A vista de pájaro: las noticias destacadas de la semana

MACBA lanza la 10ª edición del PEI centrada en la solidaridad artística ante un «presente inadmisible»

Barcelona, [fecha] — El Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) presenta la décima edición de su Programa de Estudios Independientes (PEI), titulada «Sol y dar y dad». Aprendizajes colectivos para un presente inadmisible, que se desarrollará de septiembre 2025 a julio 2026. Inspirado en el poema homónimo de Cecilia Vicuña, el programa explorará la solidaridad como práctica artística y política en un contexto de creciente represión y neofascismo.

Bajo la dirección de María Berríos, el PEI abordará tres líneas de investigación: Panafricanismos, enfocado en luchas anticoloniales; Solidaridades de cuerpxs, que analizará redes de cuidado en comunidades racializadas y disidentes; y Contrainformación, que revisará medios alternativos como herramientas de resistencia. Cada eje estará guiado por especialistas como Elvira Dyangani Ose, Tania Safura Adam (Archivos Negros), Nancy Garín (Equipo re, Cosmografías) y Erick Beltrán (Lumbung Press).

El programa, continuación del proyecto Canción para muchos movimientos (2024), contará con invitados internacionales como Chimurenga-Ntone Edjabe, Marwa Arsanios y el colectivo Radio Alhara. Además, se articulará con exposiciones del MACBA, como Proyectar un planeta negro, para tejer conexiones entre arte, activismo y memoria histórica.

Con colaboraciones de instituciones como Hangar y L’Internationale Online, el PEI busca generar «geografías de solidaridad» a través del arte. Las bases de inscripción se publicarán próximamente en la web del museo, ofreciendo un espacio para repensar colectivamente las resistencias ante un mundo en crisis.

Obra de Leonardo Lobão

Solar dos Abacaxis celebra su décimo aniversario reflexionando sobre la libertad en contextos de encierro

Río de Janeiro, Brasil — El Solar dos Abacaxis, espacio cultural ubicado en el barrio de Lapa, celebra su décimo aniversario con la exposición Os Avessos do Avesso da Liberdade, una muestra que cuestiona el concepto de libertad desde las perspectivas del encarcelamiento penal y manicomial. Bajo la curaduría de Bernardo Mosqueira, Matheus Morani e Izabela Pucu, la exposición reúne obras de 17 artistas, terapeutas, educadores y colectivos, incluyendo nombres destacados como Heitor dos Prazeres y Rosângela Rennó, así como material de archivos institucionales como el Museo Penitenciario de Río de Janeiro.

La muestra aborda cómo las leyes, diagnósticos médicos y políticas públicas refuerzan desigualdades sociales y raciales en Brasil, uno de los países con las tasas de encarcelamiento más altas del mundo. Izabela Pucu, curadora de la exposición, explicó que el proyecto busca «revelar la selectividad y el racismo en los procesos de criminalización», al tiempo que destaca las formas de resistencia y expresión que emergen dentro de los sistemas opresivos. Entre las obras expuestas se incluyen piezas creadas por el colectivo Mulheres Possíveis, integrado por mujeres privadas de libertad.

Matheus Morani, otro de los curadores, señaló que la exposición no solo denuncia, sino que también invita a una reflexión crítica sobre la justicia y la democracia en un contexto de creciente autoritarismo. «Queremos que el público se acerque a estas realidades y cuestione las estructuras que damos por sentadas», afirmó. La muestra incluye desde documentos históricos hasta obras inéditas, tejiendo un diálogo entre arte, activismo y memoria.

Esta exposición marca el inicio de una intensa programación en el Solar dos Abacaxis para 2025, que incluirá dos muestras más —entre ellas una dedicada a la artista Castiel Vitorino Brasileiro—, además de talleres, seminarios y debates. Adriano Carneiro de Mendonça, director ejecutivo del espacio, destacó que el objetivo es consolidar al Solar como un lugar de encuentro comunitario y reflexión crítica, manteniendo «a les artistas y sus sueños en el centro» de todas las iniciativas.

