Exposición en Madrid, España

Corriente Alterna Corriente Continua

Dónde:
Galería Nueva - Las Letras / San Agustín 14 / Madrid, España
Cuándo:
03 jun de 2020 - 23 jun de 2020
Inauguración:
03 jun de 2020 / 20:00
Precio:
Entrada gratuita
Organizada por:
Promociones arteinformado
Descripción de la Exposición
Artistas: Maloles Antignac, Marta Carballo, Claire Chassot, Natalia Escudero, William Gaber, Marta Galindo, Alejandro González Castillo, Ugo Martínez Lázaro, mAwatres, María Mrntrd y Mar Reykjavik Los artistas que presentamos en esta exposición organizada por Atelier Solar y que acoge Galería Nueva forman parte del programa Comisario Conoce Artista realizado gracias al apoyo del Ayuntamiento de Madrid. Estos artistas se podrán beneficiar de la convivencia con comisarios europeos invitados por la asociación a residir en Madrid durante 13 días y conocer de cerca la obra de estos artistas madrileños, así como la de otros 100 artistas con estudio en la ciudad. El hilo argumental de esta exposición está centrada, por tanto, en desplegar y analizar la energía creativa que existe en la escena artística de Madrid. Se dice que Tales de Mileto descubrió que, al frotar una pieza de ámbar con una piel animal, ésta adquiere la propiedad de atraer hacia sí cuerpos ... ligeros como pequeñas plumas y trozos de paja. Este fenómeno es el que, a lo largo de la historia de la ciencia, ha dado origen al concepto de carga eléctrica. El flujo de la carga eléctrica puede ser continuo o variable en sentido y magnitud, es decir, “corriente continua” o “corriente alterna”. Estos dos comportamientos de la corriente eléctrica definen el funcionamiento de la tecnología que se alimenta con esta energía. Los procesos creativos, siendo innumerables y diferentes en cada artista, podrían también clasificarse en dos tipologías análogas a éstas dos que distinguimos cuando hablamos de electricidad. Hay artistas que siguen una línea estética y conceptual definida, continua, hilando sus obras de una forma fluida. Son obras que podríamos definir por el equilibrio que emana de sus formalizaciones, por lo continuo de sus movimientos, ritmos y cadencias. Otros, cuyos proyectos pueden ser llamados disruptivos, hacen chocar las ideas, generando nuevas formas a partir de realidades contradictorias que hacen surgir la chispa y la llama. En este tipo de trabajos cambia, a veces aleatoria e irracionalmente, el sentido y la magnitud de las ideas. En la exposición CORRIENTE ALTERNA – CORRIENTE CONTINUA, queremos confrontar ambas maneras de trabajar presentando, en las dos plantas que dividen Galería Nueva, a los y las artistas Maloles Antignac, Marta Carballo, Claire Chassot, Natalia Escudero, Willaim Gaber, Marta Galindo, Alejandro González Castillo, Ugo Martínez Lázaro, mAwatres, María Mrntrd y Mar Reykjavik. Sus trabajos, clasificados en una y otra tipología, tratarán de revelar su naturaleza continua o alterna a partir del diálogo que mantendrán en el espacio. * La inauguración tendrá lugar el día 3 de junio a las 20 h., pero no accederemos al interior de la galería, sino que cada visitante permanecerá en fila en la calle Doctor Fourquet a dos metros de distancia unos de otros, colocados sobre las marcas que se habrán dibujado previamente sobre la acera. Las obras irán saliendo una a una a manos de cada artista, quien se detendrá algunos segundos frente a cada visitante para mostrarle la pieza. Los artistas usarán mascarillas diseñadas y fabricadas por KAUSI, una empresa española de diseño de complementos, y cada estampado será elegido acorde al carácter de su obra. Organiza: Atelier Solar Acoge: Galería Nueva Colabora: KAUSI Información sobre los y las artistas Maloles Antignac (Alicante, 1974). Ha expuesto individualmente en la galería Gabriel & Guillaume de París, así como en colectivas en el Palais de