En la mitología griega, Prometeo es el titán que desafía a los dioses. Creador de la humanidad, roba para esta el fuego que Zeus le había negado; la energía primigenia domesticada que permitió el avance de las civilizaciones y el desarrollo del conocimiento científico y las artes. Hijo del titán Jápeto y la oceánide Clímene, hija de Océano, es el gran benefactor, la figura mítica que dotó al hombre de las herramientas fundamentales para conseguir aquello que en la edad moderna se definió como progreso.
El fuego surge de una reacción química y es fuente de luz y calor, se produce por combustión y en la naturaleza se da de manera espontánea. Para que se origine es necesaria una gran cantidad de energía liberada rápidamente. Hace unos 800.000 años, el control del fuego nos permitió calentarnos y tener luz, así como fundir metales para hacer herramientas. Más tarde, ese mismo fuego...que aplicábamos a la madera pasamos a aplicarlo al carbón, que se convirtió en nuestra principal fuente de energía hasta pasada la mitad del siglo XX y que aún lo sigue siendo en muchos países. Hoy en día vemos cómo nuestra manera de actuar sobre los elementos hace peligrar el planeta.
Es el momento de devolver el fuego de Prometeo y hacer una apuesta clara por otras fuentes de energía limpias y renovables, como la hidráulica, la eólica, la solar o la mareomotriz y empezar de nuevo, creando una nueva relación con la Tierra y los océanos, más respetuosa, menos invasiva y depredadora.
KEKE VILABELDA
www.kekevilabelda.com
En estas pinturas el artista parte de la reciente erupción del volcán Cumbre Vieja, en la isla de La Palma, para enfrentarse al fuego como energía primigenia. Esa imagen del volcán en erupción de lava lleva al artista a desarrollar una pintura abstracta, concentrando en el lienzo la potencia de la lava y el fuego para desarrollar unas pinturas matericas que construyen el paisaje natural y pictórico. El pintor lo consigue esto a través de una serie de procesos alquímicos que dan lugar a estas obras cuyo objetivo es la comprensión de estos procesos derivados de la acción natural.
ALBERTO CARNEIRO
El artista ha trabajado siempre con la naturaleza y las plantas. Esta pieza está constituida por una serie de fragmentos de madera que componen algo parecido a un mandala o a una extraña Rosa del Desierto y que nos conduce a un espacio de reflexión sobre la naturaleza.
Su obra se identifica estéticamente con la fusión entre cuerpo y naturaleza. Su incesante investigación sobre el paisaje como lugar de recuerdos, así como la relectura de la tradición escultórica, le ha llevado a realizar una aproximación a las diversas vertientes de la sabiduría oriental. Con un gran conocimiento y dominio del medio, introduce el factor tiempo en trabajos como este Sobre o meu Jardim (Sobre mi jardín).
JULIA LLENERA
www.juliallenera.com
El barro es una mezcla de arcillas y agua. Somos cuerpos de agua, cuerpos de sed. Ombligo, cuenco y agua es un recorrido geográfico, táctico y sensorial en cuyo proceso largo y lento, piel y barro se funden para dar forma a piezas curvas y lisas conectadas entre sí, como si se tratara de un manantial cuya agua brota del suelo o de entre las rocas. Las piezas en su conjunto componen un territorio habitado y habitable, donde cada gesto de los dedos y huesos queda permanente en ellas, como una huella del pasado o un pliegue, una arruga que ahora es fósil traído al presente para ser observado y reconocido de nuevo.
LOIS PATIÑO
www.loispatino.es
Sol Rojo nos sumerge en la oscuridad del mar y refleja aspectos perceptivos y sensoriales de la experiencia submarina. La flotabilidad del cuerpo, la atención a la respiración, el movimiento oscilante de la luz o el aislamiento sonoro, nos envuelven en una experiencia íntima de profunda introspección. En Sol Rojo se analiza el concepto de flotabilidad neutra, punto en el que el cuerpo sumergido encuentra el equilibrio exacto en donde ni emerge hacia la superficie, ni se hunde hacia el fondo, sino que se mantiene suspendido, ingrávido, en sincronía total con el movimiento de la masa de agua. Este estado de suspensión en el espacio acuoso, controlado desde la respiración, nos lleva a un estado meditativo donde es el propio tiempo el que va quedando suspendido y las fronteras del cuerpo diluyen.
DAN GRAHAM
Su obra es un compendio de reflexiones sobre la percepción, el tiempo, nuestra manera de ser y de habitar en el mundo. Graham proyecta sus pabellones pensando en la relación entre estas estructuras y un lugar específico. En clara conexión con los presupuestos de la arquitectura moderna, trabaja en la búsqueda de uniones entre la arquitectura y el paisaje exterior, y convierte al tiempo en elemento esencial de la obra. El juego de espejos que Graham propone al espectador, nos plantea a su vez una reflexión sobre la imagen que tenemos de nosotros mismos. La arquitectura se convierte en lugar para la búsqueda de nuestra propia intuición personal como seres humanos. Estas estructuras funcionan como espacios que alteran la percepción espacial de manera momentánea y sirven a distintos fines pudiéndose desarrollar en ellos distintas actividades.
