"Narrativas em Processo - Livros de Artista na Coleção Itaú Cultural" no Instituto Figueiredo Ferraz, em Ribeirão Preto (SP). A exposição apresenta um conjunto de 65 obras que abarcam 150 anos de história da confecção de livros de artista; entre elas, quatro revistas originais de Ângelo Agostini, do século XIX, cinco publicações dos anos 1940 da extinta Sociedade dos Cem Bibliófilos, além de poemas concretos e livros-objeto contemporâneos de Waltercio Caldas, Brígida Baltar, Nuno Ramos, Odires Mlászho, Julio Plaza, Augusto de Campos, Arthur Barrio, Angela Rennó, só para citar algumas entre uma série de obras relevantes.
A exposição reflete sobre os inúmeros dispositivos do chamado livro de artista. Existem duas linhas que se cruzam nessa exposição: a primeira é apresentar historicamente a transição e as possibilidades de forma, linguagem e pesquisa que o artista instaura em diálogo com o livro, transitando entre charges, design para capas de livros, álbuns de gravura,...livros-objeto e ilustrações em tiragem limitada para clássicos da literatura; e, a segunda é discutir uma nova relação para os conceitos de livro e leitor que o artista elabora nesse tipo de produção.
Chamo de dispositivos as vastas possibilidades de entendimento e fatura do livro. Incluo nesse escopo não apenas uma ação conceitual e/ou física no suporte livro produzida pelo artista, e que recebe uma tiragem limitada, mas também a ilustração de capas e demais intervenções gráficas realizadas pelos artistas nas publicações. Percebam que não quero confundir o que chamamos de livro de artista com simples livros ilustrados de grande tiragem com reproduções originais.
Interessa apresentar e discutir a transformação do formato de livro que os artistas produziram, em especial no Brasil, ao longo de quase 150 anos. O livro para além de conter histórias e narrativas atreladas à palavra, passa a problematizar o seu próprio espaço de ação – a página – e o seu formato. As intervenções gráficas, plásticas e conceituais que os artistas realizam também se constituem como um campo de provas para as suas trajetórias. A distância entre uma pintura e a produção de uma capa torna-se menor porque ambos dialogam com o espaço pictórico, e nesse sentido um novo leitor e espectador das artes visuais são construídos. A leitura se dá também através das imagens, do espaço gráfico elaborado, e a ilustração, em especial, não é mais simplesmente uma reprodução plástica e visual do que foi escrito pelo autor. Ela agora tem o seu próprio campo de atuação e liberdade criativa. Como um livro pode ser visto, representado e transformado? Como a participação e a invenção artística traçam fronteiras com a literatura e o design? Estas são algumas questões que a exposição quer levantar para o público.
A curadoria caminha por duas vias. A primeira é aproximar o que se pode conceber como livro de artista através das inúmeras possibilidades que a intervenção gráfica oferece, como por exemplo: o design para as capas; os álbuns de gravura; a charge, com o exemplo do pioneirismo de Angelo Agostini (1843-1910); e, as ilustrações para livros em tiragem limitada.
Agostini tem um núcleo dedicado à sua obra em virtude da sua importância histórica e pelo fato de ainda não ter um conhecimento pleno de seu trabalho no meio das artes visuais. Partindo de uma série de trabalhos publicados em suas revistas, que atuou entre o Segundo Reinado e o início do século XX e que em sua linguagem ácida traça a identidade de um Brasil que transitava entre os anos finais do Império e a sua nova condição de nação republicana e livre (?) da escravidão, seguindo por livros publicados durante o período modernista que tiveram capas ou ilustrações produzidas por artistas como, por exemplo, Di Cavalcanti (para Uma tragédia florentina, de Oscar Wilde, em 1924) e Cícero Dias (para Casa Grande e Senzala, de Gilberto Freyre, em 1937), passando por Flávio de Carvalho (para Poesias Reunidas, de Oswald de Andrade, em 1966), e finalmente chegando às intervenções feitas pelos poetas concretos entre os anos 1960 e 80, a mostra aborda distintas facetas do pensamento plástico na concepção gráfica e estrutural do livro. Percebam que o limite desse núcleo de trabalhos - anos 1970 - é o início do período de concepção dos chamados livros-objetos, que têm Augusto e Haroldo de Campos, Julio Plaza e Décio Pignatari como peças-chaves em sua concepção. Nos livros-objetos, observamos um diálogo com a prática escultórica assim como o anúncio para a abertura de uma produção, digamos, conceitual da linguagem do livro. A relação entre a poesia concreta e as artes visuais fundou uma nova forma de aparição do livro: ele toma uma forma escultórica na qual a palavra finalmente sai do plano e alcança a tridimensionalidade. Passamos a analisar palavra/poema/livro/escultura como algo indissociável. O livro não é mais apenas o lugar que guarda histórias mas se transforma também num objeto de intervenção plástica, resultando numa ampliação da ideia de uso e aparição da palavra. Poesia visual e os novos processos de construção do livro-objeto percorrem caminhos paralelos que volta e meia se cruzam. Invariavelmente são os mesmos artífices que estão pensando o poema também como objeto tridimensional.
A segunda via é apresentar os distintos formatos - materiais e conceituais - que o livro de artista apresenta na contemporaneidade, tendo os livros-objetos, que tiveram os poetas concretistas como artífices, como paradigma. Depois de um balanço histórico da produção integrada entre o artista e a página do livro, o segundo módulo, digamos assim, dialoga especialmente com a produção dos últimos 30 anos. É o momento em que o livro-objeto e a obra-livro ganham uma maior amplitude conceitual e experimental, multiplicando o entendimento entre registros visuais e os literários ou narrativos. Dentro dessa perspectiva, foram criados segmentos curatoriais para que essas visões pudessem ser melhor observadas. São eles: “Uma escrita em branco”, “Livros-objetos”, “Rasuras” e “Paisagens”.
Felipe Scovino
Curador
Entrada actualizada el el 30 mar de 2016
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