Tokio (París) o en Hôtel le Cinq Codet. Ha estado presente en ferias como Ch.ACO (Feria de Arte contemporáneo de Chile) con Bendana-Pinel Gallery de París, Salon art + design New York o Salón ACME en Ciudad de México. Ha disfrutado de residencias artísticas en Fundación Martell, Cognac (Francia), Eden (Uruguay), SVA Residency Program (Nueva York) o la Manufactura de Sevres, Cite de la ceramique, Sevres (Fr) Antignac trabaja sobre la energía natural y la biodiversidad que habita el mundo. A través de su obra quiere investigar sobre la noción de naturaleza en un momento de crisis ambiental sin precedentes. De sus manos nacen criaturas híbridas conectadas entre sí por hilos visibles o invisibles. Sus obras parecen cuerpos fragmentados en mutación que nacen de las entrañas de la tierra. Son eróticas, místicas y testimonio de un mundo cuyos tesoros son amenazados. Cada obra lleva en sí una dimensión chamánica, casi sagrada, que se manifiesta en la profundidad del barro, en el reberberar misterioso de su esmalte y en el negro luminoso de la shungita, un mineral que solo se encuentra en la región rusa de Carelia y que tiene propiedades curativas. Marta Carballo (Gijón, 1967). Grado universitario en el área biosanitaria, ha participado en encuentros internacionales como ART BEIGING (China) y ART INNSBRUCK (Austria) con la galería Art Nou Milleni de Barcelona, donde también ha expuesto en 2013. Tiene obra en el Museo MIDAC (Museo Internacional de Arte Contemporáneo) de Belforte del Chienti, Italia y ha participado en exposiciones en Madrid en espacios como Sexta Expresión o el Colegio de Arquitectos. La propia artista dice así sobre su trayectoria: “en el año 2007 me traslado a Madrid y comienza espontáneamente mi inmersión en el arte y la poesía. Puedo encontrar el germen de todo ello en una temprana afición por la arquitectura y la pintura. Realizo numerosos talleres y acudo a trabajar en el estudio de distintos artistas, complementándolo con la lectura constante de ensayo y biografía. Cito como maestros puntuales a Myrian Villarrubia, Javier Pereira, Jon Ander del Arco, Pedro Galván, Javier de Juan, Alfonso Caputo, Elisa Almeida, Victor Ceprián Cortés, Juan Ortí, Rafaela Pareja, César Torres y Juanan Requena entre otros”. Y continúa comentando su obra: “Mi trabajo es indisociable de mi evolución personal y de los dictados de mi intuición, una forma también de mitigar el dolor, de mirarlo de frente y con distancia, dolor, por lo que no puedo cambiar. Con esa realidad se va desvelando la forma de contarlo, eligiendo, de las herramientas a mi alcance tras la investigación con técnicas y materiales, aquellos más idóneos para la transmisión de mi mensaje. La creación artística supone un canal de comunciación entre lo interno y lo externo, la ilusión de lo individual con la verdad colectiva, la Naturaleza como ente y mi naturaleza como fragmento, mitigando la experiencia de soledad impuesta por nuestra cultura y lidiando siempre con la permantente duda que significa crear”. Claire Chassot (Francia/Suiza, 1989). Ha presentado su trabajo en varias exposiciones colectivas en Francia y Suiza. En particular en el LIYH (Ginebra), en la Zoo Galerie (Nantes), en el Kunsthalle de Mulhouse, en el marco del festival Jerk Off de París, en Shuttle 19 (París) y en el Parlamento de Bretaña (Rennes). Tiene un máster en artes escénicas (Universidad de Lyon, 2011) y un máster en práctica artística contemporánea (Haute École d’Art et de Design, 2015). Durante y después de sus estudios, creó escenografías para el teatro (en particular para Mi Munequita de Sarah Calcine en el Théâtre de Belleville y en Les Métallos, París, 2016) y para la danza (Ayong y F(h)ommes del coreógrafo Herwann Asseh en 2013 y 2019). En 2015 gana el premio “Coup de Coeur” de la fundación Ahead que le permite publicar el libro