Agenda de Arte

Eddie Peak. Head, 2016. Performance. Fotografía: Matthew Placek. Cortesía de Jeffrey Deitch Inc
Evento finalizado
04
may 2017
28
may 2017

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Descripción de la Exposición

Artistas: Sophia Al-Maria, Nina Beier, Hicham Berrada, Joana Escoval, Celia Hempton, Shahryar Nashat, Andrew Norman Wilson, Eddie Peake, Jacolby Satterwhite, Pepo Salazar, Emily Wardill. La Casa Encendida de Fundación Montemadrid presenta, a través de la propuesta de once artistas internacionales, la exposición Transmissions from the Etherspace, una experiencia performática que investiga la fricción entre la realidad material e inmaterial y la tensión que genera en la configuración de la sociedad actual o, en otras palabras, analiza cómo influye la irrupción dominante de la tecnología en la cultura contemporánea. Comisariada por João Laia, la exposición que se podrá ver del 4 al 28 de mayo, recorre temas como el avatar, la nube, la reacción física que provocan las imágenes, las nuevas formas de representación, circulación, consumo y monetización del afecto, el deseo, la identidad y la sexualidad, la creciente dependencia de la economía tecnológica sobre los recursos naturales, o los efectos del trabajo invisible y las nuevas modalidades de prestación laboral. También toma como referencia la dark web y explora las fuerzas inconscientes, la espiritualidad y la creación de mitos que provocan la inteligencia artificial y los algoritmos, como unos nuevos entes fantasmales y desafiantes. Transmissions from the Etherspace se inaugura el 4 de mayo con la performance Présage de Hicham Berrada y Laurent Durupt; el 5 de mayo tendrá lugar el estreno mundial de la performance Corpsing de Eddie Peake, y el 6 de mayo Living Metals de Joana escoval y Robin Watkins. El artista español Pepo Salazar, uno de los representantes nacionales en la Bienal de Venecia 2015, muestra por primera vez su nueva obra Hello It’s me, altavoces y vitrocerámicas suspendidos en el techo emitiendo sonido y sudando calor. Con la muestra Transmisssions from de Etherspace, La Casa Encendida de Fundación Montemadrid afianza una nueva línea expositiva que arrancó en 2015 con la exposición Contando con la gente de Neïl Beloufa a la que le siguió un año después Priority Innfield de los norteamericanos Lizzie Fitch y Ryan Trecartin. Este proyecto pretende seguir ahondando en una realidad contemporánea que cada día está más sometida a la potencia de las tecnologías y analizar cómo se integran todos estos nuevos datos en la vida diaria. Es un contexto que ha irrumpido en todos los ámbitos de la naturaleza humana y que, a medida que se expande, va diluyendo los límites entre el mundo real y el imaginario de lo digital. Para entender el presente es preciso poner el foco en los sistemas de información digitales, sus excesos y los nuevos lenguajes surgidos en la era internet; la relación del individuo con las pantallas, las imágenes y las nuevas formas de representación; y todo lo referente a las fuerzas inconscientes y los algoritmos que dominan la cultura contemporánea. Por este motivo, en Transmissions, La Casa Encendida se presenta como una interfaz en la que los diferentes temas se superponen y circulan, provocando una contaminación entre el espacio y las obras de arte que se pone de manifiesto con las disonancias que la tecnología ha incorporado en nuestras experiencias y rutinas diarias. Calendario de performances 4 de mayo Présage, de Hicham Berrada y Laurent Durupt 20.30 h, Sala E La obra de Hicham Berrada une intuición, conocimiento, poesía, ciencia y tecnología. El 4 de mayo, en Présage, el artista verterá distintos químicos en unos recipientes cuyas composiciones y reacciones serán filmadas en vivo y magnificadas en una proyección para la que el músico Laurent Durupt irá creando diferentes sonidos. Esta performance hace surgir un universo en movimiento con paisajes a la vez desconocidos y familiares. El trabajo de Hicham Berrada (Casablanca, Marruecos, 1986) obedece a un doble programa artístico y científico y combina intuición y conocimiento con ciencia y poesía. En su obra, explora los protocolos científicos que imitan distintos procesos naturales o condiciones climáticas. “Intento dominar los fenómenos que pongo en juego del mismo modo en que un pintor domina los colores y los pinceles. Mis pinceles y mis colores son el calor, el frío, el magnetismo y la luz”. 