Descripción de la Exposición ------------------------------------------------------- ------------------------------------------------------- El Festival Miradas de Mujeres, es un nuevo formato de evento que pretende visibilizar y reconocer el trabajo de las mujeres artistas, trabaja por la igualdad y los derechos de las mujeres. Es el único evento cultural que se desarrolla simultáneamente en toda España y está organizado por MAV, Mujeres en las Artes Visuales. En la edición del 2014, que se presenta bajo el lema 'La artista está presente', participan más de 1.000 artistas, un total de 308 sedes repartidas por toda España, entre instituciones, galerías, universidades, etc. 'Desde la mimesis a la ficción y viceversa' es la exposición colectiva que presenta la Galería Adora Calvo dentro del Festival Miradas de Mujeres 2014. Cuenta con la participación de las artistas Lorena Amorós, Marta Corada, Anaisa Franco, Ruth Gómez, Paloma Pájaro y Azucena Vieites. La ficción o simulación de la realidad ofrece al espectador la posibilidad de adentrarse en un mundo imaginario y creativo. La ficción está inevitablemente vinculada a la mimesis, ya que el primero es un recurso que pretende simular una realidad y la mimesis es la imitación propia o la apropiación de lo real. En la obra de estas 6 artistas seleccionadas para la exposición, se halla en común un juego o reflexión sobre las posibles articulaciones entre la realidad y la ficción, posicionándose en ocasiones más cerca de una o en defensa de la otra. Muchas de ellas cumplen con la suma de los elementos 'narratológicos' de la ficción, ya que son narradoras (tras las obras, siempre hay una historia), personajes (en muchos utilizan su propio cuerpo para animar sus propios protagonistas o introducen al propio espectador), espacio (crean un escenario donde ocurren las historias, en muchos casos puramente cinematográfico) y tiempo (el transcurso cronológico se ve frenado, inmortalizado o dotado de una vida repetitiva). - ARTISTAS -- Lorena Amorós Blasco (Alicante, 1974) es doctora en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia (2004). Fue galardonada con el I Premio Tesis Doctoral por el Instituto de Cultura Juan Gil- Albert de Alicante. Actualmente, es profesora e investigadora en la Universidad de Murcia, donde desde 2005 imparte clases en licenciatura, grado y en el Máster Universitario en Producción y Gestión Artística de dicha Universidad. Ha coordinado seminarios como 'Ceci est mon corps... Ceci est monlogiciel: Orlan y la experiencia de la carne', en el Centro de Documentación de Estudios Avanzados de Arte Contemporáneo CENDEAC, (Murcia, 2006) e impartido cursos como 'La experiencia de la representación: Concepto poliédrico de la identidad en la práctica artística contemporánea', en la UPV de Valencia (2009). Ha formado parte de proyectos de investigación como Políticas de Identidad en el imaginario artístico contemporáneo (Fundación Séneca, 2009). Su trabajo, ligado a la práctica artística y a la teoría estética se ha centrado en mostrar otras vías de reflexión en torno el vínculo existente entre autorrepresentación y autodestrucción partiendo de una visión multidisciplinar y contemporánea. Es autora del libro Abismos de la mirada. La experiencia www.festivalmiradasdemujeres.com límite en el autorretrato último (Cendeac, Murcia, 2005) y de artículos como 'Ante la bofetada de lo real' publicado en la Revista de Occidente en 2006. Su labor como artista ha tenido presencia en varias exposiciones como Reliquias des-entrañables, MUBAM, 2010; Mi familia es un tesoro, Fundación José García Jiménez, (Murcia 2010); o Cartografías de la creatividad (España; República Dominicana y Cuba, 2010-2011). Web: http://www.lorenaamoros.com/ La obra que se presenta en esta exposición lleva por título Herencia de Ciencia Ficción. Es un proyecto que surge de la toma de conciencia sobre el modo de afrontar un acontecimiento hostil derivado de un legado familiar. La transformación de esa experiencia común en una instalación artística, cuyo núcleo conceptual parte del tenso diálogo entre figuración (o mímesis) y desfiguración (o ficción), pretende recuperar y construir la mirada del otro sobre uno mismo a partir de la serie de dibujos y vídeos que conforman el conjunto de