de artista Passages con la encuadernadora Julie Auzillon. En 2015-2016, pone en marcha un ciclo de exposiciones en el estudio que ocupa con Benjamin Mouly en la Cité des Arts de París. En 2016, participa en la residencia Generator#3 en el centro de arte 40mcube de Rennes. Después de esta residencia, recibió una beca y un taller de la ciudad para continuar desarrollando su práctica. También completó varias residencias creativas en escuelas en 2018 y 2019. Desde septiembre de 2019, ha estado trabajando entre Rennes y Madrid. A través de sus instalaciones y performances, Claire Chassot cuestiona la relación que la arquitectura nos hace mantener con nuestro entorno. Su práctica se sitúa entre la escultura y la escenografía. Influenciada por el eco-feminismo, desarrolla esculturas que cuestionan la monumentalidad proponiendo formas modulares sensibles a la luz y al tiempo, y que devuelven al visitante a su propia presencia. Este enfoque subraya nuestra relación táctil con el mundo en espacios donde la mirada a menudo ocupa un lugar dominante. Trabaja regularmente en colaboración, invitando a sus amigos a añadir su subjetividad a la suya. Este modo de creación a múltiples manos es una extensión de su experiencia en el teatro y contribuye a revelar lo que influye en nuestra comprensión y apropiación de nuestro entorno. Natalia Escudero López (Zaragoza, 1991) Graduada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y en Arte en Contexto por la Kunsthochschule de Kassel, Alemania. Formación complementada con la participación en talleres en la Central Saint Martins y en el Laboratorio Creativo Vilaseco (programa “12 miradas”), así como a través de la realización de cursos de diseño y producción de exposiciones (Universidad Europea Miguel de Cervantes) Su obra ha recibido reconocimiento en el panorama artístico nacional a través del Instituto Nacional de la Juventud (INJUVE), la galería zaragozana A del Arte, la Fundación Joan Miró y Pilar Juncosa, la Fundación Santander, la Joaquina Zamora, la Fundación María José Jove, la Fundación Ankaria o el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), entre otros, y a nivel internacional por Sotheby’s, la Cdw Foundation de Kassel, Ongoing y Youkobo Art Space en Tokio, donde fue invitada como artista residente entre octubre de 2018 y marzo de 2019. Cofundadora del colectivo Membrane (membrane.network), Natalia Escudero ha completado también su actividad artística con otros desarrollos profesionales: ha sido Liaison Officer en el departamento de educación de documenta 14 y Stage Manager en la organización de la performance “Whispering Campaing” del artista estadounidense William Pope L. La artista explica: “ante una realidad que parece tender a la desarticulación de los principios de unidad, el verano pasado me quise acercar al paso fronterizo del Portalet con la intención de dar valor a las fronteras pacíficas. El desarrollo del proyecto se convirtió — literalmente — en una acción artística de resistencia. Todos los veranos una cuerda para el ganado separa los Pirineos del Alto Gállego de sus homólogos Atlánticos en Francia. Me hice con un segmento de aquella cuerda y ascendí todo lo que mi cuerpo me permitió, al tiempo que hacía del salto a la comba un ejercicio reivindicativo poco común a 1784 metros de altura. Práctica que hoy, durante los meses de confinamiento, traslado al interior de mi pequeño apartamento, donde la frontera es una ventana que acerca el mundo interior al exterior, el exterior al interior”. William Gaber (Mérida, Yucatán) El artista mexicano William Gaber ha presentado su trabajo individualmente en Galería La Casa Gotxicoa en Monterrey, la Fundación PONS de Madrid o Galería del Sol Miami entre otros espacios, y de manera colectiva en RCA Londres, Museo Vostell Malpartida, Galería Pandea Cartesiano