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La exposición Sem Limites presenta una selección de obras pertenecientes a la Colección de Serralves, que utilizan la fotografía como soporte del proceso creativo de los artistas en ella representados, los cuales se definen por la superación de los límites de cualquier tipo de programa que pretenda caracterizarlos y condicionarlos.

La colección del Museo de Arte Contemporáneo de Serralves parte de la constatación de un cambio de paradigma que ha tenido lugar en muchas de las experiencias artísticas producidas entre finales de la década de los 60 e inicios de la década de los 70. A partir de la segunda mitad de la década de los 60 se cuestiona la autonomía y la "esencia" de la obra de arte, así como su "ensimismamiento", por aquel entonces traducible en las experiencias minimalistas. Se asiste, pues, simultáneamente a la consagración del arte pop, a la redefinición ... de la condición de la obra de arte, a un cruce de los géneros formales, al uso de la película, de la fotografía y del texto como soportes de proyectos conceptuales, a una investigación de las relaciones entre arte y vida que acompañan a la agitación de nuevas ideas políticas y sociales, así como a una ruptura del concepto de marco, lo que da lugar a la invasión del espacio interior y, a veces, exterior, así como a la utilización de nuevos materiales, tanto pobres, como reciclados a partir de otros pre-existentes o incluso materiales tecnológicamente sofisticados.

Es así como se evidencia una redefinición de los límites de lo que hasta aquí se ha considerado la vanguardia de la creación artística, reapropiando interpretaciones particulares de los momentos eufóricos de las experiencias de vanguardia sucedidas en la primera mitad del siglo, entre mediados de los años diez y mediados de los años veinte. El concepto de vanguardia se vuelve globalizador y hace emerger en la experiencia artística aspectos globales de la vida.

En Sem Limites, se asocian obras ejemplares de este cambio histórico de paradigma a obras de artistas más jóvenes, que establecen sus programas de trabajo en la construcción de una singularidad abierta y relacional, independientemente de las definiciones de géneros artísticos derivados de la naturaleza o de la posible autonomía de los soportes utilizados. La exposición no es cronológica, ni pretende representar las temporalidades que engloban la cronología de las obras presentadas. Por otro lado, tampoco pretende representar la totalidad de los fondos de la Colección de Serralves; no obstante, sí destaca algunas de las líneas de trabajo fundamentales relacionadas con su programa de actuación. La adecuación de la naturaleza de las obras a las características de los espacios de Foto Colectania y ahora de la sala Municipal de Exposiciones de San Benito, ha sido uno de los factores determinantes para su selección. Por otro lado, las obras presentadas ejemplifican algunos de los programas conceptuales de la experiencia artística contemporánea de las últimas cuatro décadas. Uno de ellos será el de la relación entre arte y paisaje, que ha sido a lo largo de la historia del arte un estímulo para la creación artística y para la expresión de una relación idiosincrásica de los artistas con el mundo en el que viven. Esa relación será muchas veces de confrontación; otras toma el aspecto de representación, diálogo y búsqueda de correspondencias; otras el de la autorepresentación y el del retrato, que extienden sus propias tradiciones cruzándolas con nuevos horizontes de percepción y representación de la experiencia humana en el mundo. Otras podrá ser el de la crítica de los modelos sociales, tanto si son de naturaleza social y política, como resultado de una provocación a la existencia de modelos culturales estructurantes del propio dominio de la producción y de la circulación de las imágenes del arte en el mundo en el que vivimos. En cierto modo, todas las obras de arte presentadas interrogan la realidad ejemplificando diferentes “modos de ver”. El recorrido por la exposición permite confrontar diferentes propuestas artísticas que, a pesar de su diversidad estética, traducen una modificación de la relación del arte con la naturaleza y el mundo.
Sin embargo, cualquiera que sea el modo de ver asumido por el artista o su concretización en el trabajo realizado, las confrontaciones entre la percepción y el entendimiento, entre las sensaciones y el filtro de la razón configuran el desafío al espectador en las varias expresiones artísticas presentes en la exposición. Cada obra se convierte, de este modo, en un ejemplo de la proyección de la reflexión del artista sobre el papel del arte en nuestro tiempo, redefinido éste en función de un punto de vista individual y de una continua redefinición de los posibles sentidos de sus coordenadas sociales y espacio-temporales.

