En 1924 el historiador del arte Aby Warburg inicia una de sus obras más importantes, el “Atlas Mnemosyne”, una recopilación de miles de imágenes que se relacionan entre sí como una cartografía abierta, a partir de sus representaciones, sentidos, nuevos léxicos visuales. Este ejercicio de analogías infinitas a través de las imágenes reivindica el lugar de la imaginación como motor para nuevas ideas, nuevas relaciones. Warburg evoca, de alguna manera, un cuerpo infinito, que no cesa, que siempre está creciendo, que está vivo.
Esta exposición en Llamazares Galería presenta los trabajos de tres artistas mujeres, Elvira Smeke (Ciudad de México, 1978), Paula Rubio Infante (Madrid, 1977) y Rosalía Banet (Madrid, 1972) cuyo corpus de investigación se mueve desde la posibilidad poética a partir de la represión hasta el feminicidio. Un atlas de imágenes que abordan, de manera amplia, cómo los cuerpos conservan el rastro de la violencia. Sin embargo, no hay...aquí un excesivo dramatismo, todo lo contrario. Las tres parten de cuestiones de resistencia y supervivencia para traer al campo visual una poética de la resiliencia, de la redención.
Paula Rubio Infante se adentra en la dicotomía libertad/represión en el proyecto “Los duendes duermen en su pequeño palacio”. Partiendo de los dibujos realizados por un interno del Hospital Psiquiátrico de Carabanchel entre los años 70 y 80, recupera la técnica tradicional de fabricación de vidrieras otorgándoles un nuevo significado estético. Si las que existieron originalmente tenían un contenido religioso y se podía ver bajo la gran cúpula central de la estructura panóptica de la cárcel, Rubio Infante elabora ahora una nueva iconografía donde las figuras protagonistas surgen de esos dibujos donde la idea misma de creación parte de un interno, en un diálogo entre la artista y él, un homenaje y recuerdo convertido en espacio de la memoria. Un trabajo donde la construcción de la identidad se ve atravesada por cómo funcionó, en este caso, la institución penitenciaria.
Por su parte, Elvira Smeke nos invita a entrar a esos lugares privados que el año pasado, en pleno confinamiento, se volvieron más públicos e importantes que nunca. Jugando con un estilo más naif intencionadamente, Smeke recrea, en “Blue paintings”, esos momentos de soledad, desnudez y rutina que ahora, con la luz de 2021, cobran otro significado. La importancia que lo personal tiene de político se convierte aquí en protagonista, los espacios de cotidianeidad que también esconden violencia. Además, Smeke ha trabajado siempre con una perspectiva feminista en todas sus obras, como vemos en la instalación “365 hojas, 365 mujeres”, en este caso trasladando la denuncia de lo personal y privado al espacio público, al compromiso social: cada día desaparecen 7 mujeres en México; la mayoría no vuelven a aparecer. Esta pieza vuelve la vista al recuerdo, a través de la costura y el bordado, como actividades con una tradición centenaria asociada a las mujeres. La obra está realizada con 365 hojas y, en cada una de ellas, se ha bordado el nombre de una víctima de feminicidio en México. Smeke nos obliga a tomar posición, a no quedarnos en silencio ante la violencia de un sistema patriarcal que asesina a las mujeres y que atañe a toda la sociedad.
Rosalía Banet profundiza en “Homo humus. Return to nature” en temas que siempre ha abordado en su práctica artística, como son los mapas y las cartografías corporales y físicas, y la delgada línea entre el sufrimiento y la piel como límite del cuerpo interior/exterior. “Homo” (hombre) y “Humus” (tierra) provienen de la misma raíz latina, hombre de la tierra, ya desde su origen queda reflejado la relación de lo humano con la naturaleza, de la que es parte. Los seres humanos no somos ya entes individuales, sino que vivimos atravesados por múltiples intersecciones que nos definen tanto en nuestra corporalidad como en nuestra identidad más sutil. Este proyecto reflexiona sobre la destrucción de nuestro hábitat y al mismo tiempo sobre la deshumanización de las sociedades contemporáneas, hechos profundamente relacionados entre sí, que son consecuencias de un mismo alejamiento de nuestras raíces, de la pérdida de la esencia, del desapego al mundo físico. ¿Hasta dónde llegamos como animales humanos y animales no humanos? ¿Dónde se establece el límite entre lo salvaje de nosotros y lo humano de los demás?
Esta es una exposición que reúne a tres artistas mujeres cuyos trabajos nos cuestionan individualmente, a cada uno y cada una en nuestro territorio de comodidad. Este atlas que no termina habla de cuerpos, de mujeres, de represión, de emergencia ecológica, de antropoceno pero también de resiliencia, de memoria, de feminismo, de belleza y de acción. Esta exposición en Llamazares Galería refleja la fuerza de las artistas para hablar de las cuestiones que nos preocupan como sociedad y devolvernos la pregunta, ¿qué hacemos cada uno de nosotros para transformar el presente y construir un futuro más justo?
