2019), Known future (2019) y 心象風景(2018). 13. T I M O T H Y H Y U N S O O L E E G A L E R Í A S A B R I N A A M R A N I Timothy Hyunsoo Lee (1990) es un artista nacido en Seúl, que creció en Nueva York, y actualmente vive y trabaja entre Nueva York y Madrid. Estudió neurociencia, dibujo y biología del desarrollo en la Universidad Wesleyan (Middletown, CT, EE. UU.). Como inmigrante de primera generación en Estados Unidos, Timothy se mudó a Nueva York con su familia a una edad muy temprana. Esta circunstancia le llevó a desarrollar una profunda y larga ansiedad en un intento por reconciliar la identidad heredada con la percibida, tanto racial como culturalmente. Formado en laboratorio con un enfoque en la neurobiología del comportamiento, Timothy aborda su arte a través de un marco analítico, y por tanto su práctica desemboca en conversaciones abstractas sobre las vidas transitorias y los estados efímeros del ser. Como resultado, su trabajo actual abarca muchos temas: política racial, migración, muerte y legado, y sexualidad. Su práctica se basa en una investigación sobre los rituales que adoptamos para enfrentar los traumas infantiles, y utiliza sus experiencias personales como vectores para una narración universal sobre la pérdida física, espiritual y emocional. Timothy responde a los objetos o entornos de sus obsesiones infantiles y a menudo usa la repetición como un método para gestionar la ansiedad que desarrolló debido al proceso de inmigración- un punto crucial de su vida en el que sintió que perdió una parte de su identidad-. Timothy se siente atraído por el significado religioso y espiritual del recuento, que ejecuta a través de pinturas, esculturas, instalaciones y textiles, y a través de la acción de crear, lo que él llama "estructuras de salvación" a su paso: un guiño a su educación en una familia convencional. Desde dibujos maníacos y obras basadas en texto, hasta delicadas esculturas y acuarelas. El artista empapa sus materiales de trabajo con preocupación existencial, y sus obras destacan acciones del pasado, la formación del legado y la salvación de (su) identidad. Las obras de Timothy se han incluido en importantes exposiciones nacionales e internacionales en museos e instituciones como la Smithsonian Institution (Washington DC, EE. UU.), The Wallach Gallery of Columbia University (Nueva York), The Studio Museum (Nueva York), The National Young Arts Foundation Gallery (Miami) así como en propuestas individuales en Armory Show 2018 (Nueva York) e India Art Fair (Nueva Delhi) en el 2018. Sus trabajos han sido presentados y reseñados en El Mundo, Le Quotidien de l'Art, Galerue Magazine Artsy, The Art Newspaper, Vogue India, Aesthetica Magazine y Harvard Advocate. Recientemente MTA Arts & Design le seleccionó para crear un proyecto de arte público para su estación Stewart Manor Lirr en Garden City, Nueva York. Sus obras se incluyen en colecciones privadas y públicas de todo el mundo, como Facebook (Seattle), The MTA Arts & Design (Nueva York), The Cleveland Clinic (Abu Dhabi), Memorial Sloan-Kettering Cancer Center (Nueva York), The Basu Foundation for the Arts (Calcuta) y la Fundación DOP (Caracas). Entre sus exposiciones individuales destacan XOXO (2019), No one dies alone (2016) y Works on Paper (2013). En cuanto a sus exposiciones colectivas destacan BUM BUM BA YE (2021), Inéditos 2020 (2020) y Swerved (2012). 14. W O N J U L I M Won Ju Lim nació en Gwangju. Actualmente, vive y trabaja en Los Ángeles. Sus trabajos multimedia, presentados normalmente en forma de maqueta, se centran en las tensiones entre percepción, espacio y subjetividad en la era posmoderna. Para reflejar y representar las relaciones cambiantes entre esos tres elementos, suele utilizar reconstrucciones arquitectónicas cuestionando su “realismo” de un modo crítico y poético a través del uso meticuloso de la iluminación, proyecciones de diapositivas e instalaciones de video. Las referencias literarias están siempre presentes en su trabajo denso y aparentemente minimalista, pero siempre rico en alusiones, como puede verse en sus instalaciones. La experiencia personal, la tradición cultural y los medios de comunicación crean una conexión desconcertante, que mezcla confusamente lo personal y lo social. En este cosmos visual Won Ju Lim también inserta fragmentos de clásicos del cine, imágenes mediáticas que desde hace tiempo forman parte de nuestro inconsciente colectivo. El artista nos transporta aparentemente a un espacio místico en sus instalaciones. Los modelos escultóricos se elevan desde el suelo para formar paisajes urbanos que parecen asumir grandes proporciones gracias al uso de la luz y de las imágenes proyectadas. Won Ju Lim copia planos de terreno de catálogos en venta presentando edificios prefabricados y trasladándolos a un modelo tridimensional hechos de espuma blanca con corazón de tabla y coloreados con acrílico.

 

 
Imágenes de la Exposición
Ready to open 20, CHO Yea Jae, 2019, 114 x 146 cm , Acrylic on canvas — Cortesía de Casa Asia

Entrada actualizada el el 23 jul de 2021

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