De la singularidad de los puntos de vista presentados, destaca ahora la multiplicidad de la riqueza de posibilidades suscitadas por el diálogo y por la confrontación entre diversas opciones y puntos de vista, que convierten el arte de nuestros días en una experiencia envolvente y enriquecedora.

LA FOTOGRAFÍA EN LA FUNDAÇÃO DE SERRALVES

En los años 60 y 70 la fotografía experimentó un gran cambio histórico que alteró los paradigmas tradicionales. Se cuestionaron la autonomía y la esencia de la misma obra de arte y, al mismo tiempo que se consagraba el pop art, se abrían nuevas perspectivas fotográficas, utilizando nuevas técnicas y soportes. Nacía la fotografía conceptual. La colección del Museu de arte contemporânea de la Fundação de Serralves es una de las más completas en este estilo de fotografía; centrada sobre todo en la obra de artistas internacionales, como Dan Graham, Gordon Matta-Clark y Gilbert & George, cuenta también con una destacada representación de autores portugueses, como Helena Almeida, Jorge Molder y Augusto Alves da Silva. Sin límites. Fotografías de la colección de la Fundação de Serralves es una muestra que presenta una selección de obras fotográficas de esta colección.

La historia de la fotografía se escribe diferente desde que, en los años 60, se desarrollara el movimiento conceptual. A partir de ese momento, se abandonaba la tradición y las imágenes saltaban del marco para plasmarse en nuevos soportes: vídeo, fotomontaje, piezas múltiples… Los artistas trazaban un nuevo diálogo con la realidad, en el que la naturaleza ganaba importancia y se iniciaba una crítica hacia los modelos sociales imperantes.

En Portugal, artistas como Jorge Molder (1947), Helena Almeida (1934), Paulo Nozolino (1955) y Augusto Alves da Silva (1963) son herederos de ese movimiento. Sus obras forman parte de la colección del Museu de arte contemporânea de la Fundação de Serralves, una de las más importantes de arte contemporáneo internacional, con sede en Oporto. La muestra Sin límites. Fotografías de la colección la Fundação de Serralves, comisariada por João Fernandes, director del Museu, permite descubrir algunas de ellas, al lado de piezas de artistas internacionales como Dan Graham (1942), Christian Boltanski (1944), Gilbert & George (1943, 1942) y Gordon Matta-Clark (1943-1978).

Las obras que pueden verse en esta muestra, pues, pertenecen a artistas consagrados junto a otros más jóvenes cuya obra se desarrolla en los mismos términos conceptuales. No es, sin embargo, una exposición cronológica, sino que se ordena según dos ejes temáticos: la relación entre arte y paisaje y la crítica de los modelos sociales. Todas ellas, además, se interrogan sobre la realidad ejemplificando diferentes modos de verla. Y todas ellas comparten dos características esenciales: la mezcla de técnicas y las composiciones múltiples.

El Museu de Arte Contemporanea de la Fundação de Serralves, que se encuentra en un edificio diseñado por Álvaro Siza Vieira, tiene una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes de Portugal. Los fondos fueron iniciados por Vicente Todolí durante su etapa como director del museo, y en la actualidad cuenta con donaciones privadas como de la Fundação Luso-Americana para el desenvolvimiento.