5 de mayo Corpsing, de Eddie Peake en colaboración con Emma Fisher, Gwilym Gold y Kieram Corrin Mitchell 21.00 h, Patio Eddie Peake concibe el cuerpo humano como un objeto escultórico en potencia aludiendo a la fricción entre la realidad material e inmaterial que vive la sociedad actual. En la obra Corpsing, que se podrá ver el 5 de mayo, explora las ambigüedades de la sexualidad y el género a través del vídeo, la fotografía, la pintura, la escultura, la instalación y las actuaciones coreografiadas con sonido. Corpsing está realizada en colaboración con Emma Fisher, Gwilym Gold y Kieram Corrin Mitchell. Eddie Peake (Londres, Inglaterra 1981) se siente especialmente interesado por la emoción, el movimiento y la música, y por la traducción o la transformación del lenguaje en imagen. Suele utilizar la figura del fauno y también es conocido por sus pinturas psicodélicas en acero pulido acompañadas de slogans. 6 de mayo Living Metals, de Joana Escoval y Robin Watkins con “The Luminiferous Aether” 21.00 h y 21.30 h, Patio En la performance Living Metals, las esculturas a pequeña escala de Joana Escoval, conectan físicamente al público con una experiencia sonora inmersiva, The Luminiferous Aether de Robin Watkins, en la que se documentan grabaciones de campo de las radiaciones solares. La experiencia irá acompañada de una proyección. El punto de partida de Joana Escoval (Lisboa, Portugal, 1982) deriva de una estrecha relación entre cultura y naturaleza, surgida de una organización académica en deuda con el dibujo como disciplina. Sus trabajos se desarrollan dentro de una diversidad de medios, meditaciones y revisiones que pueden dar lugar a otras formas de razonamiento que la lógica científica no provee. En la trayectoria de Escoval destacan trabajos como Whirlpools (2014), Mother Wild, Halfhouse (2011), De tempos a tempos a terra treme (2011) y Where in the entire world (2010). Exposición Jacolby Satterwhite Jacolby Satterwhite retrata un mundo virtual en el que mezcla fantasía con videos que contienen vivencias personales. La obra Domestika que estará presente en La Casa Encendida aborda el concepto de utopía desde otro enfoque y se expande más allá de las nociones asentadas de belleza. Como todo el trabajo de Satterwhite, Domestika va del amor, la pérdida y la destrucción. La pieza está inspirada en el cierre de “Spectrum”, un club nocturno donde se reunían jóvenes queer y colaboraban entre ellos. Junto con la música de Nick Weiss y la letra escrita por la madre del artista, Domestika reaviva la sala Spectrum y preserva una memoria sobre ésta. El vibrante trabajo de Jacolby Satterwhite (Columbia, Estados Unidos, 1986) evoca el escapismo del Afrofuturismo y sugiere una realidad virtual cuasi utópica. Combina la performance, la animación y los recuerdos personales. Sus videos y performances se construyen a partir de productos para el hogar o cosméticos que su madre esquizofrénica imaginó y esbozó. Satterwhite traza estos objetos y los incorpora a un mundo virtual lleno de videos familiares y grabaciones del artista bailando con trajes brillantes y ajustados. Según el artista norteamericano, “existen límites sobre lo que se puede hacer con los objetos, que contienen historia, política y todo tipo de ansiedades”. Su obra ha estado en la Whitney Biennial de Whitney Museum of American Art y en el MOMA, entre muchos otros. Sophia Al Maria Los temas principales que trata Sophia Al Maria son el aislamiento del ser humano a través de la tecnología y el islam reaccionario, los elementos corrosivos del consumismo y la industria, y la supresión de la historia y la aproximación cegadora de un futuro para el que nadie está preparado. A Whale Is a Whale es una obra audiovisual etérea que mira al mundo desde el punto de vista de una ballena y presagia el ecocidio irreversible que está causando el ser humano. Las vocalicaciones de la ballena jorobada arábica transmiten una visión del mundo, pues la lengua de esta especie es más simple o, quizá, más densa que la del resto de ballenas jorobadas. Esto se explica por el aislamiento geográfico de la jorobada arábica, que revela una verdad asombrosa: su vocalización, como la de los seres humanos, no es innata, sino