la obra. Los dibujos pueden interpretarse como flashes de esa mirada ajena, a través de los cuales se intenta conjurar la biografía que se despliega de la narración desde un prisma irónico, que consuma su exorcismo en el humor. El bestiario resultante, entronca con cierto romanticismo vaciado, cuyo relato se hace eco de aspectos de la literatura del tremendismo español o miserabilismo, como la insistencia en lo escabroso y el retrato de personajes degenerados y oscuros. No obstante, la revisión alegórica de esta estética desinfecta cualquier atisbo de 'bilis negra', puesto que la escenificación se realiza desde un plano kitsch, que remite a un tiempo, tanto al lujo trasnochado de cierta estética marbellí, como a la decoración vintage de los 60 y 70. Por otro lado, el escenario taxidérmico que se propone insiste en un imaginario simbólico donde la pulsión de muerte está implícita, tanto en la imagen referencial como en la obra consecuente. Los vídeos delatan el espacio, ahora inocuo, donde se llevaron a cabo las prácticas taxidermistas: el vaciado del cadáver, la preparación de la piel y su moldeado a partir del esqueleto. En definitiva, la desfiguración del animal muerto para acabar con su reconstrucción y devolverle la 'vida'. Un acto perturbador, además de fantasioso, a medio camino entre las disecciones de un asesino y los dudosos poderes de un dios. En este punto, la posición fantasmática del sujeto (autor/espectador) es encriptada y no responde a un paradigma común. Su lugar depende de la subjetividad, del grado de fetichismo que le concedamos a las imágenes (dibujo/fotogramas) que se presentan. El grado de identificación siempre será incierto, convulso, una sátira de lo acontecido. --- Marta Corada, Logroño LaRioja 1984. Graduada en Bellas Artes y fotografia por la universidad de Salamanca y Barcelona, Ha realizado varias exposiciones en ambas comunidades asi como en su ciudad natal donde ha obtenido premios y reconocimientos en los últimos años. Internacionalmente su obra a ha sido expuesta en Berlin y y Shanghai. En el 2011 se traslada a Londres ciudad en la que reside actualmente, y en el 2012 obtendrá una residencia artística que le permitirá desarrollar su útimo proyecto fotográfico Post Memories en La ciudad de Shanghai, China. Durante los siguientes meses obtiene la Beca de profesionalización artística otorgada por el Gobierno de La Rioja y el Museo Würth, y continúa con la Serie Post Memories, ampliándola con instantáneas tomadas en Reino Unido y España. La serie podrá verse expuesta en diferentes salas del territorio Español durante el 2014. La obra que muestra en esta exposición, son dos imágenes de su serie Post Memories series 2013, un proyecto fotográfico que ha realizado la artista en los últimos meses en España, Reino Unido y Shanghai. Este proyecto juega con los acontecimientos mientras abre la vía a nuevos significados y relaciones entre los individuos y el espacio. Mediante la toma de múltiples fotografías sobre una misma escena, se componen estas imágenes, seleccionando meticulosamente lo que quedará de cada disparo en la fotografía final. La serie muestra escenas únicas y enigmáticas, los personajes que las componen, comparten gestos y acciones, intercambian miradas, y son capturados en el momento en el que se cristaliza su máxima expresión. Estos y otros elementos son combinados dentro de una misma imagen, otorgando un sentido diferente a la escena final. Se genera entonces una realidad convenida por el artista, donde el significado es amplio y queda siempre abierto a la conciencia e interpretación de cada uno. Las dos fotografías seleccionadas para esta exposición pertenecen a la serie Post Memories Sanghai. Esta serie, que comenzó siendo un trabajo más experimental, ha llegado a convertirse en la vía de investigación de la artista alrededor de las posibilidades que ofrece la fotografía, utilizándola para reflejar y reflexionar sobre la percepción de su entorno. --- Anaisa Franco Devenir es la pieza que presenta Anaisa Franco. Es una interfaz interactiva que permite al usuario experimentar una fluctuación de género de su propia cara y voz al ver un espejo interactivo mientras ve las entrevistas con los transexuales. El proyecto tiene como objetivo reflexionar sobre la división