FOTOGRAFOS EN LA EXPOSICIÓN

• Helena Almeida
• John Baldessari
• Lothar Baurngarten
• Bernd a Hilla Becher
• Christian Boltanski
• Fernando Calhau
• Alberto Carneiro
• Manuel Casimiro
• Hans-Peter Feldmann
• Hamish Fulton
• Gilbert & George
• Dan Graham
• Roni Horn
• Peter Hutchinson
• Pierre Huyghe
• David Lamelas
• Gordon Matta-Clark
• Jorge Molder
• Maria Nordman
• Paulo Nozolino
• Sigmar Polke
• Edward Ruscha
• Julião Sarmento
• Augusto Alves da Silva

DATOS DE LOS FOTOGRAFOS

Almeida, Helena
Pintura Habitada, 1975
Helena Almeida (Lisboa, 1934) es una de las artistas más interesantes del panorama portugués. Su obra se sitúa en la corriente conceptual y se caracteriza por la hibridación de distintos medios artísticos: fotografía, escenografía, performance y pintura. En Pintura Habitada, cuestiona la relación entre la fotografía y la pintura, lo real y lo ficticio del gesto pictórico. Todo su trabajo contiene una gran capacidad narrativa y una fuerte carga poética.

Alves da Silva, Augusto
Que Bela Família, 1992
La obra de Alves Da Silva (Lisboa, 1963) cuestiona la idea de la fotografía como documento de lo real. En este caso, realiza una reconstrucción falsificada de la idea de familia. Distintas personas que no se conocen entre ellas son fotografiadas por el artista en situaciones domésticas. Muchos de las personas se repiten de modo que una misma persona es miembro de familias distintas. El propio Alves da Silva aparece en algunas de las imágenes.

Baldessari, John
A movie: directional piece. Where people are looking (with R,V,G, variance and ending with yellow), 1972-73
John Baldessari (California, 1931) está considerado uno de los artistas clave en el arte de la segunda mitad del siglo XX. Desde sus primeros trabajos aparece un interés por las interconexiones entre la imagen, siempre fotográfica, y la palabra. En A movie: directional piece Baldessari, siguiendo el principio del montaje y la narratividad que caracterizan muchas de sus obras, toma imágenes directas de la televisión, y las coloca según la mirada de los personajes que aparecen en las pantallas, creando una estructura circular y contínua.

Baumgarten, Lothar
Haida Metamorphosis, 1969
Discípulo de Josph Beuys, la obra de Lothar Baumgarten (Rheinsberg, 1944) se caracteriza por la mirada antropológica, relacionada con la concepción del otro y la denuncia de las falsas construcciones de la identidad de los estudios tradicionales. Haida Metamorphosis pertenece a la serie que llevó a cabo entre 1968 y 1970 en la que realizaba un estudio fotográfico de museos etnográficos europeos, y de cómo se disponen sus piezas, clasifican y nombran. Concretamente esta fotografía plantea la metamorfosis que sufren las cabezas cortadas tal y como se presentan en los muesos occidentales.

Becher, Bernd & Hilla
Preparation plants (Mina Grube Anna Alsdorf cerca de Aachen, Alemania), 1965 - 71
Desde 1957 el matrimonio Becher ha recorrido Europa y Estados Unidos fotografiando en blanco y negro elementos de la arquitectura industrial. La serie Prepraration plants, formada por nueve fotografías de viejas instalaciones mineras, denuncian las ruinas que deja el desarrollo de la sociedad industrial. Como en todo su trabajo, las fotografías están dispuestas según las tipologías funcionales, que consiguen reforzar las propiedades escultóricas de los elementos arquitectónicos fotografiados. Como en un inventario, las particularidades de las arquitecturas son prácticamente suprimidas debido al uso reiterativo del mismo ángulo, una luz homogénea y el uso de los mismos formatos para todas las fotografías de la serie.

Boltanski, Christian
Inventaire des objects ayant appartenu à une vieille dame de Baden-Baden, 1973
Este panel de fotografías responde al proyecto histórico de Boltanski (París, 1944), en los que emplea todos los recursos (fotografía, postales, cartas y los libros del artista) para indagar sobre la vida, la memoria, el recuerdo y la muerte.
Esta pieza invita al espectador a recomponer mentalmente el retrato de una mujer a través 48 imágenes de objetos suyos. En ningún momento aparece la señora sino que está representada a partir de los objetos que la acompañaron a lo largo de su vida. Se trata de un trabajo casi antropológico que redefine la condición del retrato en la fotografía.

