Compuesta por trece cuadros de grandes dimensiones realizados en la última década, esta antología de Víctor Pulido reúne una serie de pinturas sobre madera que compendian muchas de las inquietudes estéticas del artista. Las obras, sencillas y directas, son planos cortos de localizaciones domésticas, escenarios intrascendentes recreados en lo cotidiano, que van acompañados -en un juego especular de escalas y reflejos- de otro conjunto repetido con identica imagen pero en pequeño formato.

En este trabajo toma un papel esencial el proceso, la manera en cómo la materia alcanza fundamento para convertirse en un recurso categórico. La técnica hace de nexo de unión entre las primeras piezas, de 1999, y las últimas, terminadas en 2009. El tratamiento y la concepción van parejos. La clave está en saber crear texturas y delimitar los relieves. El punto ... de partida es el dibujo, la tensión del gesto. Luego se aplica resina, policromías o ensamblajes de madera. El interés no estriba ya en el resultado, sino en el desarrollo de lo que se hace. Como en la novela de Hemingway 'El viejo y el mar', la lucha está condicionada no por un objetivo concreto, sino por la satisfacción personal de conquistar un terreno nuevo con las aptitudes de las que se dispone, las manos desnudas y las destrezas adquiridas con los años. Se trata de domeñar con las armas del oficio una experiencia intransferible que pasa a ser vital, concluyente y necesaria. La temática se convierte así en una excusa para desarrollar un motivo, en una coartada para ahondar en el procedimiento y disfrutar de las preocupaciones formales que implica el hecho pictórico. En ninguno de los cuadros aparecen personajes, predomina el silencio, la reflexión, la búsqueda. El protagonismo lo copan objetos de uso cotidiano o lugares de la memoria, espacios pertenecientes al imaginario colectivo que han sido desgastados por el uso del tiempo, por la fricción de la vida contra las circunstancias. Ningún elemento o escena tiene carácter lúdico, todos están marcados por emblemas personales que asociamos a experiencias propias.

En ese espacio indeterminado donde la imaginación se confunde con la realidad, hallamos el Mercado del Carmen, honda alegoría del latido de la ciudad. Huelva descubre aquí su esencia como en ningún otro sitio. No hay discusiones al respecto. Su plaza de abastos es un punto de encuentro -de vida pura- al que acuden los onubenses a diario desde hace casi siglo y medio. El edificio es silente, pasa desapercibido, pera su atmósfera es fascinante, como irreal. Sobre su evocación, la impronta del paso de los años actúa como una pátina de emociones, sabores y olores.

Las dos pinturas más importantes de esta retrospectiva se relacionan con el espíritu de Huelva de modo intencionado. Uno vira hacia dentro indagando en lo inexplicable que tiene ver con las personas y sus relaciones; el otro gira hacia fuera de manera centrífuga escudriñando las circunstancias y los modos de vivir. Por un lado se homenajea el mercado y su ambiente, quizás el reducto histórico más auténtico del núcleo urbano. Por otro, en la frontera entre la tierra y el agua, rizando el paisaje, a los cientos de pateras que yacen en los embarcaderos mecidas por el continuo movimiento de las olas. Entrambos son marineros y sureños. Se mire por donde se mire, Huelva es el mar y sus derivaciones, en lo connotado y en lo denotado, en lo figurado y en lo simbólico. Entre los puestos, las voces de la bulla se escurren hasta tropezar con los azulejos churreteados de tinta y escamas. En el remanso del muelle, la mudez de la Naturaleza se diluye en el panteísmo. La primera es como un párrafo coral sugerido por Camilo José Cela. La segunda, un poema de Pessoa escrito por su heterónimo Alberto Caeiro.

Sin alardear, en voz baja, el guiño a sus orígenes es vinculante y distintivo. Vistas con rigor, son escenas inexistentes, idealizadas, nacidas de la inventiva de un artista que agrupa diferentes planos (como los cubistas) e intenta condensar varios instantes (al modo de los futuristas). Ambos contextos se ciñen a una expectativa y participan de la espera. Ambos entornos funcionan como extensiones mentales que no están copiadas de ninguna imagen. Pulido crea de memoria, nunca transcribe, siempre interpreta. Construye panorámicas fractales con retales de sensaciones, con trozos de impresiones rescatadas. Basta fijarse en la perspectiva de todos los cuadros, deformadas deliberadamente con la intención de concebir escorzos imposibles, para destapar su planteamiento irreal e imaginativo. La visión del espectador es aérea, global, extraña. Como en una fábula de apariencia dócil donde las virtudes de los personajes se simplifican hasta el infantilismo, al artista le interesa no sólo el efecto que consigue con esa angulación deformada y esa visualidad ingenua, sino ir más allá, trascender la moraleja. No persigue juicios de valor. Simplemente, realzar el misterio inexplicable que aguarda tras cualquier obra de arte para ser desvelado.