El sueño de la razón produce monstruos
Francisco Goya es frecuentemente llamado el primer artista moderno. Todo lo que dibujo y pinto se dibuja y pinta después de Goya. Cada línea oscura que hago me preocupa que pueda ser demasiado oscura. Cada emoción que describo me preocupa que pueda estar convirtiéndose en kitsch, lo sentimental o lo melodramático. Me preocupa que lo que quiero retratar esté demasiado de moda o me preocupe que esté pasado de moda; o fuera de tiempo en conjunto. Y luego volveré a uno de mis muchos libros sobre el trabajo de Goya e imaginaré que él da un guiño protector con la cabeza.
Cuanto más viejo soy, más entiendo el trabajo de Goya. Su reconocimiento y aceptación de la posición del artista dentro del mundo del arte; su rechazo de esa posición a través de la continuación de su trabajo personal.
Su arte trata sobre sexo, género, violencia,...guerra, política y sociedad. Para mí, nacido y criado en Inglaterra, Goya es el equivalente en arte visual de Shakespeare. La palabra y las frases escritas de Shakespeare todavía forman una gran parte del idioma inglés contemporáneo, a veces intencionalmente y muchas veces sin que el orador se dé cuenta de que están citando o parafraseando al gran dramaturgo. La obra de Goya actúa de manera similar dentro de la historia de la pintura que le siguió. Incluso si el artista lo planeó o no, Goya está probablemente en algún lugar. En los rincones oscuros del tema o manejo; o tal vez en la oscuridad de los mismos artistas si no es visualmente evidente en el trabajo.
Goya no era solo un pintor de su mundo. Goya y su obra eran un mundo. Los temas subyacentes del horror, las debilidades y las fallas de la humanidad son más apropiados ahora como una lección relevante para los jóvenes artistas que cualquier otra cosa presentada por otros artistas desde Goya. Goya es mi punto de partida, asegurando mi justificación para elegir esta profesión. Y Goya es la sombra que cae sobre mi obra. Como Goya pinto por ciento una razones. Pinto a las exigencias de un comisionado, pinto para mí mismo, pinto para hacer un punto político, pinto como terapia personal, pinto para aprender sobre pintura, pinto para regalar el trabajo y pinto para vender el trabajo, Pinto porque es una obsesión y pinto porque soy egoísta, pinto para hacer cosas hermosas, pinto para hacer cosas feas y pinto por razones que ni siquiera puedo explicar.
Goya es frecuentemente llamado el primer artista moderno. Estoy de acuerdo, y creo que él también podría ser el último artista moderno.
Guy Denning
Guy Denning nació en North Somerset en 1965. Ha estado obsesionado con el arte visual desde la infancia y comenzó a pintar al óleo a la edad de once años después de recibir un conjunto de pinturas antiguas de un familiar que se había aburrido de ellas. A lo largo de la década de los 80, fracasó repetidamente en sus aplicaciones para estudiar pintura a nivel universitario, pero continuó creando y aprendiendo los aspectos técnicos de la pintura al óleo de pintores más experimentados que conoció en Somerset. Continuó estudiando Historia del Arte y recibió su título en The Open University.
Denning tuvo varios trabajos a partir de los 20 años para ayudar a su familia y seguir pintando. Desde que el creció en un pueblo de Somerset, en las afueras de Bristol, y vio cómo la economía rural local se desmoronaba en la década de 1980, se interesó por responder a la sociedad en un tipo de narrativa política u otra. Con su descubrimiento en 1980 de las bandas CRASS, The Dead Kennedys y Poison Girls, Denning se asoció si mismo con la segunda ola de punk y vio la luz en términos de arte callejero. Siguiendo la estética del el texto impreso y la política anarquista de la banda CRASS y la visión de fotomontaje del artista Gee Vaucher, Denning comenzó a salpicar las ciudades del oeste del país con su particular estilo de pegado y, a veces, surrealistas mensajes políticos. En una época en que el graffiti se definía generalmente por una visión inspirada en el hip hop de estilo estadounidense. Con frecuencia, Denning desafiaría lo que le parecía entonces como un estilo con poco contenido político. Su ataque preferido fue simplemente colocar la palabra “WHY?” («¿POR QUÉ?») junto a su «tradicional» graffiti que encontró al llevar su pintura y sus plantillas.
En sus solicitudes universitarias se le dijo que necesitaba alejarse de su estilo abiertamente figurativo y para ser más sutil en cuanto a cómo enfrenta la política como un tema. Él era demasiado literal, ellos decían y demasiado feroz. Sus crudos fotocopiados encolados fueron declarados demasiado gráficos, el tema no era apropiado para las bellas artes y la fotocopia no se consideraba un método de impresión de arte legítimo. Él También se sorprendió y no un poco enojado de que su acento distintivo de Somerset se convirtiera en el tema de conversación en una de estas entrevistas. En lugar de escuchar, refinó su técnica. En lugar de darse por vencido, aprendió a volverse resistente, disciplinado, enfocado. Entonces, para concluir: Guy Denning no tuvo otra opción; él se enseñó a sí mismo cómo ser un artista.
