A exposição de Annette Barcelo na Madragoa, em Lisboa, é uma versão de uma apresentação individual que teve lugar no der TANK - o espaço de exposições de Art Gender Nature no HGK em Basel - em junho passado. Em poucos meses, fomos expostos duas vezes ao trabalho de Annette Barcelo - desconhecido para muitos e bastante inexposto até este momento. Nos últimos anos, estamos a ver como as práticas de muitas artistas femininas de gerações mais antigas estão a ressurgir. Isto levanta muitas questões: será que o trabalho de Annette Barcelo não era relevante até agora? Ou será que só agora estamos a aprender a ler a sua relevância? Eu insistiria na segunda hipótese. Devido a razões estruturais, muitas das dimensões que são fundamentais na sua prática não estavam presentes no mundo da arte de há duas ou três décadas. O bem-estar da mente que pinta, a importância da...arte como um meio para lidar com as emoções e para expressar a necessidade de ligar reinos que são diferentemente reais, como os humores, os sonhos, os estados mentais e a narração de histórias. O trabalho de Annette Barcelo é definido por dois métodos. Uma, a transferência da intensidade emocional para o mundo natural, os animais, as flores. E a criação de temas recorrentes e figuras emblemáticas que dão forma a uma mitologia pessoal e, agora, colectiva sobre a vida e a morte, sobre a vida e o desaparecimento, sobre a vida e o reaparecimento (sobretudo através das suas pinturas em vidro invertido). Muito antes de a noção de coexistência estar tão presente nas nossas vidas, Annette Barcelo rodeou-se de um mundo natural em pé de igualdade com o seu mundo humano. Os seus animais e flores são criados para lhe darem apoio, para a abraçarem, para serem a origem de um novo mundo onde todas as formas de vida têm os mesmos direitos e estatuto. O seu mundo e os seus temas têm um traço comum: são todos abertura. São todos prontidão na admiração do mundo mágico onde a vida reina.
A história das mulheres e da privacidade é uma história longa e dolorosa. É, curiosamente, também a história das mulheres que realizam o ritual de se lavarem. O Renascimento italiano assistiu ao aparecimento de uma infinidade de cenas de divindades a banharem-se, nas quais vemos mulheres a desfrutarem dos rituais diários de lavagem e a deliciarem-se com a água. O Renascimento lamentou a perda da tradição do banho, tão conhecida dos antigos gregos e romanos, e construiu o mito da Idade Média como uma era obscura e anti-higiénica. O banho tornou-se um símbolo de progresso, controlo, perceção e apresentação do corpo em público. Mas, no retrato, a hora do banho também se tornou uma oportunidade para explorar os corpos das mulheres, uma exploração que, durante séculos, permitiu que os corpos das mulheres fossem expostos ao olhar e ao desejo dos homens. Retratar o corpo de banho expõe a antiga relação entre a mulher e a pureza. Raramente, ou nunca, a cultura questiona a pureza dos homens, o cheiro dos seus corpos - ou, mais precisamente, dos seus órgãos genitais.
O "fascínio" tantas vezes mencionado pelos historiadores de arte quando se fala de mulheres no banho, ou a "felicidade da nudez" e como o próprio banho continua a ser uma oportunidade de "renascimento" sempre que entramos na banheira, pode também ser uma maldição. Através de um género bem estabelecido na pintura e na história da arte, esta maldição criou, durante séculos, uma "verdade gravada na pedra" sobre a beleza e a importância do corpo feminino limpo, a mulher limpa, a mulher pura, a mulher que vive de acordo com os padrões dos homens, a mulher silenciosa que toma banho enquanto é observada pelo mundo inteiro. E este "ser observada" é outra maldição: a arte e a pintura, em particular, participaram durante séculos na vigilância de indivíduos que, aparentemente, precisam dela para não desobedecerem. As mulheres que tomam banho são frequentemente retratadas como se não se apercebessem da presença dos guardiões, guardiões sinónimos dos voyeurs que contemplam os seus corpos. Há um ímpeto "criaturesco" nestes milhões de cenas que apresentam as mulheres a tomar banho como um ato natural, como animais quentes ou sedentos que chafurdam num charco.