de género, la construcción social y política del cuerpo y el flujo de la identidad biológica. Lo que imaginamos como la división biológica y binaria entre hombre y mujer, masculino y femenino es una construcción social: experimentar la interfaz podría ser una manera de desactivarlo. He decidido hacer un proyecto que va directamente al encontrar transexuales después de estudiar la obra literaria española de Beatriz Preciado, figura esencial de la Teoría Queer. Estoy interesada en el desafío feminista formulado por los primeros teóricos de la teoría queer en los años 90, el análisis de la naturaleza socialmente construida de las sexualidades e identidades como un conocimiento clave para entender el género en el siglo 21. La instalación ofrece una operación dualista al confrontar a la audiencia con una experiencia interactiva mientras presenta historias reales sobre la base de una investigación de casos individuales. 'Estamos todos los cuerpos libres post operatorias que nos transsexualiza. Estamos más o menos operado por tecnologías sociales muy específicas.' (Marie-Hélène Bourcier) ' La sexualidad es como las lenguas. Todos podemos aprender más ' (Beatriz Preciado) BIO Anaisa Franco, 1981. Trabaja como artista en Applied Estudio Futuro en Berlín. Desde 2006 viene desarrollado proyectos en Medialabs y Residencias en ZKU, Cité Internationale des Arts, L'Estruch, HANGAR, Medialab PRADO, MECAD, MIS y TAV-Taipei Artist Village. Ha expuesto sus trabajos en América, Europa y Asia. Ha realizado el master en Arte Digital y Tecnología por la Universidad de Plymouth en Inglaterra y es graduada en Artes Visuales en la FAAP en Sao Paulo. Crea esculturas robóticas que interconectan el físico con el digital, resignificando conceptos de psicología y proporcionando comportamientos, imaginaciones y sentimientos para las esculturas. --- Ruth Gómez (Valladolid, 1976) es licenciada en BBAA por la Universidad de Salamanca. Conocida por sus videocreaciones en animación, muchas de ellas desarrolladas también como videopinturas, y también por sus dibujos digitales o a lápiz y sus murales e instalaciones, el trabajo de Ruth Gómez incide, desde la cercanía y la cotidianidad, en diferentes aspectos de la condición humana dentro de la sociedad contemporánea, abriendo la puerta a la posibilidad de escape o evasión a través de la fantasía. Rasgos de la cultura juvenil, como el graffiti o el animé japonés, el uso distintivo y significante del color y cierta renovación de tradiciones del arte pop pero también del dibujo clásico la han convertido en una de las artistas nacionales de referencia. Ha participado en ferias internacionales como Art Fiera (Bolonia), Art Dubai, Art Lisboa, Art Cologne (Palma de Mallorca), Sp Arte (Sao Paulo), The Armory Show (Nueva York) o ARCO (Madrid). Sus vídeos y dibujos se han mostrado en museos como el MUSAC (León), DA2 (Salamanca), CAC (Málaga), CAAC (Sevilla), CAB (Burgos), ARTIUM (Vitoria), MNBA (Buenos Aires), San Diego Museum of Art o MOCA (Seúl) entre otros. Ha colaborado con el Museo Guggenheim de Bilbao, realizado un videoclip para el grupo Fangoria, y participado en festivales como el SFIAF (San Francisco), PARALLAX (Belgrado) o el FIBart (Benicássim). Ha sido galardonada con el premio de Artes Plásticas de la Cámara de Comercio de España en Francia, becada por el Ministerio de Cultura en el Colegio de España en París, MUSAC y otras, y está presente en colecciones como las de la Fundación Coca-Cola, MUSAC (León), MAS (Santander), ARTIUM (Vitoria) o CAC (Málaga) entre otras, Vive y trabaja en Madrid. Web: http://www.ruthgomez.com/ La obra de Ruth Gómez es sensible a escenas cotidianas y cercanas en el tiempo. Propone historias animadas que reflexionan por un lado acerca de la naturaleza del ser humano, y por otro sobre formas de evasión a través de la fantasía. Es una extensión de su propia experiencia que podría ser la nuestra, convirtiéndose en ocasiones en proyecciones compartidas donde la realidad y la ficción se entremezclan. Sus imágenes - caracterizadas por el dinamismo y su personal empleo del color - están influenciadas por el dibujo clásico, el Pop art y el anime japonés. Al mismo tiempo, son el resultado de un complejo entramado de líneas y puntos que acercan los medios digitales utilizados a cualidades pictóricas. --- Paloma Pájaro [Parte del texto sobre su obra 'Pray Time'] Lo que dijo Bob Esponja. 