Denning tiene una afinidad impresionante pero poco ortodoxa con la mezcla de medios y técnicas, plantillas, latas de aerosol, pincel, pintura que gotea, crayones, empapelado, rotulador y pastel de conté … Algunas piezas dibujadas en papel de medio tono, papel de periódico o tarjeta de embalaje rasgada que les da una economía expresiva. Los tonos medios ya están allí, lo que significa que puede enfocar su potente y engañosamente simple dibujo aún más sobre el contraste y los resaltes agregados en blanco y negro. Con su pintura Denning utiliza no solo poderosos trazos de pincel para expresarse, sino que también raya y rasga la pintura y la superficie hasta un punto en el que haya tenido que coserla crudamente de nuevo. Frecuentemente agrega texto en esténcil o en collage a sus pinturas al óleo y ha sido invitado a trabajar en una variedad de proyectos de arte urbano comunitario en los que ha desarrollado un estilo distintivo en el que construye imágenes a partir de dibujos y texto. En 2010, Denning presentó 30 pinturas basadas en fotogramas de la película “La pasión de Jeanne d’Arc” de 1928, enfrentando las históricas maquinaciones políticas, en la exposición de Londres titulada «Behemoth».
En 2011 presentó «Inferno», la primera parte de su serie de tres pinturas al óleo de la Comedia de Dante en Bolonia; Esta fue su primera exposición en Italia y la exposición completa se agotó. En 2011, presentó la segunda parte de la serie en la ciudad de Nueva York para la exposición «Purgatorio». Originalmente inspirada en los escritos de Dante, su intención no era recrear el poema de una manera visual o literal, pero en lugar de eso deja que la serie «Purgatorio» actúe como un marco para su personal interpretación del mundo tras el 9/11. Al igual que con la escritura de Shakespeare, Denning encuentra una perpetua relevancia en el trabajo de Dante donde los detalles de nombre, situación y lugar se adaptan fácilmente al mundo moderno; como si el tiempo avanzara, pero los problemas de la humanidad siguen siendo esencialmente los mismos. Los eventos del 11 de septiembre y la carga emocional que causó la identidad de los Estados Unidos fue un elemento crítico para su cuerpo de trabajo. De manera conmovedora, esta exposición se llevó a cabo en una ubicación «emergente» a pocas cuadras de la Zona Cero y en el décimo aniversario de los ataques del 9/11.
Su espectáculo más reciente en París, coincidiendo con las conversaciones sobre el clima de la COP21, fue acertadamente llamado «The Party is Over ”y se centró en nuestra pertenencia a la última generación disfrutando de una abundancia de recursos naturales, con las generaciones futuras teniendo que limpiar el desorden después de nuestra resaca. Fue una exposición en galería. después de un año en el que Denning había estado pegando sus dibujos de ángeles «Paradis est ici» en todo el mundo y hablando con grupos de estudiantes para atraer mayor atención a las charlas de la COP21.
En febrero de 2016, Denning tuvo su exposición individual más reciente en La Neomudejar de Atocha en Madrid. La muestra continuó su exploración de temas políticos y ambientales a través de una serie de obras de arte, representando a ángeles, refugiados y retratos relacionados con el reciente evento de la COP21 en París; todo creado en su oscuro, dramático y hasta barroco estilo Asiente con la cabeza al trabajo de uno de sus principales héroes de la pintura, Francisco Goya, el trabajo de Denning fue muy bien recibido por su primera audiencia española y una pieza entró en la colección permanente del museo.
Guy Denning es una increíble combinación de talento, inteligencia y coraje. El hecho de que en su mayoría fue autoeducado sólo trae más admiración a su portafolio. No muchos artistas callejeros alcanzan las alturas que Denning tiene, por no hablar de cruzar simultáneamente las fronteras hacia lo contemporáneo, lo urbano y las bellas artes, mientras que Haciendo referencia a la gran tradición de la pintura pre-modernista europea.
Su trabajo también se lleva a cabo en varias otras colecciones públicas, incluido el Departamento de Política de la Universidad de Bristol, el Departamento de Ciencias Políticas de la Universidad de Galway, el MAGI’900 Museo de Arte contemporáneo, Bolonia y el Museo de Bellas Artes de Brest.
Cuando se trata de artistas que supuestamente no eran lo suficientemente buenos, Denning es un excelente ejemplo de cómo no se puede confiar completamente en algunas instituciones de arte para juzgar quién es y quién no es lo suficientemente creativo. Desde 2007, Guy Denning ha vivido y continúa trabajando en Finistere, Francia.
Entrada actualizada el el 26 jul de 2019
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