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En caida libre
10
oct 2019
09
feb 2020

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Publicada el 04 sep de 2019      Vista 70 veces

Descripción de la Exposición

CaixaForum Barcelona presenta la primera de las tres exposiciones del nuevo ciclo del programa de ”la Caixa” de apoyo a comisarios emergentes EN CAÍDA LIBRE Vivimos tiempos de transformación acelerada. Muchos valores que funcionaban como puntales de la sociedad se han derrumbado. Todo ello provoca una sensación de abismo, de caída, que, por un lado, puede ser angustiosa, pero, por el otro, abre hipótesis diversas de cara al futuro. La nueva exposición de CaixaForum Barcelona, En caída libre, utiliza la imagen de la caída como metáfora de ese cambio profundo a través de trece obras de arte contemporáneo de once artistas, que ilustran y reflexionan acerca de este momento de crisis estructural. La muestra está comisariada por el lisboeta João Laia, que ha sido uno de los tres ganadores de la nueva convocatoria de comisariado del Programa de Apoyo a la Creación Artística de ”la Caixa” para proyectos expositivos basados en los fondos de ”la Caixa” y del MACBA. La exposición se articula en torno a la gran instalación Laberint (1969-2019), de Àngels Ribé. Su forma espiral y la transparencia evocan la inestabilidad y desorientación del momento actual. A su alrededor aparecen piezas que van desde 1969 hasta la actualidad de Dara Birnbaum+Dan Graham, Runa Islam, Andreas Gursky, Rosemarie Trockel, Iman Issa, The Otolith Group, Georg Baselitz, June Crespo y Pedro Barateiro. Además, el poeta Eduard Escoffet ha creado expresamente para la exposición una obra sonora, Ones gravitacionals, con ocho piezas que dialogan con las obras que se exponen a través de todo el recorrido y que el visitante podrá seguir a través de la audioguía. Durante toda la temporada 2019-2020, la Sala 2 de CaixaForum Barcelona estará consagrada a la exhibición de las tres propuestas seleccionadas en este programa a cargo de comisarios emergentes, que llega con esta a su cuarta edición. El programa ofrece a jóvenes profesionales la oportunidad de realizar un comisariado a partir de las colecciones de ”la Caixa” y del MACBA, con la ayuda de profesionales de la entidad y tutores externos. Es asimismo una oportunidad para que comisarios emergentes ofrezcan lecturas innovadoras sobre estos fondos de arte. La novedad de esta cuarta convocatoria es que se ha ampliado su alcance territorial a Portugal. De hecho, el comisario de la primera exposición es el lisboeta João Laia. Los demás comisarios seleccionados para esta temporada son la alicantina Diana Guijarro, con la exposición Dónde estamos, dónde podríamos estar, que se inaugurará en marzo de 2020, y el equipo residente en Barcelona y formado por Beatriz Escudero y Francesco Giaveri, con So lazy. Elogio del derroche, que abrirá en julio de 2020. Además, recientemente, la entidad ha reforzado esta iniciativa ampliando el apoyo a la creación contemporánea y ha desdoblado la convocatoria con otra línea de apoyo a la producción de obras de arte. Esta nueva convocatoria, de carácter bienal, se dirige a todos los artistas interesados en producir una obra de arte. La ayuda se centrará en facilitar los recursos necesarios para que la obra se pueda hacer realidad, con especial atención a los artistas menores de treinta años. Con esta doble convocatoria,”la Caixa” da continuidad a su larga trayectoria de compromiso con nuevos talentos en el ámbito de la cultura en general, y de las artes visuales en particular. Abismo y desorientación La exposición En caída libre utiliza la imagen de la caída como metáfora del clima de transformación acelerada en que vivimos. La selección del comisario João Laia incluye 13 obras que van desde 1969 hasta la actualidad, de disciplinas diferentes como la instalación, la pintura, la escultura, el vídeo, la fotografía y una pieza sonora. El proyecto parte del