de Puebla México, Espacio Mannach de Ciudad de México, la feria MID Art Yucatán con la galería Terreno Baldío o en la Aqua Art Fair Miami con Rubber Stamp Art Projetcs entre otras. Gaber se ha formado trabajando con diferentes maestros. En los últimos años ha realizado cursos en diversas escuelas de Madrid y en el Royal College of Art de Londres. Desde temprana edad William Gaber ha trabajando con temas como la conducta humana, la migración, los procesos de cambio y su influencia en la psicología del individuo, etc. William Gaber ha trabajado con diferentes técnicas en pintura y dibujo, escultura, arte digital, evolucionando hasta crear piezas con un complejo sentido conceptual. Su obra representa a una generación actual, consciente, autocrítica y con un agudo sentido del humor y la estética. Marta Galindo (Cádiz, 1993) Estudió Bellas Artes en la Universidad de Sevilla (2011-2015) y en Montfort University en Leicester (2016). Completó sus estudios en la Universidad Complutense de Madrid cursando el Máster en Investigación Artística y Creación (2017-2018). Ha recibido distintas becas como "Comisario Conoce Artista" de Atelier Solar (2020) o la "Residencia para jóvenes creadores" de la Fundación Antonio Gala (2016-2017). También ha sido galardonada con varios premios como el Certamen Nacional de Artes Plásticas del CICUS, finalista en el VII Premio a la Producción Artística de la Fundación Banco Santander o el Certamen Nacional de Arte Contemporáneo de Utrera. Ha participado en varias exposiciones entre las que se encuentran "5 YEARS" show en Plastic Murs (2020) o "Neighbours" en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (2018) entre otros. Además, es cofundadora de la iniciativa artística Algo más Alegre, un proyecto artístico independiente que pretende dar impulso a artistas emergentes y generar un intercambio de ideas dentro del panorama artístico donde se desarrolla. La propia artista dice sobre su trabajo: “mi práctica investiga la sobresaturación de imágenes digitales, la estética trash cibernética y el perfil del prosumidor. Empleo el humor y la ironía como estrategia ante las problemáticas contemporáneas y la anárquica yuxtaposición de información del medio digital. Me interesa la proliferación de la imagen estetizada en el sistema capitalista y la reubicación y resignificación del excedente digital en nuevos contextos artísticos. La estética y los fenómenos digitales en su propio medio no son demasiado perceptibles, se embarullan y disipan en flujos de contenidos automáticos. Mi trabajo traslada lo digital al formato físico, interrumpe la cadena de imágenes de la web para dar relieve y evidenciar las dinámicas de la cultura-red”. Alejandro González Castillo (Málaga, 1993) Graduado en Bellas Artes (2017) por la Universidad de Málaga donde también ha realizado el Máster en Producción Artística Interdisciplinar (2019). Ha obtenido la Beca de Paisaje de la Academia de San Quirce de Segovia (Alhóndiga de Segovia, 2016). Su primera individual fue Chapa y Pintura (Sala de la Universidad de Málaga, 2019) y ha participado en colectivas como Biunic (2019) en la Fundación Valentín de Madariaga y Oya, Sevilla, Cruzando el puente (Sala del Rectorado de la UMA, Málaga, 2018), Promesas (Sala del Rectorado de la UMA, Málaga, 2017) o MálagaCrea (La Caja Blanca, Málaga, 2015), entre otras. Fue coordinador de la exposición BANKSY: The art of protest, (La Térmica, Málaga, 2019) y responsable de la documentación del proyecto: Que no cabe en la cabeza (Javier Garcerá Centro del Carmen, Valencia, 2016). González Castillo afirma sobre su obra: “me sirvo de la pintura expandida y utilizo una serie de materiales provenientes de accidentes de coches como recursos principales para conducir al espectador a la experiencia estética de lo siniestro. Así, mi obra alude a la idea