ENAR DE DIOS RODRÍGUEZ
www.enardediosrodriguez.com
Liquid Ground es un proyecto que investiga la cartografía oceanográfica actual para narrar poéticamente el futuro inminente previsto por la ciencia, la política y la economía para una nueva parte del mundo “descubierta” en estos años: el fondo del mar. Aunque los océanos constituyen el 70% de la Tierra, menos del 20% del lecho marino ha sido mapeado. En los últimos años, ha habido un creciente interés en crear un mapa completo de todos los fondos oceánicos. La reciente cartografía del fondo marino coincide con el mapeo de sus recursos. Liquid Ground analiza cómo se está realizando este mapeo y plantea cómo pueden los medios artísticos participar (y formar parte) de este conocimiento en proceso.
NACHO MARTÍN SILVA
www.nachomartinsilva.com
La obra que actualmente se encuentra en proceso. Es una gran instalación pictórica construida a modo de collage y en la que el pintor empleará estrategias de búsqueda y arqueología de la imagen para reflexionar sobre el paisaje de la modernidad que acompañó a los tiempos de la industrialización desde finales del s. XVIII en adelante. Esos paisajes se verán trastocados por los apuntes que el artista ejecuta, creando disfunciones dentro del lienzo a través de la inclusión de imágenes contemporáneas. La contaminación, el establecimiento en ciudades y el daño medioambiental, son sometidos a crítica a través de la mirada y participación en la obra de la hija del artista y algunas de sus compañeras, quiénes a través de su pintura infantil, completarán este collage mostrándonos cómo ven ellas la posibilidad de mejorar estos paisajes, envolviendo la obra con la promesa de otros futuros posibles para el medioambiente.
MIREYA MASÓ
Mireya Masó dialoga con la investigación científica desde la perspectiva artística. Jubany y Marambio son dos obras que forman parte del trabajo que la artista ha realizado durante el verano austral del 2006 en las bases argentinas gestionadas por la Dirección Nacional del Antártico en colaboración con la ecóloga marina Mercedes Masó. El resultado final muestra un conjunto de vídeos y fotografías que nos confrontan a un paisaje natural apenas intervenido por el hombre. Para Mireya Masó “la Antártida es la presencia visible del cambio donde el tiempo cronometrado se materializa en un discurrir sin pausa de sol y niebla, de calma, de nevadas y pedregales despejados por el viento, de mareas, de avances y retrocesos de témpanos y escombros sobre la bahía. Es un paisaje en movimiento en el que nada permanece más allá del instante. En la Antártida cada segundo tiene el valor del presente. Aparece y desaparece antes de poder recordarlo”.
GLENDA LEÓN
www.glenda-leon.com
La artista trabaja para generar una reflexión dialéctica sobre la fragilidad y fuerza de la naturaleza. Potencia una visión holística del Universo: todos los seres fuimos concebidos por la misma energía con que fue creado el Cosmos. La artista se inspira en el segundo axioma del Kybalión a partir de las enseñanzas de Hermes Trimegisto –“como es arriba es abajo”– para reflexionar sobre la naturaleza, su fuerza y su presencia.
La mariposa es un símbolo de empoderamiento de aquello que mal llamamos ‘débil’ pero que simplemente es ‘frágil’; una fragilidad incrementada –en este caso–, por el impacto negativo de la explotación de los recursos naturales. Quizás no se valora en toda su magnitud la importancia de la existencia de las mariposas en elementos vitales. Glenda León nos presenta su visión de la vida como un camino de crecimiento espiritual y el papel que el arte puede tener en este proceso.
EVA LOOTZ
Rama 3 es una obra de la serie Ramas grandes, la artista alude a la forma en la que los ríos desembocan en el mar, a sus ramificaciones de agua y a los paisajes de los deltas. La obra entronca con el grupo de piezas vinculadas a la naturaleza y a elementos indispensables para la vida como el agua y la sal. La forma en “Y” de esta rama marmórea nos habla de cómo en ocasiones una leve bifurcación nos lleva a nuevos caminos insospechados. El interés de Eva Lootz por el agua viene marcado por su visión de la naturaleza y el paisaje, pero también por la idea de los cursos de agua como espacios de tránsito y movimiento, cómo lugares de organización de la economía humana, alrededor de los cuales la arquitectura emerge para dar lugar a espacios de habitación y ocupación del territorio y como no, a la civilización, a través de la continua mutación de sus márgenes y estructuras. Su poética mantiene una relación clara con los problemas derivados de nuestra ocupación en el medio y nuestras maneras de vivir.