A segunda exposição individual de Annette Barcelo no der TANK surge após vários anos sem expor. Annette Barcelo é uma artista sediada em Basileia, na Suíça, e podemos dizer que é bem conhecida como artista na sua comunidade, e especialmente entre os seus colegas artistas. No entanto, a constante interação superficial entre amigos e colegas cria muitas vezes uma cegueira em relação ao trabalho e à sua verdadeira importância. Não é fácil abordar e investigar o trabalho dos que nos são próximos com a mesma paixão com que o fazemos com os que estão à distância. É, no entanto, vital refletir e discutir esta questão. Há décadas que tentamos desconstruir, primeiro, e contestar, depois, os padrões criados pela modernidade para os nossos comportamentos sociais e académicos. Mas continua a ser difícil para as pequenas comunidades inteligentes, como a nossa em Basel, compreender as suas próprias condições culturais, línguas e métodos e nutrir estima por eles. É de importância fundamental tomar consciência dos traços que constituem a especificidade das comunidades, se quisermos abordar as complexas histórias de receção que influenciaram as suas linguagens artísticas dominantes. É também fundamental tomar consciência da fragilidade em reconhecer e dar lugar a muitas mulheres artistas, e não apenas a algumas excepções. Se fosse realizada um milhão de vezes nos muitos territórios que nos rodeiam, esta tarefa ajudaria indiscutivelmente a criar um ecossistema cultural diferente, uma conversa intergeracional diferente e um melhor conhecimento do que podemos partilhar e dar que não é o nosso lugar.
Esta exposição levanta várias questões sobre como expor não só obras de Annette Barcelo, mas toda a sua prática e sobre a linguagem com que abordar o trabalho de uma artista tão presente num lugar, mas tão inexplorada em profundidade e pormenor. Como disse acima, ela não é desconhecida, mas também não é conhecida. Como evitar o impulso de recuperar, ou resgatar, e substituí-lo pela energia de uma artista que nunca se foi e nunca deixou de trabalhar, dia após dia? O vasto número de obras cuidadosamente arrumadas no seu atelier e na sua arrecadação falam de uma confiança na sua própria prática, bem como de uma reflexão singular sobre as linguagens e os temas que habitam há décadas as suas obras. É quase impossível expor a sua “auto-confiança no seu trabalho". E, no entanto, a confiança na arte constitui o traço comum a todas as suas obras e um legado inestimável a transmitir-nos a nós e às novas gerações de artistas.
E é por isso que, depois de reflectirmos em conjunto sobre a forma e a função desta exposição, decidimos combinar diferentes famílias de obras pertencentes a diferentes períodos, começando por uma série muito importante produzida sobretudo no início dos anos 90 - a série da banheira - e algumas mais contemporâneas para nos ajudar a compreender a presença duradoura de certos motivos e mitos feitos à mão ao longo da sua longa carreira.
A série da banheira fala de uma dúvida assombrante: como continuar a ser artista depois da maternidade? Como não desaparecer, a sério ou apenas como artista, de todos os domínios que nos interessam? Como fazer parte sem ser engolida pela perceção social, aniquilada pelas estruturas sociais que a negam como artista? Onde encontrar segurança se não no trabalho? A série é, simultaneamente, a libertação de todos os demónios e uma declaração sobre o poder da arte para curar e ajudar a encontrar a vida após a morte.
Vemos repetidamente uma cena: uma mulher numa banheira rodeada de figuras que a observam intensamente. Talvez conheça o Nu na banheira (1940), de Pierre Bonnard, em que uma mulher está submersa numa banheira, o seu corpo quase se funde com a água, que a protege dos olhares indiscretos e a torna una com uma força vital elementar. A cena representada por Barcelo emerge desta longa história de corpos femininos na água, a tomar banho. Aqui, longe de ser uma força vital elementar, a água poderia ser também o fluxo cósmico de uma força, uma corrente: capaz de tirar a vida e a dor da vida, de nos separar de um mundo onde forças obscuras ameaçam o nosso bem-estar. As figuras que observam estão, na verdade, a perseguir, a pressionar, obrigando a figura feminina a refugiar-se no seu banho. Todos nós sentimos que ela sente que eles não se atrevem a atravessar essa fronteira e a entrar na água. No entanto, também é difícil imaginar como é que ela pode deixar esse espaço temporário "seguro" e voltar a entrar no mundo. No seu livro, The Body in Pain, Elaine Scarry - uma pensadora espantosa - escreve sobre três temas:
em primeiro lugar, a dificuldade de exprimir a dor física; em segundo lugar, as complicações políticas e perceptivas que surgem em resultado dessa dificuldade; e, em terceiro lugar, a natureza da expressibilidade material e verbal ou, mais simplesmente, a natureza da criação humana. [...] A dor física [e, acrescentaria, a mental] não tem voz, mas quando finalmente encontra uma voz, começa a contar uma história, e a história que conta é sobre a inseparabilidade destes três assuntos, a sua integração uns nos outros.1
Esta série de trabalhos de Annette Barcelo é importante: consegue de facto exprimir e transmitir as forças obscuras que estão na origem de uma dor que pode nunca desaparecer, uma dor não só pessoal mas também cultural e social - intensamente - quando se trata da figura feminina. Mas a série é importante também por outra razão: o local do banho tornou-se uma morada, uma fonte quase mágica que tornou possível uma forma diferente de imaginar a vida. A partir dessa dor, todo um novo mundo passou a coexistir com o mundo material real: um universo povoado pelo animalesco e pelas forças dinâmicas do carnavalesco, pelas possibilidades de escapar à forma e à matéria dos nossos corpos através de transformações antropomórficas e da constante renovação de momentos antropofágicos em que a destruição é substituída pela digestão cósmica.