de accidente como acontecimiento estético. Si bien estas composiciones nos llevan en una primera impronta a pensar en el desastre, tras una mirada sensible y atenta, la violencia y la pulsión de muerte que éste implica queda, así, derivada en su sublimación mediante la búsqueda de la belleza articulando un renacimiento de fuerte potencia plástica y pictórica”. Ugo Martínez Lázaro (Ciudad de México, 1974) Es licenciado en arquitectura por la Universidad Tecnológica de México, y ha participado en exposiciones en el Museo de América, el Instituto de México en España (IMEX), Galería la isla, Universidad autónoma del Estado de Hidalgo, México, Galeria Contrast, Barcelona, el Centro de Arte Moderno, Madrid, Galería 6 más 1, Espacio Trapécio en Madrid, Galería Fernando Pradilla Madrid, Galería Punto Valencia, entre otros. Ha participado en ferias como REALISME Amsterdam, ART TORONTO, SWAB Art Fair, Barcelona o Scope Basel Art_Show. Ha recibido la beca INJUVE en 2014 y ha participado en proyectos con La galería de Comercio (Ciudad de México). El artista, hablando sobre su propio trabajo, comenta: “mi constante ejercicio creativo es hacer interpretaciones de los documentos textuales, visuales y sonoros que consumo, para posteriormente filtrarlos y perfilarlos desde mis vivencias personales. con este proceso interpretativo, afinco herramientas teórico-vivenciales que fundamentan mis visualizaciones, que después pongo en práctica con mis recursos plásticos. Una de las características del continuum artístico de mi obra es que se organiza como una secuencia de pequeños pasos lógicos, cada uno consecuencia del anterior ‒sea como evolución, sea como reacción‒; es el dibujo, pues, de un árbol genealógico en el que todos los miembros de la familia mantienen una estrecha cercanía, pero a la vez características singulares que los separan y provocan tensiones estimulantes”. mAwatres Juan Pablo Ordúñez / MawatreS es licenciado en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco. Tiene un máster en Investigación y Creación en arte y está desarrollando su tesis doctoral sobre La intervención artística como método de construcción de esfera pública. Compagina su práctica artística con proyectos de medicación y comisariado, además de ser profesor invitado en el Master de Arte Contemporáneo, performativo y tecnológico de la UPV-EHU. Como artista ha expuesto de manera individual en el Centro Cultural Montehermoso de Vitoria, Galería SICART de Barcelona, MA STUDIO de Pekín, China, EAST st ARTS en LEEDS, UK y la fundación BilbaoArte, entre otros. De manera colectiva, su trabajo se ha visto en ARTS SANTAMONICA de Barcelona, MUSAC de León, Museo GUGGENHEIM Bilbao, Espacio Trapezio en Madrid, INTRANSIT en Madrid, D21 en Leipzig, Alemania, EGG Gallery en Pekin, China, ART ISTAMBUL en Turkia, SUMMA en Matadero Madrid o SWAB ART FAIR en Barcelona, entre otros. Sobre su obra, dice: “entiendo el arte en un contexto social como un acto humano esencialmente generoso, un intento individual y positivo de enfrentarse al mundo real a través de la interpretación expresiva. El valor del arte tal como funciona o a veces florece en nuestro sistema está tan estrechamente relacionado con la creencia occidental en el derecho de expresión individual que se podría hablar con precisión del arte como medida de la libertad en nuestra sociedad. Sobre esta idea fundamental abordo mi trabajo, con la esperanza de clarificar estas convicciones a través del debate o de la intervención artística en el tejido urbano (así como en el entramado contextual e histórico). Por tejido urbano/social entiendo las condiciones sociales, económicas y morales, así como el estado físico, de las calles o las estructuras de la ciudad así como de otros contextos. Como neoyorquino de nacimiento bilbaíno adoptado, tengo muy arraigada la