Calhau, Fernando
#99 (Materialização de um quadro imaginário), 1974
Esta serie de cuatro fotografías pertenecen a una de las performances del artista plástico Fernando Calhau (Lisboa, 1948). La realización de este cuadrado imaginario se vincula con su trabajo pictórico, en el que aparece siempre una clara predilección por las formas cuadradas.

Carneiro, Alberto
A Floresta, 1978
La investigación artística de Alberto Carneiro (Coronado, 1937) se basa en la fusión entre cuerpo y naturaleza, la incesante investigación sobre el paisaje como lugar de evocación, así como la relectura de la tradición escultórica occidental. A Floresta es una intervención sobre la naturaleza documentada fotográficamente, en la que el cuerpo desnudo está colocado en diversos puntos estratégicos alrededor de un árbol y que Carneiro señala en los dibujos que aparecen sobre las fotografías.

Fulton, Hamish
The way to the mountains starts here - Portugal, Spain Basque, Pyrenees, France, 2001
Hamish Fulton (Londres 1946) es uno de los exponentes del Land Art de los setenta. Desde hace treinta años se dedica a viajar y ha recorrido todo el mundo con el lema: “no walk, no work” (no hay camino, no hay obra).
La serie The way to the mountains starts here” es uno de sus proyectos más recientes. La imagen fotográfica en este caso, va acompañada de un breve texto indicativo: se trata de un viaje a pie de 43 días que empieza en el río Douro en Oporto y termina en la desembocadura del río Ebro en Cataluña. Lo importante es el camino y no la fotografía en sí misma.

Gilbert & George
Destructivism, 1972
El dúo formado por Gilbert Proesch (Italia, 1943) y George Passmore (Gran Bretaña, 1942) es uno de los más subversivos de la escena artística británica. Como otras de sus obras de los años setenta, Destructivism es una crítica al estereotipo del “gentleman” y concretamente a los ambientes en los que se presta el consumo de alcohol.

Graham, Dan
Study for vanishing point, Halifax, 1969
El trabajo de Dan Graham (Urbana, Illinois; 1942) gira en torno a la capacidad comunicativa y la percepción colectiva del arte. Study of a Vanishing Point es una de las piezas en las que arte y vida aparecen unidos: en ella el artista se coloca en un punto y va

tomando fotografías de manera secuencial (a veces es él mismo quien las realiza aunque no siempre), a medida que une las piernas hasta encontrar un eje central.

Horn, Roni
Some Thames, 2001
Roni Horn (Nueva York, 1955) pertenece a la nueva generación de artistas conceptuales que utilizan la fotografía, aunque su obra abarca géneros tan dispares como la escultura, el dibujo, el ensayo o el libro de artista. Esta serie de ocho fotografías fueron tomadas en distintos momentos de las aguas del río Támesis. Las aguas contaminadas acentúan la solidez del elemento líquido, creando nuevas topografías de paisajes inexistentes.

Hutchinson, Peter
Undersea Oranges, 1969-1970
Peter Huchtinston (Inglaterra, 1930) lleva realizando instalaciones desde los años sesenta. Undersea oranges es el resultado de la instalación que el artista llevó a cabo bajo las aguas de Provincetown, localidad en la que reside en la actualidad. Siguiendo la forma de la isla coloca toda una serie de naranjas bajo el agua y luego las fotografía. Acompañan las imágenes un mapa en el que se señala el lugar exacto de la acción.

Huyghe, Pierre
Daily Event, 1994
En Daily Events Pierre Huyghe sale a la calle con la intención de catalogar los gestos, muchas veces anónimos, de todos aquellos que llevan a cabo el mantenimiento de las ciudades. Como en otras ocasiones, las fotografías de Huyghe muestran más un interés sociológico que uno puramente estético. Pierre Huyghe (Paris, 1962) ganador del Premio Hugo Boss 2002, es uno de los artistas más interesantes del panorama actual; utiliza películas, vídeos, escultura, animación digital, arquitectura, dibujo o el sonido para la elaboración de su obra.