aprendida. Sophia Al Maria (Catar, 1983) es artista plástica, escritora y cineasta qatarí-americana. Estudió literatura comparada en la Universidad Americana de El Cairo y cultura visual y sonora en Goldsmiths, Universidad de Londres. Ha dedicado estos últimos años a investigar el concepto de “futurismo del Golfo”. Su obra se ha expuesto en instituciones de todo el mundo. Celia Hempton Celia Hempton trata los afectos, la sexualidad y las nuevas vías que tiene el ser humano para relacionarse. En la serie de Chat Random ha pintado los retratos en vivo mientras utilizaba la web chatrandom.com, una red social que facilitaba la comunicación aleatoria con otros usuarios de la página. Hempton conoce a gente desconocida y les pide que posen para ella. Chatrandom.com surgió como una alternativa que pretendía fomentar las relaciones humanas, pero ha acabado siendo un punto de encuentros sexuales fortuitos. Celia Hempton (Londres, Inglaterra, 1981) es una artista que huye de la meticulosa planificación y crea de manera espontánea. La británica mira la realidad durante largos períodos de tiempo para poder capturar la actitud de los sujetos, y así, la postura de cada figura sugiere una actuación. La artista se siente interesada por el arte pictórico figurativo, la cultura digital, las partes del cuerpo, los desnudos eróticos o la gestualidad y su obra se incluye en exhibiciones como Art in the Age of Internet, 1989 to Today, y múltiples colaboraciones como Magazine Sessions, donde trabajó con Fiorucci Art Trust, Serpentine y Michael Lett. Nina Beier A Nina Beier le interesa la relación ambigua entre los objetos y su representación, llevando al límite del absurdo la relación entre lo digital y la realidad física. En obras como Sweat no Sweat o Female Nude, Beier trata cuestiones sociales y políticas de la representación y el intercambio, poblando momentos de conflicto y correlación. Rastrea las intrincadas relaciones entre los objetos y las imágenes en un contexto en el que la mediación transforma las cosas en representaciones y viceversa, y las imágenes incorporan o descartan sus referentes para convertirse en objetos diferenciados por derecho propio. Nina Beier (Aarhus, Dinamarca, 1975) se graduó en el Royal College of Art de Londres (2004), su ciudad de residencia. Recientemente han organizado exposiciones individuales de su obra Mostyn, Llandudno (2014); Nottingham Contemporary (2014), y Glasgow Sculpture Studios (2013). Además, ha participado en exposiciones colectivas en Kunsthalle Wien, Vienna (2014); Centre Pompidou, París (2013); Museo de Arte Contemporáneo de Detroit (2013); Museion Bozen, Bolzano (2012); The Artist’s Institute, Nueva York (2012); Instituto KW de Arte Contemporáneo, Berlín (2012), y Tate Modern, Londres (2012). Shahryar Nashat Shahryar Nashat muestra en la obra Present Sore un retrato del cuerpo del siglo XXI. Según el artista, es una forma sintética cuya sensualidad es producto de la combinación de sustancias orgánicas y artificiales: ropa, tecnología protésica, productos farmacéuticos y dinero que Nashat agrupa de forma general bajo el término “prótesis”. Las obras de Shahryar Nashat (Ginebra, Suiza, 1975) cuestionan estructuras dramáticas y se caracterizan por poner énfasis en la exhibición, la puesta en escena y el ensayo. Nashat, que aborda con frecuencia las representaciones del cuerpo en la historia del arte, hace hincapié en la permeabilidad de la piel humana y su susceptibilidad a los rasguños, las punciones y los desgarros. Al hacerlo, se centra tanto en el concepto como en la construcción de la prótesis. La obra del artista suizo Shahryar Nashat (1975) se ha presentado en la 8ª Bienal de Berlín (2014) y en la Bienal de Venecia (2011, 2005). Sus trabajos también se han expuesto en instituciones como el Walker Art Center, Minneapolis (2016); Haus der Kunst, Múnich (2015); 356 S. Mission Rd., Los Ángeles (2015); Palais de Tokyo, París (2014); ACCA, Melbourne (Australia) (2012); Frieze Projects, Londres (2010); Kunstverein, Nuremberg (Alemania) (2010); Art Unlimited, Basilea (Suiza) (2009), y Kunsthaus Zurich (2009). Emily Wardill En sus cortometrajes y largometrajes, Emily Wardill expone historias fantasmagóricas con temas como la enfermedad mental, la religión, el arte contemporáneo o la cultura visual. Inspirándose en el cuadro de Dorothea