El proyecto propone una redefinición de la pintura más allá de los parámetros que normalmente atribuimos a dicha disciplina, como son la bidimensionalidad, los límites físicos del soporte y la preponderancia del elemento óptico, para, acudiendo a criterios de expansibilidad, trascender el espacio físico del "cuadro" y superar la tradicional presentación frontal de las obras.

Para mostrar esta idea, Mar Vicente utiliza criterios herederos de la tradición minimalista, como la reducción de los recursos expresivos y la utilización del espacio como articulador del conjunto de la exposición, utilizando la tridimensionalidad como elemento expresivo de una obra que, sin embargo, sigue siendo eminentemente pictórica.

Reflejo de superficies es su primera exposición individual, en la que por primera vez la artista tiene la oportunidad de trabajar todo el espacio expositivo en función únicamente de su propuesta y profundizar así en los parámetros que rigen su pensamiento artístico, para el que la interrelación entre las ... distintas piezas juega un papel fundamental.

El proyecto parte de la forma de entender el color como luz; y el espacio expositivo como parte de la propuesta. La pared se convierte así en un soporte más, sobre el que se proyecta el color y su textura interacciona con las texturas de cada pieza. Si estos conceptos nos remiten automáticamente a parámetros del Minimalismo, no sucede lo mismo con la intención de huella manual que la artista pretende dejar en cada pieza. La idea de "cuadro", en vez de ser negada, se reformula, generando una interesante tensión entre la aparente frialdad de una obra articulada a partir de superficies geométricas, monocromas y regulares, sin ninguna concesión a la representación ni al gesto; y unos acabados que, en una mirada más atenta, nos revelan una meticulosa manualidad en la que, sorprendentemente, tiene cabida el error, la imperfección y la huella del manipulado de la artista.

Las texturas cobran aquí importancia, razón por la que, insiste en utilizar lienzo para trabajar el color en casi todas las piezas, en vez de decantarse por superficies ya fabricadas y/o menos texturadas. La superficie de la tela pintada también le permite jugar con diferentes calidades táctiles que, inevitablemente, nos sitúan entre lo pictórico y lo escultórico. El volumen y el tacto, pasan de esta forma, a jugar un papel perceptivo importante.

LA OBRA

Estos planteamientos se materializan en piezas sorprendentes como la titulada "Cajón", una pieza de suelo formada por dos cubos - uno contiene al otro – en los que se contraponen las texturas de la tela y el metacrilato y cada cubo intercambia sus colores y tiñe, por medio del reflejo, el espacio que le rodea; o la titulada "Escalera de pared", compuesta por una serie de módulos colocados de manera escalonada donde se va reflejando el color en cada una de las superficies del escalón del módulo siguiente, dejando así de ser blanco para adquirir diferentes calidades cromáticas. "Neón" es otra ingeniosa pieza, compuesta por un lado de pintura monocroma sobre lienzo y por otro, de imagen fotográfica. Los módulos Anclados en la pared perpendicularmente (de manera vertical), nos desorientan al ser observados frontalmente, y nos van descubriendo interesantes juegos de reflejos cromáticos entre ellos y sobre la pared o relaciones de imágenes fotográficas, a medida que vamos abandonando la visión frontal de la obra.

Destaca también una pieza de vídeo, presentada en pantalla plana sobre pared, en la que se muestra el proceso de instalación en sala de la ya mencionada "Escalera de pared", mediante la sucesión de fotogramas de las fases del montaje modular, en un paradójico juego de exhibición / ocultación del proceso: en cada fotograma se muestra el progresivo montaje de la pieza, mediante la adición de un módulo tras otro, pero al mismo tiempo, se oculta toda intervención humana y todo rastro del proceso constructivo, como el tipo de anclajes, las herramientas, etc., componiendo un sugerente juego compositivo.

El reflejo, una de las ideas centrales de la exposición, se hace más evidente introduciendo un espejo perpendicularmente a dos fotografías simétricas en la obra "Simetría" que refleja cada imagen en cada una de sus caras, provocando otra vez, un movimiento del espectador en busca de diferentes puntos de vista.

EL MONTAJE

Como decíamos más arriba, el espacio expositivo juega un importante papel en todo el montaje. Si el color blanco parece ser el único ambiente cromático en paredes, techo y suelo, descubrimos cuando nos internamos en la sala, que las características de esta son aprovechadas para integrarla con detalles de color en esquinas y recovecos que mediante una iluminación calculada, amplifican los efectos de reflejo que dan título a la exposición y que son elemento fundamental en la mayoría de las piezas.

Todo el ambiente generado en la exposición nos remite a una preocupación por el color, integrando parámetros que tradicionalmente se atribuyen a otras disciplinas, como la escultura, la instalación o la arquitectura. Podemos decir que Mar Vicente propone una convivencia de estas, valiéndose de elementos periféricos o residuales de la tradición pictórica, como los límites del soporte, la pared o el conjunto del espacio expositivo, consiguiendo articular un léxico que amplía las posibilidades expresivas sin salirse del lenguaje pictórico.

REFERENCIAS

En el trabajo de Mar Vicente son inevitables las referencias a nombres clásicos del Minimalismo como Donald Judd, Dan Flavin o Sol LeWitt y en un nivel más teórico que visual, Robert Mangold. Sus referencias entre la creación actual las encontraríamos en nombres que trabajan esa idea de expansión de la pintura, como la norteamericana Jessica Stockholder, el suizo Philippe Decrauzat; el argentino Eduardo Costa, etc., y en el ámbito nacional, artistas tan diversos como Ángela de la Cruz, Toño Barreiro, La obra de los años setenta y ochenta de Nacho Criado, etc., todos ellos con un elemento común: su preocupación por romper los límites físicos de lo que tradicionalmente se entiende por pintura.