Nos anos que se seguiram à conceção desta série, o trabalho de Barcelo concentrou-se nestes impulsos. Podemos, então, ver esta série de banheiras como uma obra central: um murro cósmico dentro da sua prática, mas também um murro dirigido a todos nós, cheio de força e que atravessa os seus desenhos e trabalhos em vidro. São peças cuja linguagem formal recusa a forma exterior do moderno e remete para uma língua vernácula capaz de se ligar aos mitos do seu lugar - Basileia - e às crenças de um tempo em que o real e o imaginário não estavam separados. O seu interesse por animais e plantas está relacionado com o seu interesse em descentrar a posição humana como único sujeito de acontecimentos e emoções no mundo. Os seus retratos de animais, tanto nas suas pinturas como nos seus desenhos, têm também outra função. Barcelo oferece-nos um conjunto de mitos e histórias que falam de um mundo paralelo ao mundo dos factos. Há uma dimensão temporal nas suas crónicas humanas que não é contada nos nossos livros de história. Repetidamente, nas suas numerosas séries de desenhos, retrata criaturas capazes de formar uma cosmologia regida pelas forças dinâmicas de figuras para-humanas e animais, figuras que vivem para além da lógica racional que anima a nossa vida quotidiana. Equilibra a escuridão que muitas vezes envolve o mundo real com um outro habitado por criaturas capazes de muito mais do que nós. Elas observam e acompanham a nossa existência a partir da sua própria dimensão, para além do real. Produzir esta dimensão é um ato de devaneio que poderíamos designar por psico-história: através deste universo, Barcelo recorda-nos que, para dar sentido ao que nos acontece, na realidade, precisamos também de compreender as vidas inconscientes e as fantasias das pessoas. Revelar o mundo da fantasia privada e representá-lo no palco público é uma função valiosa da arte. O nosso modo de vida produz isolamento, alienação, perda de identidade e deslocação. Como não nos tornarmos um ser quebrado? Como podemos inventar uma linguagem que se torne uma fonte de energia que podemos injetar no mundo para aliviar estes sentimentos? Toda a produção artística de Barcelo se centra na recordação de sonhos e na criação de uma gramática capaz de tornar visíveis esses mundos invisíveis de visões e sonhos. O seu trabalho encarna um esforço para evitar o binário entre o real e o irreal, afirmando a existência de um terceiro mundo, que actua como uma figura trovadoresca que habita todas as intersecções possíveis entre os domínios do real, entre géneros e disciplinas, entre o que está vivo e o que não está: um "mundo trovadoresco" que faz com que todos os outros mundos dancem ao som de forças estranhas, criando alianças connosco, humanos fracos e gananciosos, e dando-nos força e esperança.
O poeta alemão Rainer Maria Rilke escreveu um dia: "Vive as tuas perguntas e talvez um dia possas viver algumas respostas". Tal como a obra de vida de Annette Barcelo, a escrita de Rilke deposita uma grande confiança na experiência, confiança que implica sofrimento mas também alegria. A experiência surge como o contrário do evitamento: encarna a coragem de enfrentar, de falhar, de perseguir, de permanecer relevante para si próprio e para os outros, de ser. Esta exposição não podia estar num lugar melhor. Traz-nos não só uma obra magnífica, mas também um testemunho de vida como artista.
Chus Martínez
Entrada actualizada el el 28 nov de 2023
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