Tanning Some Roses and their Phantoms [Algunas rosas y sus espectros] (1952) y su espeluznante presentación de objetos en estados intermedios, Wardill realizó I gave my love a cherry that had no Stone, una película que tampoco se deja definir. La arquitectura del auditorio Gulbenkian de Lisboa, sus colores y su atemporalidad acompañan en un bucle en el que un hombre vaga por el edificio durante la noche seguido de algo que no es humano. A través del cuidado y la paranoia con los que aborda la imagen digital, la artista investiga la recurrencia del pasado en el presente y vestigios de texturas que anhelan ser tocadas. Emily Wardill (Rugby, Inglaterra, 1977) es una artista y cineasta que estudió en el Central St. Martins College of Arts and Design de Londres y, en 2010, recibió el premio Jarman de la Film London Artists’ Moving Image Network, que le permitió enseñar sus trabajos en la televisión nacional inglesa. La artista británica ha exhibido sus trabajos en Australia, Dinamarca, Italia, Los Países Bajos, Noruega, Portugal y Estados Unidos y ha expuesto en galerías como Art Basel, the Serpentine Gallery, Tate Britain, y en la Bienal de Venecia. Sus películas han estado presentes en festivales internacionales como el Film Festival Rotterdam, London Film Festival, Oberhausen International Short Film Festival, and Toronto International Film Festival. Es también profesora en la Academia de las Artes de Malmo. Andrew Norman Wilson En Workers living the fabric, Andrew Norman Wilson hace una comparativa en torno a la evolución del trabajo, el capital, los medios o la información. Wilson investiga a una clase marginada y oculta de trabajadores de Google. Documenta a los empleados de ScanOps Google Books workers al mismo tiempo que narra los complejos acontecimientos que rodearon su propio despido de la compañía. Andrew Norman Wilson (Nueva York, Estados Unidos, 1983) es conocido por sus proyectos documentales y de investigación, así como por sus dibujos, esculturas y trabajos en los que se mezclan distintas disciplinas artísticas. Su trabajo ha sido exhibido en la Bienale de Berlín, en el Museo de Arte Moderno de Varsovia, en el Yerba Buena Center de San Francisco, en el Centro Ullens de Arte Contemporáneo de Pekín, en el Yvon Lambert de Paris, o en el MOMA de Nueva York, y utilizado en publicaciones como The New Yorker, Buzzfeed o Wired. Wilson también ha pasado por el Festival de Cine de Nueva York, el Centro Pompidou o el Palais de Tokyo de París. Pepo Salazar Hello. It’s me es una columna, de aspecto precario y provisional, disfuncional, que pende en el espacio y que está compuesta por 3 placas de vitrocerámica para cocina y un sistema de sonido. Las placas se encienden y apagan por ciclos, dibujan círculos de un rojo incandescente y producen calor. Los altavoces emiten seis pistas de audio que han sido extraídas directamente de diversos vídeos de youtube. En ellos, se pueden escuchar voces femeninas susurrando; son discursos y sonidos concebidos como ayuda para la ansiedad y el insomnio. Lo doméstico ha sido invadido por las estrategias de management corporativo produciendo ciclos y fracciones de tiempo de trabajo y de ocio hipnóticos e indeterminados (¿Cuando trabajamos y cuando no?). La retórica del bienestar produce un discurso a-crítico donde la máxima final induce a esquivar los conflictos vitales en su dimensión política. La fragmentación produce un rumor incomprensible y todo es calor artificial. Comisariada por João Laia (1981, Lisboa) Los proyectos de João Laia exploran las relaciones entre estructuras sociales, tecnología y representación. Recientemente presentó H Y P E R C O N N E C T E D en MMOMA - Museo de Arte Moderno de Moscú (2016), un proyecto estratégico de la 5ª Bienal de Arte Joven y Hybridize or Disappear en MNAC - Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Chiado (2015). Colaboró con instituciones MAAT en Lisboa, Videoex, en Zurich, Parque Lage, en Rio de Janeiro, Moderna Museet, en Estocolmo, DRAF - David Roberts Art Foundation, South London Gallery e Whitechapel Gallery, en Londres. Es comisario del festival Videobrasil, en São Paulo. Escribe regularmente para la revista Mousse y publicó en periódicos y revistas como frieze, Spike Art Quarterly, Flash Art y Público.

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