'Yo perdí algo una vez. Algo sin lo que no podía vivir. Mi identidad'. 'Identidad perdida' es el título del capítulo 58 de la famosa serie de dibujos animados. La historia comienza con esta melodramática declaración del protagonista y un delirante relato a modo de flash back donde Bob Esponja explica cómo un día perdió su identidad y cómo consiguió recuperarla. Alguien poco avisado esperaría, sin duda, la descripción de un patético drama pero estamos hablando del maravilloso mundo irrompible de Bikini Bottom, la ciudad submarina donde vive Bob Esponja. Amén de la implacable frescura de sus guiones y de su psicodélica plástica, los guionistas de la serie construyen muchos de sus argumentos a partir de divertidos equívocos, tales como asignar a una chapa metálica la complejísima magnitud del 'Yo'. Lo que Bob Esponja ha perdido es la tarjeta de identificación que utiliza en el trabajo (es cocinero en el Crustáceo Crujiente), y sufre un fortísimo ataque de angustia existencial cuando imagina que su chapa ha caído en manos de un malhechor y que éste se dedica a cometer tropelías en su nombre. Nos encontraríamos, sin duda, ante un aparatoso y desorbitado caso de usurpación de identidad, una situación sólo concebible en un mundo igual de aparatoso y disparatado. El proyecto 'pray time' aborda, asimismo, la problemática de la identidad. ¿Es real o ficticia? ¿Qué es lo que la define? ¿Cuáles son sus límites? ¿Es posible aprehender, específica e inequívocamente, la identidad del individuo, de tu pareja, por ejemplo? ¿Es posible ir más allá de la experiencia www.festivalmiradasdemujeres.com subjetiva y defender la independencia del otro? En resumidas cuentas ¿Es posible constituir el otro ajeno? Y por último ¿Tendría algún sentido querer conseguirlo? Sospecho que no. BIO Inicia su trayectoria artística tras su licenciatura en Bellas Artes por la especialidad de pintura (Universidad de Salamanca, 1995/2000). En el año 2013 obtuvo el título de Master en Postproducción Digital (Universidad Politécnica de Valencia), con la presentación de la tesis de investigación 'Semántica del sonido ambiente en la obra cinematográfica de Ingmar Bergman'. Durante el año 2004 obtuvo el Premio Caja España de Pintura así como la Beca de Artes Plásticas del Colegio de España en Paris (Ministerio de Cultura Español). En el año 2008 le fue concedida, asimismo, una de las becas de la colección CAM de Artes Plásticas. Su trabajo ha sido acogido dentro de los programas expositivos de espacios como la Universidad Politécnica de Valencia, la galería Adora Calvo de Salamanca, el Oktogon HfBK de Dresden (Alemania), el JIEM XV 'Videocreación y música contemporánea'. (Museo Reina Sofía), la Sala Parpalló, MuVIM de Valencia, el DA2 de Salamanca o las ferias ARCO'05, ART Santander y Art/Salamanca, entre otros. Actualmente vive y trabaja en Miramar, Valencia. --- Azucena Vieites, Azucena Vieites utiliza el dibujo y el collage como principales herramientas de trabajo. Su obra es un proceso de apropiacionismo y resignificación iconográfica de materiales y referentes que están vinculados al imaginario cultural contemporáneo. El ejercicio de reelaboración visual de Azucena Vieites explora fundamentalmente las potencialidades expresivas de las formas no lineales de narración, dotando a su obra de un carácter aparentemente sintético, que establece complicidades con el público espectador y que trata de representar una memoria en relación a un momento presente y a una experiencia de paso por ello. La obra que se presenta en esta exposición son publicaciones de artista donde demuestra su interés por la obra publicada y el trabajo artístico en la edición. BIO Azucena Vieites, artista y cofundadora de Erreakzioa-Reacción, una iniciativa que surge en 1994 para el desarrollo de proyectos entre la práctica artística y el activismo feminista. En la actualidad vive y trabaja en Madrid. El trabajo de Vieites se ha articulado en torno al uso del dibujo como 'técnica e ideología', producto de una elección consciente y significativa en la resolución de un proyecto plástico basado en la revisión y apropiación icnográfica de imágenes que proceden de