hecho histórico del abandono de los acuerdos de Bretton Woods en 1971 —que habían regulado la economía del mundo occidental desde la Segunda Guerra Mundial— y la consiguiente pérdida del carácter físico de las transacciones económicas como acontecimiento decisivo del periodo. Las implicaciones sociales, políticas, ecológicas, antropológicas y psicológicas de aquel hecho condujeron a una sensación generalizada de inestabilidad y desorientación, una sensación de estar abocados al abismo, que dura hasta nuestros días. João Laia ha elegido la gran instalación Laberint [Laberinto] (1969-1974) de Àngels Ribé, perteneciente a la Colección MACBA, como eje central de la exposición, puesto que, por su forma en espiral, ejemplifica la posición de precipicio del que habla el proyecto. Este laberinto, de diez metros de diámetro con paredes de plástico amarillo transparente, permite que el público pueda transitar por dentro. El hecho de que la pieza sea como un obstáculo físico, que impide una progresión lineal en el espacio, alude a la actual idea de territorio como fuente de conflictos y provoca una sensación de inestabilidad y desorientación, responsable de estados de ansiedad y alienación. La obra es la reconstrucción de la obra que la artista presentó en 1969 en el castillo de Verderonne. A partir de aquí, la exposición tiene un carácter circular, definido por el laberinto de Ribé, que se convierte en una referencia de bucle, como síntoma de la condición contemporánea. La muestra pretende ser un mapa polifónico, con un conjunto de obras que describen el momento presente en su amplitud micro y macro, observando las transformaciones que se han producido en las últimas décadas en los ámbitos de la ciencia, la ecología, la economía, la geografía, la identidad, la política y la representación. Once obras más se sitúan en torno a la instalación de Àngels Ribé. En la entrada de la exposición, un vídeo de Dara Birnbaum y Dan Graham de 1980 analiza la retórica de los informativos televisivos, que conecta con el contexto actual marcado por las fake news y los «hechos alternativos». La película en 16 mm de Runa Islam, Assault [Asalto], de 2008, protagonizada por un personaje andrógino, actúa como una alucinación-espejo que representa y estimula emociones del malestar psicológico. Las dos fotografías de Andreas Gursky que están presentes en la muestra analizan aspectos de la estructura socioeconómica actual, como el sistema financiero y los efectos del turismo de masas, a través de la imagen nocturna y a media altura de un rascacielos de la sede de un banco de Hong Kong y de una perspectiva aérea de las ruinas de Tebas, en Egipto. El vídeo The Radiant [El radiante], de 2012, de The Otolith Group, toma como partida el desastre nuclear de Fukushima para mostrar la interdependencia de la ecología y la economía. La obra de Iman Issa, por otra parte, desestructura la idea de monumento conmemorativo, con una vitrina de objetos cotidianos de un economista cuyo nombre llevan ahora la calle y las plazas que frecuentaba. Elaborada con tejido de lana, Rosemarie Trockel utiliza en su obra de 1985-1988 dos logotipos icónicos, el de Pura Lana y el de Playboy, para criticar dos concepciones antagónicas que históricamente se han impuesto a la mujer: ama de casa y objeto de deseo sexual. Del mismo modo, la pintura Schwarze Mutter mit schwarzem Kind [Madre negra con niño negro] (1985), de Georg Baselitz, muestra la condición humana múltiple de mujer, madre y negra. Las dos esculturas de June Crespo, ambas fechadas ese mismo año, Instrumentos y fetiches y Helmets (VII), reflexionan acerca de los modelos contemporáneos de representación de la condición femenina. Por último, The Audience [El público] (2010), de Pedro Barateiro, se despide de los visitantes con una instalación formada por una serie de esculturas que aluden a diferentes tipos de producción y recepción del discurso en el espacio público y la fragmentación de esta plataforma de debate