Lamelas, David
Rock Star (Character Appropriation), 1974
Tal y como sugiere el titulo de la serie, Lamelas se fotografía a sí mismo en el papel de una estrella de rock. Los retratos siguen el estereotipo de las imágenes que se difundieron en los años setenta, y que promovían el mundo del rock como la industria de la contestación por excelencia. David Lamelas (Buenos Aires, 1946) es uno de los artistas más relevantes de su generación y sin duda ha ejercido una gran influencia a las nuevas generaciones. Durante las últimas tres décadas su obra ha abarcado instalaciones, fotografías y películas, en su mayoría realizadas en 16mm.

Matta-Clark, Gordon
Bronx floors, 1972
Esta fotografía de Matta-Clark (Nueva York, 1943-1978) pertenece a “Bronx floors”, serie por la que obtuvo un gran reconocimiento en la década de los setenta. El artista recorrió el barrio neoyorkino del Bronx fotografiando edificios en ruinas; otras veces los intervenía él mismo de manera que la deconstrucción de los espacios así como el uso de unos ángulos casi inverosímiles tomaran una dimensión escultórica en los objetos representados.

Molder, Jorge
De la Serie “The Secret Agent”, 1991
“The Secret Agent” toma el título de la conocida novela de Joseph Conrad, en la que un agente secreto vive en un universo de indicios en el que los objetos tienen una relevancia especial y una simbología oculta. En las fotografías de Molder los objetos sobredimensionados, vinculados siempre a los elementos típicos del género de la novela negra, se convierten en el elemento protagonista. Jorge Molder (Lisboa, 1947), es una de las personalidades de referencia en la fotografía portuguesa, tanto por su reconocimiento internacional, como por la influencia que ha generado como autor, pensador y gestor cultural.

Nordman, Maria
Gardens of Fire, 1967
El trabajo de Marian Goodmann gira entorno a la naturaleza y su vinculación con la arquitectura como producto cultural. Vinculada desde los años sesenta al Land Art, los temas de las grandes obras de este movimiento adquieren en el trabajo de Nordman una dimensión más humana. En Gardens of Fire, invita al espectador a participar en la obra. Los fotofragmentos, tal y como ella los denomina fueron tomadas en desierto Mojave sobre formaciones rocosas de un lago seco.

Nozolino, Paulo
Morgue, Sarajevo, 1997
Nozolino (Lisboa, 1955) es una de las figuras clave de la fotografía contemporánea portuguesa. Viajero incansable, ha creado del reportaje intimista y subjetivo su sello personal. La fotografía Morgue, tomada en Sarajevo, presenta, pese a su dureza, una gran expresividad que consigue mediante el empleo simbólico de la luz. así como una composición que se acerca casi a la abstracción.

Polke, Sigmar
Ohne Titel, 1964-68(1990)
El artista polaco-alemán Sigmar Polke (1941) es uno de los más activos y polifacéticos de su generación. Conocido sobre todo como pintor, Polke ha utilizado en algunas ocasiones la fotografía como medio de representación de lo real: es el caso de esta serie de esculturas hechas por el propio artista a partir de objetos cotidianos y que Polke agranda desmesuradamente como forma de evidenciar su estructura. Esta serie recuerda en gran medida a las instalaciones escultóricas de los reconocidos videoartistas contemporáneos Peter Fischli y David Weiss.

Sarmento, Julião
Sin título (Abrigos de piel), 1975
Julião Sarmento (Lisboa, 1948) es uno de los mayores exponentes del arte portugués contemporáneo; ha practicado además de la pintura, el grabado, la escultura, la fotografía, el video y el ensayo. Este proyecto se basa en un estudio de la representación tal y como se relaciona con la moda. La primera fotografía de la serie aparece un cuerpo desnudo que el artista va vistiendo en las otras dos fotografía con distintas pieles de animales. Hay una clara confrontación entre la identidad de la persona con el mundo animal, relacionado asimismo con el tema de la sexualidad, como elemento que recorre gran parte de su obra.