sensación de que esta ciudad es mi casa, y me preocupa sinceramente su situación y la calidad de vida de sus habitantes, mientras que, como estudiante de arquitectura y urbanismo bellas artes desde hace mucho tiempo, sigo teniendo una posición clara en lo que respecta a las condiciones predominantes y la necesidad de mejora” María Mrntrd (María Moreno Tirado, Granada 1993) Estudia el Grado en Bellas Artes y el Máster en Arte, Idea y Producción por la Universidad de Sevilla. Tras dos años de producción plástica y participa en múltiples exposiciones colectivas en Andalucía, en la Fundación Valentín de Madariaga, la Fundación Caja Granada o en el Museo de Cerámica de La Rambla. Realiza en Sevilla sus dos primeras exposiciones individuales, en la Sala Laraña y en el Espacio El Butrón. Sumadas a su formación como artista, otras diversas exposiciones en el resto de España, en el Centro de El Carmen en Valencia, en la Sala Amadís en Madrid, en la Galería Fran Reus en Mallorca o en la Galería A del Arte en Zaragoza. Posteriormente se muda a Madrid para realizar el Máster en Arte y Profesiones Artística en la Escuela Sur en el Círculo de Bellas Artes. Allí participa en diversos festivales de arte como Hybrid Art Fair, Art Banchel y JustMad X. El último año ha realizado dos exposiciones individuales, una en Sevilla en el Centro Cerámico de Triana y otra en Madrid, en el Museo de Arte en Vidrio de Alcorcón, la cual se puede visitar actualmente. Lo ulterior queda definido como aquello situado en la “parte de atrás”, aquello no percibido a simple vista, lo posterior, un sentimiento tras otra cosa. Lo ulterior carece de negativo o positivo, no es algo oculto, sino ignorado. En este caso, la artista no extrae su naturaleza, no lo desliga, sino lo asume como primer plano; consciente de lo allende, lo hace suyo al tomarlo como propio y ser capaz de presentarlo al mundo. Mantiene su significado, cobrando mayor importancia debido a su relación con ella y sus recuerdos, sacando su presencia relucir. Lo ulterior es percibido como algo nuevo, estableciendo las infinitas oportunidades para presenciar ese conocimiento, pues cada lugar, cada rincón, es presumible de contenerlo. Exponer esta parte de atrás (lo desconocido, lo ignorado) es exponer dicha posibilidad de conocimiento, para más detalle, mediante el roce con este objeto relacionado entramos en contacto directo (físico) con “lo del otro lado”. Mar Reykjavik es Máster en MasterLav y graduada en Bellas Artes por la Universitat Politécnica de València con especialización en la imagen en movimiento, instalación y acción. Su trabajo se ha expuesto/proyectado en espacios como Galería NGBK, Berlín, SupermarketArtFair, Estocolmo, el Centro Cultural el Recoleta, en Buenos Aires o Spazio Franco en Palermo, así como el Muvim Valencia, CA2M, Storm And Drunk, CasaBanchel o Cineteca de Matadero en Madrid, Fundación Bilbaoarte, Da2 Artium en Salamanca, COAC de Tenerife y próximamente Centro de Arte José Guerrero. Ha sido artista residente en Resistències del GVA en Valencia (2019), Fundación Bilbaoarte (2018) o Espacio Oculto (2017). En palabras de la autora, “hacer es la mejor forma de pensar. Trabajo la imagen que me toca y la arrojo de nuevo engranada. A veces hay risa. Mi ejercicio es el de acercar las cosas para explicar un momento. La forma, al final: un ensayo que e articula entre la acción, el video y la instalación. Trabajo con el cuepro porque tengo uno. A veces hay texto. Solo desde el cuerpo podremos salvar esta imagen. Me interesa juntar, abrir. Las cosas. Esto, lo otro. El giro, el pliegue, de nuevo la imagen, que ya no tiene poder autónomo y aun así lo descubre todo”.

 

 
Imágenes de la Exposición
Willam Gaber — Cortesía de Atelier Solar

Entrada actualizada el el 28 may de 2020

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