colectivo. Aquí el visitante escuchará de nuevo los comentarios del vídeo de Dara Birnbaum y Dan Graham, situado al inicio de la muestra. Ocho piezas sonoras dialogan con las obras expuestas Un segundo elemento aglutinador de la exposición es Ones gravitacionals [Ondas gravitacionales] (2019), ideada por el poeta Eduard Escoffet expresamente para este proyecto. Consiste en un conjunto de ocho piezas sonoras que dialogan con las obras que se presentan y que el visitante podrá escuchar a través del dispositivo de la audioguía, que, de este modo, se aprovecha también como espacio de creación. La obra que ha llevado a cabo Escoffet combina la presencia inmaterial, el discurso de la exposición y la experimentación sonora. El proyecto ha sido ideado en el marco del ciclo Esto no es una visita, que propone visitar una exposición desde la mirada particular de un creador contemporáneo convertido en guía para un día. JOÃO LAIA Lisboa, 1981 Es el conservador jefe de las exposiciones del museo de arte contemporáneo Kiasma de Helsinki. Entre sus exposiciones más recientes destacan Vanishing Point (2019), en Cordoaria Nacional, en Lisboa; Ahogarse en un mar de datos (2019); Transmissions from the Etherspace (2017), en La Casa Encendida, en Madrid; foreign bodies (2018), en P420, en Bolonia; 10000 years later between Venus and Mars (2017-2018), en la Galeria Municipal do Porto, en Oporto; H Y P E R C O N N E C T E D (2016), en el Museo de Arte Moderno de Moscú, e Hybridize or Disappear (2015) en el Museu Nacional de Arte Conteporânea do Chiado, en Lisboa. Además, Laia ha cocomisariado las XIX y XX ediciones de Videobrasil (2014-2018), en São Paulo. También ha participado en otras exposiciones, programaciones de performances y proyecciones como las que realizó para Xcèntric, en el CCCB (Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona); en la Galeria Zé dos Bois y en el Museu de Arte, Arquitectura e Tecnologia, de Lisboa; en la David Roberts Art Foundation, la Delfina Foundation, la South London Gallery y en la Whitechapel Gallery, en Londres; en la Escola de Artes Visuais do Parque Lage, en Río de Janeiro; en el Moderna Museet, en Estocolmo, y en el International Short Film Festival de Oberhausen, y en el Contemporary Art Center, en Vilna. En 2012-2013 Laia cursó el programa de postgrado de investigación CuratorLab en la Universidad Konstfack de Estocolmo y, en 2014, participó en el programa de residencia para comisarios de la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, en Turín, durante el cual codirigió el proyecto de la plataforma The Green Parrot, en Barcelona (2014-2016). También ha editado el libro A Multiple Community (Edições Sesc, 2018), ha coeditado la monografía sobre Daniel Steegman Mangrané titulada The Spiral Forest (The Green Parrot and Mousse Publishing, 2018), y ha publicado en revistas como Flash Art, Frieze, Mousse Magazine, Spike Art Magazine o Terremoto. EDUARD ESCOFFET Barcelona, 1979 Poeta y agitador cultural. Ha presentado su trabajo poético en centros y festivales como el Palais de Tokyo (París), el Centre Pompidou (París), Sónar (Barcelona), el Museo Universitario del Chopo (Ciudad de México) y Bowery Poetry Club (Nueva York). Recientemente ha comisariado la exposición La red en el bosque. Joan Brossa y la poesía experimental, 1946-1980, que puede verse en la Fundación Joan Brossa hasta el 17 de noviembre. Es miembro del grupo de electrónica y spoken word Barba Corsini. Ha publicado los libros de poesía Gaire (Pagès, 2012), El terra i el cel (LaBreu, 2013) y Menys i tot (LaBreu, 2017), y el libro de artista Estramps amb Evru (2011). Recientemente ha aparecido la traducción al castellano de su segundo libro bajo el título Suelo y cielo (Arrebato Llibres, 2018). También fue comisario, junto con Eugeni Bonet, del ciclo Próximamente en esta pantalla sobre el cine letrista en el MACBA (2005).

Actualizado

el 10 oct de 2019

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