Semíramis González, comisaria
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Elvira Smeke
Elvira Smeke (México, 1978) es una artista que tuvo su formación como fotógrafa e historiadora del arte. Actualmente es una artista multidisciplinaria que explora la escultura, la pintura, el dibujo, la instalación, la fotografía, el video y el arte-objeto. Sus materiales son objetos domésticos de uso cotidiano, así como materiales de recuperación como son las hojas de árbol y piedras. También utiliza objetos delicados como el encaje y los combina con materiales de construcción, usualmente utilizados por los varones, creando una tensión entre éstos y una fusión armoniosa.
La ruta crítica de la obra de Smeke se articula desde la filosofía feminista, principalmente de Simone de Beauvoir y Hélène Cixous y la problemática de género planteada por Judith Butler. Asimismo, tiene acercamiento a la literatura, el uso del lenguaje y la escritura. Su obra también tiene un aspecto ecológico, de respeto a la naturaleza e inclinada a la filosofía del Antropoceno que busca equidad entre todos los seres, logrando un total equilibrio.
Smeke hace un análisis de lo qué es ser mujer en la era contemporánea, retomando ideologías y quehaceres impuestos a la mujer a través de la historia, retomándolos desde el gozo de ser mujer. La otra cara de su obra se basa en la problemática del feminicidio y la violencia de género dentro de una sociedad heteropatriarcal y falogocéntrica. Busca hacer una conciencia sobre esta problemática aun vigente en nuestras sociedades contemporáneas.
Por otro lado, su obra es performativa. Hace largas caminatas y recolecta objetos que halla, los cuales utiliza como punto de partida para la creación de nuevas piezas. Utiliza su cuerpo como forma, utiliza su propia vida para contar una historia y presta especial atención a lo que ella llama “el accidente”, el cual es el resultado incontrolable que resulta a partir de una acción.
Rosalía Banet
Rosalía Banet es artista multidisciplinar, cuya práctica parte siempre del dibujo, para desarrollar proyectos que toman diferentes formas y formatos, desde pinturas y esculturas a instalaciones y piezas audiovisuales. Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, en su tesis doctoral se acercaba a la huella dejada por el sida en el arte español, a través del cuerpo herido.
Desde su trabajo analiza y reflexiona sobre los sistemas y patrones que habitamos, desde el territorio del cuerpo y sus enfermedades, el alimento, la sociedad de consumo y la relación con la naturaleza.
Ha trabajado en galerías como Marta Cervera, Espacio Mínimo o Catherine Clark Gallery; y en instituciones como el Centro de arte contemporáneo La Conservera, MAS (Museo de arte contemporáneo de Santander) o el Centro de arte de Alcobendas. A lo largo de sus más de 20 años de trayectoria ha participado en ferias internacionales como ARCO(Madrid), CIGE(Pekín), FEMACO(México) o Frieze (Londres). En los últimos años ha recibido diversos preimios y becas internacionales como la beca de la Real Academia de España en Roma (2016/17), artista en residencia y en Casa de Velázquez (Academia de Francia en Madrid, 2018) y en HIAP (Helsinki International Artist Programme, 2019).
Paula Rubio Infante
Paula Rubio Infante (Carabanchel, Madrid, 1977) vive y trabaja entre Madrid y Asturias.
Es premio El Ojo Crítico 2015 de Artes Plásticas -RNE- y VIII Premio ARCO Comunidad de Madrid a Jóvenes Artistas 2011. En 2019 recibió una de las Ayudas a la Creación Visual de la Comunidad de Madrid 2019 con la que ha desarrollado el proyecto Esto es un agujero. Acaba de participar en la exposición colectiva Bajo la superficie (miedos, monstruos, sombras) comisariada por Javier Martín Jiménez en el Condeduque (Madrid) y su obra Esto es un agujero ha sido recientemente adquirida por la Comunidad de MadridCA2M.
Su obra forma parte de la Colección ADN, Colección Josep María Civit y Colección Los Bragales, entre otras.
Su proyecto Los duendes duermen en su pequeño palacio acaba de ser beneficiario de una de las Becas de Investigación y Creación Artística 2020 del Ministerio de Cultura y Deporte del Gobierno de España y está preparando su inmediata compadecencia en la exposición colectiva “Estado de sitio” comisariada por Blanca de la Torre y Fernando Gómez de la Cuesta en la Sala Salvador Amós de Logroño.
Imágenes de la Exposición
Paula Rubio Infante — Cortesía de Llamazares Galeri?a
Entrada actualizada el el 22 abr de 2021
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