Con esta propuesta, el Solar dos Abacaxis reafirma su compromiso con el arte como herramienta de transformación social, abriendo un espacio necesario para discutir temas urgentes en un mundo donde la cultura punitiva ha sido normalizada. 

"Bendición", performance de Courtney Desiree Morris. Córdoba, 2023. Fotografía por Fernando Sendra. Imagen cortesía de TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary

C3A y TBA21 culminan una alianza histórica que posicionó a Córdoba en el mapa del arte global

Córdoba, España — Tres años de colaboración entre el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A) y la Fundación TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary han transformado a Córdoba en un epicentro de arte contemporáneo con proyección internacional. Así lo reportan ambas instituciones cuya alianza concluye este 2025 dejando un legado de más de 150.000 participantes, 250 obras exhibidas de la colección TBA21 y 20 nuevas producciones de artistas como Cristina Lucas, Niño de Elche y Mirna Bamieh.

El programa se articuló en una trilogía de exposiciones bajo la curaduría de Daniela Zyman: Futuros Abundantes (2022-2023), Remedios (2023-2024) y Ecologías de la paz (2024-2025). Estas muestras abordaron, desde el arte, crisis globales como el colapso climático, el extractivismo y los conflictos sociales, con obras de Ai Weiwei, Beatriz Milhazes y Forensic Architecture, entre otres. «No fueron solo exposiciones, sino espacios de escucha y reparación simbólica», destacó Marina Avia Estrada de TBA21.

El proyecto involucró a 130 artistas y 20 instituciones locales, como SEO/Birdlife Córdoba y la Filmoteca de Andalucía, generando un diálogo único entre arte, ecología y comunidad. Iniciativas como Meandering —performances sonoras en el Guadalquivir— y talleres con colectivos indígenas ampliaron el impacto social. «Córdoba demostró que el arte puede ser un motor de transformación», afirmó Francesca Thyssen-Bornemisza, presidenta de la fundación.

Con 134.000 visitantes y 14.000 participantes en actividades educativas, la alianza no solo rompió récords de audiencia, sino que consolidó al C3A como un laboratorio de pensamiento crítico. «Queda un tejido artístico fortalecido y la promesa de futuras colaboraciones», señaló Jimena Blázquez, directora del centro. Así, Córdoba se despide de este ciclo como un nodo indispensable en el circuito del arte comprometido con el planeta y sus conflictos.

Izq.: Donna Haraway. Fotografía por Clara Mokri; Der.: Italo Rota. Fotografía por Claudio Moschin

La Bienal de Venecia premia a Donna Haraway e Italo Rota con el León de Oro a la Trayectoria

Venecia, Italia — La 19ª Bienal de Arquitectura de Venecia ha otorgado el León de Oro a la Trayectoria a la filósofa estadounidense Donna Haraway, reconocida por sus aportaciones a los estudios de ciencia, tecnología y feminismo especulativo. En paralelo, el arquitecto italiano Italo Rota (1953-2024) recibirá el León de Oro Especial in memoriam, en homenaje a su innovadora carrera. La ceremonia de premiación se celebrará el 10 de mayo en la sede de la Bienal, Ca’ Giustinian.

Haraway, profesora emérita de la Universidad de California en Santa Cruz, es pionera en replantear la relación entre humanos y otras especies a través de conceptos como el ‘Chthuluceno’, una alternativa al Antropoceno que enfatiza la interdependencia de la vida. Autora de obras fundamentales como Staying with the Trouble (2016), su trabajo ha influido en disciplinas que van desde la antropología hasta el diseño. Carlo Ratti, curador de la Bienal, destacó su capacidad para «redefinir los límites entre lo humano y lo no humano».