DING MUSA
http://www.dingmusa.com/
En su obra Buraco, muestra un inmaculado cielo azul, simplemente interrumpido por el vuelo en espiral de unos buitres que, volando en círculos sobre un punto fijo, marcan un recorrido concreto sobre la tierra. Buraco en brasileño significa agujero ya que los protagonistas no son los buitres, sino aquello que ni siquiera aparece en la imagen. En el momento en que fueron tomadas las fotografías y grabado el vídeo, estos buitres se encontraban sobrevolando, en Río de Janeiro, una pirámide de setenta y cinco metros de altura de escombros y basura, alrededor de la cual se instalaba un complejo sistema de seres humanos que vivían en torno a los desperdicios. Un espectáculo que resume las incongruencias de la vida en las grandes ciudades en países como Brasil donde los contrastes entre opulencia y pobreza forman parte del paisaje y la idiosincrasia de la urbe. Conceptos como “representación” o “punto de vista” aparecen como centrales dentro de su obra. En sus propias palabras se trata de “discutir sobre la relación entre la imagen final y el lugar donde se toman las fotografías, y de tratar de estresar la relación hasta cierto punto en el que sea imposible reconocer el lugar.”
ROSELL MESEGUER
www.rosellmeseguer.com
Partiendo de la guerra y el afecto, profundamente vinculados a la colonización mineral, el Proyecto Tierras Raras expande la lectura geopolítica del tema y las problemáticas derivadas de la misma – tecnología, economía y sociedad- a partir de una publicación, una instalación del proceso investigativo, un políptico pictórico y diversas colecciones formadas por libros de artista. Las tierras raras o lantánidos, han sido extraídas desde finales del siglo XIX. China es país clave en la producción de las mismas, y su control férreo ha generado profundos desacuerdos y conflictos a nivel mundial.
Como diálogo entre las relaciones de la economía de un país con su industria, poniendo en relieve pasados y presentes – de ahí que la proyección se haga en un díptico-; SLHS Tamarugal simboliza la capacidad de la industria, y en específico la minería, para cambiar las políticas, la sociedad, la economía y el paisaje de un país.
La artista parte de su propia experiencia, la bajada a una mina con siete años -Cartagena, España- como hilo conductor de la historia minera en el sur de la Península Ibérica, una industria del pasado reciente con escasa perspectiva de futuro frente a un presente y su alta proyección en el futuro de la minería de Chile, Bolivia y Perú.
MÓNICA MANEIRO, comisaria de la exposición.
Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela (1999) y Máster en Museología, Crítica y Arte Contemporáneo por la misma universidad (2010). En la Facultad de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid estudió cursos de doctorado en Crítica y Estética entre los años 2003 y 2004. Entre 2014 y hasta 2019 fue directora junto a Fernando Agrasar de la revista de arte contemporáneo, arquitectura y diseño DARDO magazine en la que ahora forma parte del comité asesor. También formó parte del equipo de la Fundación DIDAC, en Santiago de Compostela, en el departamento de exposiciones.
Junto a David Barro e Iñaki Martínez Antelo forma la cooperativa Performa en 2020 desde la que dirigen proyectos como Plataforma, Festival de artes performativas en Santiago de Compostela. Juntos han comisariado en los últimos años exposiciones en el CGAC y el DIDAC. En 2021 han sido los encargados de realizar el comisariado artístico del Festival Esférica Rioja Alavesa. En febrero de 2022 presenta la exposición Wunderkammer. Suso Fandiño en el CGAC.
El 26 de abril inaugura junto a MadBlue la exposición Devolver el fuego, en el Centro Condeduque donde reúne a 12 artistas con el mismo discurso expositivo como base que es la sostenibilidad.
¿Qué nos vamos a encontrar en la exposición?
Devolver el fuego es una exposición colectiva en la que cada artista tiene su propio lugar. Las obras son diversas y tratan muchos temas, pero todo está en relación con la idea general de narrar nuestro paso por el planeta en relación con la cultura, la civilización, nuestras acciones, el uso de la energía y la presencia de los océanos y una naturaleza que reclaman protagonismo y una nueva actitud del ser humano ante ellos.
Hoy en día sabemos cuáles son las nuevas formas de energía y tenemos la tecnología y los conocimientos adecuados para utilizarlas. Debemos impulsar un cambio rápido e implacable. ¿Cuál crees que es el papel del arte en este proceso de cambio?
La aportación de los artistas se vuelve clave para servirnos como hoja de ruta en este nuevo camino. Como comisaria tenía claro que MadBlue asume y comparte la capacidad regeneradora de la cultura, y así con la exposición quise poner al alcance de todas y todos los ciudadanos las visiones, a veces simbólicas, a veces analíticas y también proféticas y señaladoras del arte, para deslizarnos en un recorrido en el que la imagen se vuelve elemento fundamental capaz de condensar ideas de lo que hemos sido, de lo que somos y de lo que queremos llegar a ser, teniendo como proyecto una visión de cambio que nos lleve a una nueva relación, más respetuosa, menos invasiva y depredadora con la Tierra y los Océanos.
Entrada actualizada el el 04 abr de 2022
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