la sociedad y la cultura contemporánea. Su desarrollo del dibujo convierte éste en un medio de expresión ágil, directo y accesible, en una forma de reflexión y conocimiento del entorno que le rodea. El dibujo posibilita pues la representación de una cultura contemporánea desde aproximaciones que cuestionan la lógica formal narrativa y de la que surge una multiplicidad de imágenes. Estas aproximaciones permiten coexistir diversos estratos de sentido y componen un tejido visual a modo de remezcla, de remix musical. Ha participado en numerosos proyectos y exposiciones colectivas como Actos de edición (Santander 2011) o Valparaíso: in(ter)menciones (Valparaíso, Chile, 2010).Entre sus exposiciones individuales cabe destacar: Tableau vivant (MNCARS, Madrid, 2013); Fundido encadenado - Break You Nice (MUSAC, León, 2012); Coloring Book (Galería Moisés Perez de Albeniz, Pamplona, 2011); Collages ( Galeria Fúcares, Madrid, 2009); Check Out What I've Got (Kunsthaus, Wiesbadem, Alemania, 2006); Oye lo que traigo ( Sala Rekalde, Bilbao, 2005).Ha colaborado con sus dibujos en publicaciones como New Feminism (Löcker, Viena, 2007), en proyectos como Dig Me Out (www.digmeout.org, 2009), y en las Jornadas Feministas Estatales de Granada (2009), realizando el cartel y la portada del libro. En la actualidad trabaja como Profesora asociada en la facultad de Bellas Artes de Salamanca, USAL. Cofundadora en 1994 de Erreakzioa-Reacción, un espacio para la realización de proyectos en torno al arte, el feminismo y el pensamiento contemporáneo desde una voluntad de incidir en los contextos de recepcion y productos propios. Para Vieites la cultura DIY, Do It Yourself (Hazlo tu misma/o), nacida con el movimiento Punk en los años setenta, sigue hoy plenamente vigente en relación a la generación de un nuevo orden en el que las posibilidades de la autogestión adquieren especial relevancia, sobre todo desde el punto de vista feminista. Es a partir del concepto de autogestión como se entiende la relación con las técnicas del fanzine en su trabajo, haciendo referencia a las publicaciones de autoedición independientes que se realizan con medios modestos y accesibles. - COMISARIA-- Araceli Corbo Responsable de la Biblioteca - Centro de Documentación del MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) desde 2005. Licenciada en Documentación, Diplomada en Biblioteconomía, Experta en Información, DEA en el doctorado de 'Estudios interdisciplinares de género' y Grado de Salamanca. Cuenta con un Máster en Edición de la Universidad Salamanca y Ediciones Santillana, cursos de experto en Community Manager y Marketing on-line, además de numerosos cursos sobre arte contemporáneo, gestión de exposiciones y formación especializada en documentación de museos. Organiza los 'Encuentros sobre Redes Sociales en Museos y Centros de Arte' que se celebran en el MUSAC (León, 2010-2013) y las 'Jornadas Arte y Redes: agentes y contenidos' en Etopia_ Centro de tecnología y Arte (Zaragoza, 2013). También organiza Foros de la Edición sobre publicaciones especializadas y un Seminario sobre Publicaciones de Artistas. Programa talleres de hardware y software libre para la Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC. Asesora del proyecto: 'Territorio Archivo' de la Fundación Cerezales Antonino y Cinia, coordinadora del Archivo Documental de Artistas de Castilla y León (ADACYL) y comisaria de 'El mundo de hoy en 20 libros de fotografía', 'La imagen editada', 'Campo de Agramante', 'Todo en parte. Publicaciones de artistas en las colecciones del MACBA' en el espacio Vitrinas del MUSAC. Actualmente comisaría el proyecto 'Colectivos y Espacios independientes de Castilla y León' para el Proyecto Vitrinas del MUSAC y 'Arqueologías de lo íntimo' en el Auditorio Ciudad de León. Directora del Festival Miradas de Mujeres en Castilla y Léon en 2013-2014.
Exposición participante en el Festival Miradas de Mujeres 2014. Artistas: Lorena Amorós, Marta Corada, Anaisa Franco, Ruth Gómez, Paloma Pájaro y Azucena Vieites.
Desde la mímesis a la ficción y viceversa
Premio. 14 abr de 2025 - 12 may de 2025 / Madrid, España
Exposición. Desde 07 may de 2025 / Galeria Senda / Barcelona, España
Formación. 30 oct de 2025 - 11 jun de 2026 / Museo Nacional del Prado / Madrid, España