Por su parte, Italo Rota, fallecido en 2024, dejó un legado arquitectónico que fusionó arte, tecnología y sostenibilidad. Entre sus proyectos destacan la renovación del Musée d’Orsay en París, el Museo del Novecento en Milán y el Pabellón Italiano en la Expo Dubái 2020. Ratti lo definió como un «visionario» que integró naturaleza y tecnología en una «entidad única».

La Bienal, titulada Intelligens. Natural. Artificial. Collective., inaugurará su exposición el mismo día de la ceremonia, celebrando el cruce entre pensamiento crítico y creación espacial. Un tributo a dos figuras que expandieron los límites de sus campos.

Imagen vía Centre del Carme

El arte contemporáneo se reinventa con la cerámica en el Centre del Carme  

València, España — El Centre del Carme acoge desde mañana, 11 de abril, la exposición Cosas que hacen CLAC, una muestra que explora el uso de la cerámica en el arte español actual. Con obras de más de 30 artistas, entre elles Tamara Arroyo, Elena Blasco y Fernando Renes, la exposición revela la versatilidad de este material en creaciones contemporáneas. Bajo la curaduría de José Luis Clemente, la propuesta se divide en cuatro bloques temáticos: procesos, hechos, articulaciones y trasuntos.

Organizada por el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, la exposición busca destacar el potencial creativo de la cerámica, un elemento tradicional valenciano que ahora se reinterpreta en el arte actual. Las salas 1 y 2 del centro albergarán hasta el 14 de septiembre piezas que van desde lo escultórico hasta lo conceptual, demostrando que la cerámica trasciende su uso artesanal para convertirse en un medio de expresión vanguardista.

Esta es la primera exposición en España dedicada exclusivamente a la cerámica como lenguaje artístico contemporáneo. Cosas que hacen CLAC no solo reivindica su valor cultural, sino que también invita a reflexionar sobre su papel en la identidad valenciana, tanto en la tradición como en la industria actual. Una cita imprescindible para descubrir cómo un material ancestral dialoga con el arte del siglo XXI.

Imagen cortesía de Museu de Arte Contemporânea—MAC/CCB

MAC/CCB de Lisboa despliega ambiciosa programación para 2025 con enfoque transdisciplinar

Lisboa, Portugal — El Museo de Arte Contemporáneo y Centro de Arquitectura (MAC/CCB) de Lisboa presenta su programación 2025, que incluye desde una renovación de su exposición permanente An Atlantic Drift —basada en la Colección Berardo— hasta muestras temporales que exploran desde el activismo gráfico hasta el legado del paisajista Burle Marx. Bajo la dirección artística de Nuria Enguita, el museo reafirma su compromiso como espacio de pensamiento crítico con propuestas que dialogan con la escena local e internacional.

Entre las exposiciones destacadas figura 31 Women, un homenaje a la histórica muestra de Peggy Guggenheim en 1943, que reunirá obras de artistas mujeres hasta septiembre. En paralelo, Vanishing Intimacies abordará la obra de Nan Goldin junto a creadores como Louise Bourgeois y Ana Mendieta, explorando el afecto como forma de resistencia. Otra propuesta relevante es Chantal Akerman: Travelling, coproducida con instituciones belgas, que revisita la mirada política de la cineasta a través de su observación de lo cotidiano.

El programa también incluye reflexiones urgentes: Interspecies examinará las relaciones entre humanos y otras especies, mientras Lighter —en colaboración con la Trienal de Arquitectura de Lisboa— planteará alternativas para habitar el planeta en el Antropoceno. Como cierre del año, Place of Being revalorizará el legado del brasileño Roberto Burle Marx con intervenciones de artistas portugueses en espacios públicos.

Con sedes en Belém, el MAC/CCB consolida así su rol como hub cultural, combinando su colección permanente —con 170 artistas que trazan diálogos atlánticos— con exposiciones temporales, talleres y colaboraciones internacionales. «Queremos ser un museo habitado, donde diversas audiencias encuentren herramientas para repensar el presente», señaló Enguita. 

La programación completa puede consultarse en www.ccb.pt.